Periodistas Unidos a 17 de agosto de 2026. Cuernavaca, Morelos.— Una mesa compartida, una taza de café o un salero pueden parecer objetos ordinarios. En la obra de Pancho López, sin embargo, se convierten en puntos de partida para hablar de memoria, afectos, convivencia y participación colectiva.

La exposición El Picnic y la Sobremesa. Pancho López, más de 25 años de performance, presentada en el Museo Morelense de Arte Contemporáneo (MMAC) Juan Soriano, recupera más de dos décadas de una trayectoria marcada por la transformación de acciones cotidianas en experiencias artísticas.

Curada por Irving Domínguez, la muestra no se limita a reunir registros de performances pasados. A través de videos, fotografías, documentos, objetos e instalaciones, reconstruye una práctica artística que depende del encuentro con otras personas y de la capacidad de convertir un gesto común en una experiencia compartida.

Una parte fundamental de esta historia comenzó entre 1997 y 2002, cuando López realizó picnics en espacios públicos de Ciudad de México, Nueva York, Toronto y Quebec. Al trasladar el acto íntimo de comer a calles, plazas y otros escenarios urbanos, el artista cuestionó las fronteras entre la vida privada y el espacio público.

Aquellas intervenciones también plantearon una forma distinta de entender el performance: no como un espectáculo distante, sino como una acción en la que la convivencia, la comida y la presencia de los participantes construyen la obra.

Con el paso de los años, la conversación adquirió mayor importancia dentro de su producción. En Historias de café, proyecto desarrollado desde 2015, López utiliza esta bebida como un ritual de encuentro. La taza funciona como pretexto para escuchar, intercambiar relatos y crear vínculos, mientras videos y objetos conservan fragmentos de experiencias que originalmente fueron efímeras.

Entre las piezas más representativas de la exposición se encuentra Robar la sal, instalación integrada por más de 200 saleros recolectados por el artista en distintos países. Cada objeto conserva la huella de un lugar y de una acción, pero al reunirse forma un archivo personal construido a partir del desplazamiento, la apropiación y la memoria.

La sal aparece también en esculturas, instalaciones y registros performáticos como una materia cargada de significados. Su capacidad para conservar, transformar y dejar rastros permite al artista relacionarla con el paso del tiempo y con la persistencia de los recuerdos.

El valor de estas obras no reside únicamente en los objetos expuestos, sino en las historias y acciones que representan. Los documentos, videos y piezas materiales funcionan como testimonios de encuentros que ya ocurrieron, pero que adquieren nuevos significados al presentarse ante otros públicos.

Más que una retrospectiva convencional, El Picnic y la Sobremesa muestra cómo la práctica de Pancho López ha evolucionado sin abandonar una idea central: el arte puede surgir de los gestos más simples cuando estos son capaces de reunir a las personas y modificar, aunque sea temporalmente, su manera de relacionarse.

La exposición permanecerá abierta hasta el 30 de agosto de 2026 en el MMAC Juan Soriano, ubicado en la calle Dr. Guillermo Gándara sin número, colonia Amatitlán, en Cuernavaca.

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Periodistas Unidos. 15 de agosto de 2026.— Los letreros pintados a mano, las historietas, los juguetes y los anuncios que alguna vez formaron parte de calles, comercios y hogares mexicanos reaparecen en Aquí es…, exposición individual de Emmanuel García Ramírez.

La muestra reúne más de 100 obras bajo la curaduría de Laura Negrete y Cristian Aburto. En ellas, García recupera imágenes tomadas de publicaciones impresas, archivos personales y recorridos por la ciudad para darles una nueva lectura.

Muchas de estas imágenes permanecen ligadas a recuerdos personales. Un personaje, una envoltura o el anuncio de un negocio pueden remitir a una época, una colonia o una experiencia compartida. El artista trabaja con esos recuerdos para mostrar cómo la cultura popular también forma parte de la historia de México.

