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Las marcas de construcción buscan nuevos lenguajes: Llano de la Torre lleva el diseño y la materialidad a Galería L

Blanca Espinoza — Thu, 28 May 2026 14:30:28 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México 28 de mayo de 2026. La conversación entre arquitectura, diseño y arte empieza a tomar nuevas formas dentro de la industria de la construcción. Los showrooms tradicionales comienzan a desplazarse hacia formatos más cercanos a la experiencia cultural, donde materiales, acabados y propuestas arquitectónicas dialogan con el lenguaje visual contemporáneo.

Bajo esa lógica se realizó una nueva edición de Trends Summit, encuentro organizado por Llano de la Torre dentro de Galería L, en Ciudad de México. El evento reunió a arquitectos, desarrolladores, interioristas y profesionales del sector en una experiencia que integró diseño, innovación y materialidad dentro de un mismo recorrido espacial.

A diferencia e los formatos comerciales convencionales, la propuesta buscó construir una experiencia híbrida donde superficies, texturas y soluciones arquitectónicas convivieran con obras de arte contemporáneo y la museografía de la galería. Más que exhibir productos, el summit apostó por generar relaciones entre materiales, espacio y percepción visual.

Las marcas participantes presentaron distintas aproximaciones sobre cómo el diseño y la tecnología están transformando la manera en que se construyen y habitan los espacios.

Porcelanite compartió nuevas exploraciones en superficies y acabados para arquitectura contemporánea. Kolorines mostró la versatilidad de sus mosaicos, aplicados tanto en piezas artísticas como en proyectos para albercas, exteriores y espacios residenciales. Nuur presentó soluciones enfocadas en innovación, seguridad y evolución tecnológica aplicada a la vida cotidiana dentro del hogar.

Por su parte, Cemix llevó al encuentro CHUKU-MIX, una reinterpretación contemporánea del tradicional acabado maya de chukum, incorporando materiales de origen natural dentro de propuestas arquitectónicas y de interiorismo. Moen destacó la relación entre color, textura, diseño y durabilidad en productos dirigidos a espacios residenciales y de hospitalidad.

La edición de Trends Summit dejó ver una transformación cada vez más visible dentro del sector: las marcas vinculadas a construcción y arquitectura comienzan a acercarse al arte y la cultura visual como una forma de construir nuevas conversaciones con arquitectos, diseñadores e interioristas.

La experiencia también reforzó el papel de Llano de la Torre como un punto de encuentro entre arquitectura, diseño, negocio y cultura visual, en un momento donde las industrias creativas buscan formas más amplias de conectar con sus públicos.

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El Centro de la Imagen explora territorio, identidad y comunidad desde la fotografía

Blanca Espinoza — Thu, 28 May 2026 14:15:46 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México, 28 de mayo de 2026.- Compuesta por más de 500 piezas entre imágenes, videos, archivos y proyectos visuales, estas cinco muestras tocan temas como la memoria, la ciudad, el territorio y las formas en las que las personas construyen comunidad desde la imagen.

Entre las exposiciones destaca Lo que hicimos en las sombras: Carlos Salom Freixas, 1988–1996, curada por Irving Domínguez. La muestra recupera secuencias fotográficas, videoinstalaciones y materiales de archivo que revisan uno de los momentos más experimentales en la trayectoria del artista, marcado por una estética vinculada a lo underground, lo gótico y las búsquedas visuales alejadas de las formas tradicionales de la fotografía mexicana de aquellos años.

La exposición permite acercarse a una producción visual desarrollada entre 1988 y 1996, periodo en el que Carlos Salom Freixas exploró nuevas formas de construir imágenes desde lo marginal y lo experimental. El proyecto también recupera materiales poco vistos que ayudan a entender una escena artística que encontró en la fotografía y el video un espacio de exploración visual y libertad creativa.

También sobresale Ingrid Hernández. 20 años de arte Under Construction, una exposición que revisa dos décadas de trabajo de la artista en torno a la vivienda, la migración y la memoria en la frontera norte del país. El recorrido reúne fotografías, archivos y registros que muestran cómo las transformaciones urbanas afectan la vida cotidiana de las comunidades fronterizas.