García observa la ciudad como un lugar donde se acumulan huellas del pasado. Los rótulos comerciales, la publicidad callejera, el grafiti y las viviendas conservan formas de hablar, vender, vivir y relacionarse que cambian con el paso del tiempo.

Mediante dibujos, grabados y collages, el artista reúne esos fragmentos y construye escenas en las que la memoria personal se encuentra con la experiencia de otras generaciones. Su trabajo permite reconocer imágenes familiares y observarlas desde el presente.

Durante más de 25 años, Emmanuel García ha trabajado con materiales relacionados con la vida urbana y la cultura popular. Su obra presta atención a imágenes que suelen desaparecer sin dejar registro, aunque hayan ocupado un lugar importante en la vida cotidiana.

Como parte de las actividades de la exposición, el artista ofrecerá una charla el 20 de agosto, a las 18:30 horas.

Aquí es… permanecerá abierta hasta el 4 de septiembre, de lunes a viernes, de 12:00 a 18:00 horas, en UOTAN Casa Roma, ubicada en Minatitlán 24, colonia Roma Sur.

UOTAN Casa Condesa, en Fernando Montes de Oca 86, contará también con un espacio para exhibir y vender una selección de obras de Emmanuel García.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 08 de agosto de 2026.- El colectivo comunitario Cinema Tepito llevará a cabo la Retrospectiva María Rojo del 15 de agosto al 5 de septiembre de 2026, un ciclo itinerante de exhibición cinematográfica gratuita que recorrerá recintos emblemáticos de la Ciudad de México para revisar la trayectoria de una de las intérpretes más representativas del cine nacional.

La inauguración del programa tendrá lugar el sábado 15 de agosto a las 16:00 horas en el Centro de Artes Escénicas María Rojo, ubicado en la unidad habitacional Tlatelolco, en el marco de la conmemoración del Día Nacional del Cine Mexicano y el cumpleaños de la homenajeada. Durante la sesión inaugural se proyectará el largometraje María de mi corazón (1979), con dirección de Jaime Humberto Hermosillo y guion de Gabriel García Márquez, además de la presentación especial del cortometraje restaurado Idilio, resguardado con apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).

Como parte de las actividades, el proyecto cultural instaurará el Reconocimiento Changarro de Barrio a la Trayectoria Fílmica, distintivo otorgado por las comunidades espectadoras para reconocer la aportación artística y preservación de la memoria audiovisual del país. María Rojo se convertirá en la primera figura del cine mexicano en recibir esta distinción desde una perspectiva comunitaria.

El itinerario de proyecciones contempla Sedes históricas y culturales conectadas simbólicamente con las cintas programadas: el Cineclub La Fragua exhibirá El callejón de los milagros; el Archivo General de la Nación —antiguo Palacio de Lecumberri— albergará la proyección de El apando; mientras que la jornada de clausura en el barrio de Tepito presentará las cintas Me llaman la Chata Aguayo y Tespis Teporocho.

 Programación

 María de mi corazón +  Idilio (Versión restaurada)  | Dir. Jaime Humberto Hermosillo

 Sábado 15 de agosto | Función inaugural  16:00 h

 Centro de Artes Escénicas Teatro María Rojo: 5 de Mayo Manuel González 286, Tlatelolco, alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México.

 El callejón de los milagros (Versión restaurada) | Dir. Jorge Fons

 Sábado 22 de agosto  16:00 h

 Cineclub La Fragua: (Auditorio Jesús Terán del Antiguo Colegio de la Santa Cruz de Tlatelolco, Plaza de las Tres Culturas) : Almacenes 92, colonia Tlatelolco, alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México.

 El apando | Dir. Felipe Cazals 

 Viernes 28 de agosto

 18:00 h Recorrido guiado por el Archivo General de la Nación (Duración 1 hora, Registro previo | Cupo limitado)

 19:00 h Inicio de la proyección

 Archivo General de la Nación: Av. Ingeniero Eduardo Molina 113, colonia Penitenciaría Ampliación, alcaldía Venustiano Carranza, Ciudad de México.

 Me llaman la Chata Aguayo | Dir. Manuel Bonilla
 Tespis Teporocho | Dir. Alejandro Ramírez 

 Sábado 5 de septiembre | Función de clausura  19:00 h

 CAO Tepito: Rivero 12, colonia Morelos, alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México.

 Las funciones estarán acompañadas por conversaciones con invitadas e invitados especiales, fortaleciendo el diálogo entre el público, las películas, sus creadores y los territorios que las reciben.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 08 de agosto de 2026.- La compañía española de flamenco contemporáneo Víctor y Ruvén realizará su primera gira internacional en territorio mexicano del 12 al 23 de agosto de 2026, con un programa de once actividades culturales y formativas distribuidas en cinco ciudades del país. El dúo, integrado por el bailaor y coreógrafo Víctor Mayol y el músico Niño Ruvén —reconocido como el creador del fagot flamenco—, cuenta con el respaldo institucional de la Embajada de España en México para el desarrollo de esta jornada artística.

El itinerario escénico abarcará sedes culturales y teatrales en Chilpancingo de los Bravo, Santiago de Querétaro, Mérida, Heroica Puebla de Zaragoza y la Ciudad de México. Dentro de la oferta de espectáculos, la agrupación presentará las obras Mestizaje: Redescubriendo el mundo del flamenco, propuesta de carácter interactivo dirigida a audiencias familiares, e Inferencia: Zaguán del destino, montaje que explora la conjunción entre el baile flamenco tradicional e instrumentos no convencionales en el género como el fagot, la flauta de pico y el duduk. Asimismo, participarán el 16 de agosto en la gala de clausura del Taam Taam Fest en el Teatro Armando Manzanero de Mérida, Yucatán.

En el ámbito académico y de investigación, la agrupación llevará a cabo conferencias y laboratorios creativos en instituciones de educación superior del país. El 17 de agosto, la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) albergará la conferencia La construcción del fagot flamenco, donde Niño Ruvén expondrá los avances técnicos e innovaciones organológicas desarrolladas junto a la firma NA Bassoons. Por su parte, la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) recibirá el 20 de agosto el taller especializado Saca el cien por cien de ti, enfocado en la técnica e identidad de la interpretación musical.

Con este recorrido por foros independientes, teatros y recintos universitarios, el ensamble surgido en 2025 consolidará su presencia en la escena hispanoamericana de la música y la danza, promoviendo el intercambio cultural y la difusión de nuevas expresiones dentro del lenguaje del flamenco contemporáneo.

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Periodistas Unidos, 8 de agosto de 2026.- Escrita en 1939 y ambientada durante la Guerra de los Treinta Años, la obra sigue a Anna Fierling, conocida como Madre Coraje, una comerciante que recorre los territorios en conflicto junto con sus hijos y un viejo remolque que funciona como casa, tienda y medio de subsistencia.

La protagonista depende económicamente de la guerra, pero es también el conflicto el que termina por destruir aquello que intenta proteger. A partir de esa contradicción, Brecht construyó una reflexión sobre la violencia, el comercio y los mecanismos que permiten que una guerra se prolongue más allá del campo de batalla.

Madre Coraje y sus hijos evita presentar el conflicto desde una división simple entre víctimas y responsables y observa, en cambio, la forma en que la guerra transforma la vida cotidiana, las relaciones económicas y las decisiones individuales.

La dirección de Luis de Tavira suma un elemento central a esta nueva versión. Director, dramaturgo, pedagogo y una de las figuras fundamentales del teatro mexicano contemporáneo, De Tavira ha desarrollado una trayectoria de varias décadas vinculada tanto a la puesta en escena de grandes textos dramáticos como a la formación de nuevas generaciones de actores y directores.

En esta puesta, uno de los elementos centrales será el remolque que Madre Coraje arrastra durante su recorrido. La pieza funciona como hogar, mercancía y carga, y concentra buena parte de la propuesta visual del montaje, que combina la escala del teatro épico con una escenografía de elementos esenciales.