Otra de las exposiciones es América es un continente, integrada por más de 90 obras y materiales documentales del acervo del Centro de la Imagen. La muestra propone una lectura del continente a través de distintas miradas fotográficas, lejos de una sola visión política o cultural para pensar América desde su diversidad de territorios, historias y experiencias.

El recorrido se complementa con La luz de un verano sin lluvia, una selección de obras de artistas vinculados al Centro de la Imagen que trabajan con fotografía, video, performance y técnicas mixtas para reflexionar sobre el cuerpo, la ciudad y las tensiones que atraviesan la experiencia urbana contemporánea.

El bloque se complementa con Estar con quien se ama para pensar en otra cosa, muestra del Seminario de Producción Fotográfica 2025, donde participan creadores de México, Bolivia y Perú.

Las exposiciones podrán visitarse hasta el 9 de agosto de 2026 en el Centro de la Imagen de la Ciudad de México.

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Sonia Félix Cherit y el arte feminista que desafía al patriarcado en entrevista con Layla Sánchez y Montserrat Jiménez

Periodistas Unidos — Mon, 25 May 2026 13:50:46 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 25 de mayo de 2025.- En esta emisión de La Ciudad de las Mujeres 2.0, Layla Sánchez y Montserrat Jiménez conversan con la artista zacatecana Sonia Félix Cherit sobre arte feminista, creación artística, violencia de género y la importancia de abrir espacios para las mujeres en la cultura. Sonia comparte su experiencia en Alemania e Italia, su regreso a México, el origen de sus obras sobre sexualidad femenina y la creación de Casa de Engracia, considerado uno de los primeros espacios culturales independientes feministas en Zacatecas. También reflexiona sobre las nuevas generaciones de artistas feministas, el performance, la censura, la violencia normalizada y su emblemática obra dedicada a Leona Vicario.

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Adherencias al silo, una exposición sobre la ruralidad

Blanca Espinoza — Fri, 08 May 2026 14:39:23 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 08 de mayo de 2026.- En la Galería de Arte Binario del Centro Nacional de las Artes, Adherencias al silo plantea una revisión directa de la manera en que se construyen las imágenes sobre lo rural. El proyecto, desarrollado por PICUDO, reúne a Ros Itzel Hower, Gladys Méndez, M. José Téllez, Juni Aranda y Mariana Rockwell, artistas que trabajan desde aproximaciones distintas pero con un mismo punto de partida: el territorio como experiencia.

La exposición se organiza a partir de una residencia, lo que marca su estructura. Las obras no aparecen como representaciones aisladas, sino como resultado de procesos vinculados al contexto en el que se producen. Desde ahí, la ruralidad se entiende como un sistema de relaciones atravesado por dinámicas económicas, sociales y territoriales.

El recorrido activa esa lectura sin imponer una narrativa única. Cada pieza abre una entrada distinta: hay trabajos que se construyen desde el registro, otros desde la intervención o el desplazamiento de materiales, pero todos mantienen una relación directa con las condiciones que los sostienen. Esa consistencia permite que la muestra se articule desde la experiencia y el intercambio.

Uno de los ejes más claros es la forma en que se replantea la idea de campo. Lejos de una lectura estática, aparece como un espacio en transformación constante, donde se cruzan producción, vida cotidiana y formas de representación. Esa tensión organiza la exposición y le da dirección.

Adherencias al silo se inserta en una línea de trabajo que gana presencia en el arte: prácticas situadas que parten del territorio para construir discurso. Más que describir, la muestra activa una relación directa con aquello que la hace posible.

A partir del 8 de mayo y hasta el 5 de julio. Entrada libre.

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Mis niñas vendidas & otros exvotos, una exposición que visibiliza la venta de niñas en México

Blanca Espinoza — Tue, 05 May 2026 14:25:30 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 05 de mayo de 2026.“No son cuadros que muestren violencia, al contrario, creo que lo que pinto es un poco ver lo que sucede, pero a través de la candidez e inocencia de estas niñas, justo para que se haga conciencia de lo que está pasando, porque sigue
pasando”, sentenció la artista.