La música tendrá también un peso importante. Una pequeña banda acompañará en vivo las canciones interpretadas por el propio elenco en números solistas, duetos, tríos y corales. Fieles al lenguaje brechtiano, estas intervenciones no funcionan únicamente como acompañamiento, sino como pausas que permiten observar y cuestionar lo que sucede en escena.

La propuesta sonora incorpora referencias contemporáneas vinculadas con la frontera norte de México, territorio estrechamente relacionado con la historia de Telón de Arena, compañía originaria de Ciudad Juárez. La elección permite acercar el texto de Brecht a una sensibilidad actual sin modificar el contexto histórico de la obra.

Con este montaje, Telón de Arena celebra dos décadas de trabajo escénico con una de las producciones más ambiciosas de su trayectoria. La compañía ha desarrollado buena parte de su trabajo desde la frontera norte, una condición que también ha marcado su interés por temas como la violencia, el desplazamiento, la identidad y las tensiones sociales.

El elenco está integrado por Andrés Weiss, David Lynn, Perla de la Rosa, David Juan Almela Olguín, Ezra de la Rosa, Saura Jiménez, Stefanie Weiss, Marco García, Roberto Soto, Lucio Jiménez Cacho Godet, Guadalupe Balderrama y Alexander Lozano.

Madre Coraje y sus hijos tendrá funciones del 13 al 30 de agosto, de jueves a domingo a las 18:00 horas, en el Teatro de las Artes del Cenart. El boleto general tendrá un costo de 300 pesos, con promoción de 100 pesos los jueves. Las localidades estarán disponibles en taquillas y a través del sistema de venta en línea del Cenart.

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Periodistas Unidos, a 8 de agosto de 2026.- El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca presenta la exposición «Me veo allí donde no estoy. Evocaciones difusas a través de un archivo incompleto de graffiti» una revisión de la escena que modificó el paisaje urbano de Oaxaca entre 1995 y 2005.

La muestra reúne fotografías, bocetos, prendas, latas de aerosol y otros objetos conservados por más de 30 personas vinculadas con el graffiti en la ciudad. Los materiales permiten reconstruir parcialmente una historia marcada por la creación colectiva, las amistades, el aprendizaje en la calle y la formación de lenguajes visuales propios.

La exposición es resultado de «Cartografías Callejeras», un proyecto de investigación impulsado por el IAGO mediante talleres, conversatorios, laboratorios y encuentros con integrantes de aquella generación. Durante el proceso se reunieron más de 900 fotografías, además de testimonios y objetos que permanecían dispersos en archivos personales.

Bajo la curaduría y coordinación de Itandehui Franco Ortiz, el recorrido no busca establecer una historia definitiva. Parte, precisamente, de las ausencias, los materiales perdidos y los recuerdos parciales para observar cómo se construye la memoria de una práctica efímera, realizada en espacios que cambiaron o desaparecieron con el tiempo.

La exposición se organiza en diez núcleos planteados como “islas de memoria”. Entre ellos aparecen los primeros encuentros de la comunidad, las transformaciones sociales que atravesaron a esta generación, el desarrollo de distintos estilos y la participación de las mujeres en una escena dominada mayoritariamente por hombres.

Uno de los apartados busca dar visibilidad a esas creadoras, cuya presencia quedó registrada en pocas imágenes y documentos. El reducido número de materiales disponibles también permite reconocer los vacíos que existen en los relatos sobre el graffiti y la necesidad de ampliar su recuperación.

Entre las personas que aportaron piezas y acompañaron el proyecto se encuentran Mex, Wacko, Yankel y Beach. La museografía estuvo a cargo de Emmanuel Santos “Cer”, integrante de la propia comunidad del graffiti en Oaxaca.

Más que trasladar obras de la calle a una sala, la muestra se concentra en los rastros que hicieron posible esta práctica: dibujos previos, pruebas, fotografías analógicas, herramientas y objetos personales. Estos materiales muestran el trabajo detrás de cada intervención y las redes de colaboración que se desarrollaron alrededor de ella.

El proyecto estará acompañado por una publicación gratuita con cerca de 200 imágenes y testimonios de quienes compartieron sus archivos. La edición también podrá consultarse en formato digital y busca conservar una parte de esta historia para nuevas generaciones.

«Me veo allí donde no estoy» permanecerá abierta hasta el 19 de septiembre de 2026 en El Alacrán, espacio del IAGO ubicado en Macedonio Alcalá 507, Centro Histórico de Oaxaca de Juárez.

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• El escritor Andrés de Luna revela el proceso creativo detrás de su nueva novela

Por José Sobrevilla

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 07 de agosto de 2026.- El autor, Andrés de Luna Olivo (Tampico/1955), exprofesor de quien esto escribe en su paso por la UNAM, reveló en entrevista exclusiva haber escrito su obra sin un plan previo, dejando que los personajes y la historia surgieran de manera espontánea, en una apuesta por preservar la frescura narrativa. También autor de “Erótica, la otra orilla del deseo” (Editorial Grijalbo, 1992), comentó en esta ocasión que estaba acostumbrado a escribir un libro cada año, y a partir de una pausa de ocho años, llegó a publicar 25 libros antes de esta, su segunda aventura novelística.

En charla programada en su domicilio, después de la presentación en la Casa Jaime Sabines (Av. Revolución #1747, Col. San Ángel. Álvaro Obregón 01000 CDMX) el sábado 25 de julio (2026) con la presencia —además del autor— de Luis Ignacio Sáinz, Gabriela Fonseca y Luis Agudin, esta vez nos ofreció detalles del proceso creativo de “El bibliotecario de la isla”, una novela que, según explicó Andrés, la escribió sin esquemas, mapas narrativos o un desenlace previamente definido. Durante la entrevista, el autor aseguró que prefirió dejar que la imaginación guiara el desarrollo de la historia, una decisión que terminó por darle autenticidad y naturalidad al relato.

Nunca tuve una idea precisa de ‘El Bibliotecario’, reconoció el escritor al explicar que “cuando inició la obra, no tenía idea de cómo terminaría”. En lugar de construir una estructura rígida, permitió que la trama y los personajes aparecieran conforme avanzaba la escritura, una técnica que considera riesgosa, pero que le permitió mantener intacta la frescura de la obra.

La historia gira en torno a un personaje que termina desempeñándose como bibliotecario en una isla, razón por la cual el título terminó imponiéndose de manera natural tras un proceso de selección realizado junto con su editora, Norma Patiño. “A lo largo de siete generaciones, los Aldape de los Ríos trazan una genealogía marcada por el deseo, el secreto y la muerte. Todo comienza con Pedro, un joven mexicano que viaja a París en 1867 para estudiar leyes y termina como bibliotecario en una isla remota del Mediterráneo, donde su registro se pierde misteriosamente (…)” escribió en la cuarta de forros.

Señaló el autor que el nombre sintetiza la esencia de la novela y representa mejor el universo narrativo construido durante el proceso creativo.

Con esta, su segunda novela, el escritor admitió que aún se considera un «aprendiz de novelista» y comparó esta publicación con la primera (“El invierno apenas comienza”, Tusquets Editores/2005), una obra ambientada en Europa, que describió como “un intento más experimental y postmoderno». A su juicio, “El bibliotecario de la isla” posee una narrativa más sólida, integrada y madura, lo que representa un paso adelante en su evolución literaria.

Su primera novela fue publicada por la editorial “El tapiz del unicornio”, de José Antonio Lugo, “quien es un gran editor, un gran amigo, y él me publicó ‘En un día claro se ve la noche’ (El tapiz de unicornio/2018), y ahí yo creo que están mis mejores cuentos”. Sin embargo, el primer libro del escritor mexicano originario de Ciudad Madero, Tamaulipas, pero criado desde muy niño en la Ciudad de México, fue el ensayo cinematográfico e histórico titulado “La batalla y su sombra: la revolución en el cine mexicano” (Universidad Autónoma Metropolitana (UAM-Xochimilco/1984).