Mis niñas vendidas & otros exvotos, es una exposición de Eugenia Marcos en la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, que aborda la venta de niñas y los matrimonios forzados en comunidades donde estas prácticas persisten bajo usos y costumbres.

La muestra reúne 35 piezas entre óleos y exvotos, piezas que relatan casos reales y otros ficticios de niñas vendidas y sus respectivos exvotos como una suerte de continuación, pero en muy pocos casos son historias con un final feliz.

En México, miles de niñas siguen siendo obligadas a uniones tempranas, particularmente en regiones como la Montaña de Guerrero. En estos contextos, las prácticas se sostienen en condiciones de pobreza, desigualdad y estructuras patriarcales que normalizan la transacción de niñas a cambio de bienes o acuerdos familiares. Desde ahí, la exposición trabaja una lectura simbólica que busca generar conciencia.

El trabajo de Marcos evita la representación explícita de la violencia. En su lugar, construye escenas desde la mirada de las niñas, con imágenes sobrias que dirigen la atención a los elementos que las rodean. Sobre su proceso creativo, detalló que la información que rastrea en internet al respecto la interpreta como artista, decide qué rostro darle a la niña en cuestión, o de qué tamaño pintar al señor con el que la casaron.

Por otra parte el exvoto, tradicionalmente vinculado al agradecimiento por favores divinos, aquí se plantea como un recurso narrativo que acompaña las historias. En varios casos, los desenlaces permanecen abiertos, sin resolución clara.

La exposición incluye también una obra de gran formato que representa a Sor Juana en la cocina, acompañada por un exvoto relacionado con su contexto histórico. Esta pieza amplía la reflexión hacia el papel de las mujeres dentro de distintas estructuras sociales.

Mis niñas vendidas & otros exvotos plantea una revisión sobre violencia de género, desigualdad y derechos humanos desde el lenguaje pictórico. La muestra se inserta en una conversación vigente sobre la necesidad de visibilizar estas prácticas y generar presión social para su erradicación.

La exposición estará abierta al público hasta el 23 de mayo, 2026. La entrada es libre.

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Leonora Carrington en formato inmersivo con “Laberinto Mágico”

Blanca Espinoza — Fri, 01 May 2026 14:14:02 +0000

En el Centro de las Artes Inmersas (CAI), Leonora Carrington: Laberinto Mágico plantea una experiencia sensorial directa. El recorrido sitúa cada pieza en un entorno diseñado con sonido, iluminación, aroma y escala, generando una atmósfera que se modifica a partir de la presencia del visitante.

El punto de partida es el laberinto, una figura constante en el pensamiento de Leonora Carrington, entendida como tránsito y transformación. A partir de ahí, el espacio se organiza como una secuencia de situaciones que se activan en movimiento, dejando que cada asistente construya su propio recorrido.

Las grandes esculturas de Carrington son parte central. Cada una ofrece un ambiente específico que integra la obra con su entorno, la relación se vuelve cercana, casi corporal. La percepción deja de ser únicamente visual y se despliega hacia lo sensorial.

A lo largo del trayecto se descubren capas vinculadas al universo simbólico de la artista: la alquimia, el pensamiento esotérico, las referencias espirituales que se incorporan como atmósferas, permitiendo que cada recorrido se construya desde una interpretación propia.

Leonora Carrington: Laberinto Mágico es organizada por el Consejo Leonora Carrington en colaboración con Cocolab, a partir del acervo y la investigación en torno a la artista, trasladando ese trabajo a un formato que expande sus posibilidades de lectura.

Integrado al Corredor Cultural de Host City Ciudad de México, el proyecto mantiene en sala una escala íntima donde la experiencia ocurre en tiempo real y en relación directa con la obra.

Centro de las Artes Inmersas (CAI), General Prim 90, Juárez, CDMX
Duración del recorrido: 45 minutos

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Trayectorias clave revelan cómo se formó la escena artística de Oaxaca

Blanca Espinoza — Wed, 22 Apr 2026 14:25:15 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 22 de abril de 2026.- La historia del arte en Oaxaca suele contarse desde sus grandes nombres, sus escuelas o sus momentos de consolidación. El libro Artistas de Oaxaca. Magisterios polémicos, futuros interrumpidos, de Jorge Pech Casanova, propone otra entrada: revisar el desarrollo de la plástica local a partir de trayectorias que quedaron inconclusas.