El Bibliotecario de la Isla describe la herencia invisible que se transmite no en los apellidos sino en los cuerpos, los deseos y las obsesiones. “Andrés de Luna construye una saga familiar donde el erotismo y la muerte se tocan sin pudor, y donde el misterio —el de los muertos y el de los vivos— resulta ser la única certeza que pasa de generación en generación…” obra que se publicó por una editorial independiente (Mastodonte), lo que refleja el creciente papel que estos sellos desempeñan en el impulso de nuevas voces en la literatura mexicana, la cual muy pronto estará a la venta. VER VIDEO

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Periodistas Unidos. 7 de agosto de 2026.- El Concurso Nacional de Video Experimental abrió su convocatoria 2026 para recibir obras que exploren las posibilidades de la imagen en movimiento, desde el videoarte y el cine experimental hasta la inteligencia artificial, la realidad virtual, la animación y las instalaciones audiovisuales.

La iniciativa, organizada por la Secretaría de Cultura de Baja California y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), seleccionará hasta 20 trabajos para exhibirse en Baja California y la Ciudad de México. Una de las obras recibirá un premio de 150 mil pesos y se incorporará al patrimonio artístico de la Secretaría de Cultura estatal.

Podrán participar artistas, cineastas, documentalistas y creadores audiovisuales de nacionalidad mexicana, así como personas extranjeras con residencia permanente en el país. Las y los participantes deberán tener más de 30 años al cierre de la convocatoria y podrán presentar proyectos individuales o colectivos.

Las obras deberán haber sido producidas entre el 1 de enero de 2024 y el 30 de junio de 2026, tener una duración mínima de un minuto y máxima de 15. Cada participante podrá registrar hasta tres propuestas.

El concurso contempla una sola categoría, dedicada al video experimental. Sin embargo, el campo de participación incluye: cine experimental, documental no convencional, videoperformance, videoinstalación, animación, apropiación de archivos e imágenes, proyectos inmersivos y obras desarrolladas mediante herramientas digitales o inteligencia artificial.

También podrán registrarse trabajos relacionados con el activismo, la memoria comunitaria, los derechos humanos, las prácticas sonoras y otras formas de creación que utilicen el video como soporte principal.

Creado en Baja California en 2002, el certamen ha acompañado durante más de dos décadas la producción de video experimental en México. La colaboración con el INBAL busca ampliar su alcance nacional y dar mayor circulación a obras desarrolladas fuera de los circuitos habituales de exhibición.

Las obras serán evaluadas por un jurado integrado por especialistas en arte contemporáneo, producción audiovisual y curaduría. Además del premio principal, podrán concederse hasta tres menciones honoríficas.

El registro permanecerá abierto hasta el 4 de octubre de 2026, a las 23:59 horas, tiempo del Pacífico. Los resultados se anunciarán entre el 26 y el 30 de octubre a través de los canales oficiales de la Secretaría de Cultura de Baja California y del INBAL.

CONOCE LOS DETALLES DE LA CONVOCATORIA

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Periodistas Unidos. 6 de agosto de 2026.— Veintidós artistas de más de diez países presentan obras creadas especialmente para un programa que conecta tecnología, memoria y construcción de nuevos símbolos.

En un museo concebido para resguardar la colección prehispánica de Diego Rivera, la inteligencia artificial, el glitch, el arte generativo y las imágenes en 3D ocuparán por unos días la Biblioteca del Anahuacalli.

El encuentro forma parte de Encuentros Digitales, un programa internacional que reúne obras de 22 artistas de más de diez países y que busca explorar cómo se construyen actualmente los mitos, los símbolos y las imágenes que permanecen en la memoria.

La propuesta parte de una tensión atractiva: colocar algunas de las prácticas tecnológicas más recientes dentro de un edificio levantado con piedra volcánica y pensado por Rivera como un espacio donde el arte antiguo pudiera seguir activando nuevas formas de creación.

A través de inteligencia artificial, cine, postfotografía, animación, arte generativo, 3D estereoscópico y experiencias interactivas para acercarse a temas como la identidad, la permanencia y la saturación de imágenes que caracteriza la vida contemporánea.

El proyecto tiene su punto de partida en noviembre de 2025, cuando los artistas Coldie, de Estados Unidos, y Darío Lanza, de España, realizaron una residencia de cinco días en el Anahuacalli. Durante su estancia recorrieron la arquitectura, la colección y los distintos espacios del museo, experiencia que dio forma a la propuesta curatorial que posteriormente fue compartida con el resto de los participantes.

La pregunta que atraviesa el programa busca responder en medio de un flujo prácticamente infinito de información e imágenes, ¿qué tiene suficiente significado para convertirse en mito?

Participan 0009, AKC, Alfredo Salazar-Caro, Alkan Avcıoğlu, Amadon, Andrea Ciulu, Anna Condo, BoredJosei, Coldie, Dalos-Dov, Darío Lanza, DeltaSauce, g0naji, Harto, InfiniteYay, Laura El, Modest, NeuroColor, Noper, Rebecca Rose, Robert Mallary y Vikki Bardot.

Impulsado por 8NAP Art, en colaboración con Superchief y Mythaic, Encuentros Digitales se presenta durante la primera semana de agosto en la Biblioteca del Museo Diego Rivera Anahuacalli. El acceso es gratuito.

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Periodistas Unidos, a 6 de agosto de 2026.- El escritor Gerardo Montoya presenta «Papá paki», un poemario que aborda la paternidad desde un territorio poco idealizado: el divorcio, la migración, la precariedad laboral y la necesidad de reconstruir los vínculos familiares cuando las formas heredadas ya no alcanzan.

Publicado por Barnacle en Argentina y Aquitania en México, el libro parte de la experiencia de Montoya como padre mexicano residente en Buenos Aires. Desde esa doble pertenencia, el autor escribe sobre el desarraigo de vivir lejos del país de origen, pero también sobre la distancia que puede abrirse dentro de una familia, una casa o una relación.

La paternidad aparece aquí como una experiencia frágil, alejada de la figura estable y protectora, que debe reconstruirse y negociarse todos los días. Montoya observa la vida cotidiana en una ciudad atravesada por aplicaciones, repartidores, trabajos temporales y relaciones mediadas por plataformas tecnológicas. Ese paisaje convive con escenas domésticas, momentos de ternura y preguntas sobre cómo cuidar a otros sin repetir modelos familiares y masculinos que han dejado de funcionar.

En sus páginas se mezclan expresiones del norte de México, lunfardo porteño y recursos tomados de la cultura digital para construir una lengua híbrida que refleja la vida de alguien entre Monterrey y Buenos Aires, entre dos países y distintas maneras de nombrar los afectos.

Con ironía, pero también con cercanía, Papá paki registra los esfuerzos por sostener el amor, la presencia y la palabra dentro de un entorno que exige productividad permanente. La relación con sus hijes funciona como el centro emocional de una obra que busca pensar otras formas de cuidado y de convivencia.

Gerardo Montoya nació en Monterrey en 1984 y vive en Buenos Aires desde 2005. Es escritor, psicoanalista, editor y gestor cultural. Ha publicado también «Te amo Grupo Clarín» y «Decálogo para la clase media…» Su trayectoria incluye proyectos digitales, poemas construidos con emojis y código, bots y plataformas en internet, aunque en años recientes decidió alejarse de las redes sociales como una forma de recuperar la atención.

Montoya es además uno de los fundadores de La Diáspora Taquera, colectivo que reúne proyectos de artistas mexicanos que viven fuera del país y promueve vínculos culturales entre México y Argentina.

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