El volumen reúne el estudio de once artistas fallecidos entre 2008 y 2025: Roberto Donis, Atanacio García Tapia, Juan Alcázar, Arnulfo Mendoza, José Luis Tiznado, Marco Antonio Bustamante, Fernando Olivera, Crispín Vayadares, Soid Pastrana, Francisco Monterrosa y Guillermo Rito; y los coloca dentro de un panorama más amplio que abarca de 1920 a la actualidad.

Las trayectorias funcionan como puntos de lectura para entender tensiones formativas, disputas de legitimidad y momentos de reorganización del campo artístico. En ese recorrido aparecen dos espacios clave: la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca y el Taller Estatal de Artes Plásticas “Rufino Tamayo”, núcleos que marcaron generaciones de artistas y que operaron también desde la competencia.

El estudio también incorpora transformaciones en el circuito artístico local: el surgimiento de espacios alternativos a finales de los noventa, el impacto de la crisis social de 2006–2007 y la reconfiguración institucional que culmina con el cierre del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca en 2023. Estos procesos modifican directamente las condiciones de producción, exhibición y circulación del arte en el estado.

El enfoque combina entrevistas con familiares, colaboradores y agentes cercanos a los artistas, junto con revisión de archivos, catálogos y estudios previos. Esa base permite leer las trayectorias dentro de redes afectivas, profesionales e institucionales.

El título introduce dos líneas claras. “Magisterios polémicos” apunta a la influencia y conflicto de figuras formadoras dentro del ecosistema local. “Futuros interrumpidos” pone sobre la mesa las trayectorias truncas, muchas de ellas atravesadas por enfermedad o por la pandemia, dejando abiertas líneas de trabajo que no alcanzaron a desarrollarse.

El libro fija una lectura precisa: el arte en Oaxaca se construye desde tensiones constantes. La dependencia de espacios de formación, la fragilidad institucional y la vulnerabilidad de las carreras aparecen como parte estructural del sistema.

El resultado ordena un siglo de producción artística en el estado y, al mismo tiempo, deja visibles las condiciones que lo sostienen y lo limitan.

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AtardeSer: Rodrigo Ímaz y la imagen de un mundo que se descompone

Blanca Espinoza — Tue, 21 Apr 2026 14:30:33 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 21 de abril de 2026.- Inaugurada recientemente en la galería LATINOU, la exposición AtardeSer del artista mexicano Rodrigo Ímaz presenta una instalación en sitio específico que aborda la relación entre tiempo y percepción.

La pieza central es un Volkswagen parcialmente enterrado, una figura reconocible de movilidad, diseño y aspiración. Aparece detenido, oxidándose y perdiendo sentido frente al paso del tiempo, más cercano a un síntoma que a un objeto nostálgico.

El entorno refuerza esa condición. Un mural simula un atardecer de playa sin horizonte real. Es una imagen construida, casi escenográfica, que genera tensión entre lo que se ve y lo que ocurre. La escena se plantea como un estado intermedio, algo que aún permanece aunque ya no funcione igual.

Ocaso, 2025. Rodrigo Ímaz. Cortesía Galería Latinou

El título entra en ese mismo desplazamiento. AtardeSer, escrito con “s”, introduce una variación que atraviesa la propuesta y señala un desfase entre lenguaje, experiencia y tiempo, integrándose como parte de la lógica de la obra.

La exposición, curada por Luis Ramaggio, se plantea como un ensayo instalativo para situar al espectador dentro de un ambiente donde la percepción cambia según el recorrido, la luz y la distancia, generando una experiencia directa del espacio.

Galería Latinou. Atardecer, 2026

A esta pieza central la acompaña una serie de esculturas en mármol negro y otras en madera, ademas de acrílicos sobre tela.

El próximo 7 de mayo, el artista Rodrigo Ímaz y Luis Ramaggio, el curador, ofrecerán un recorrido guiado.

AtardeSer se presenta en la galería Latinou (Colima 29, Roma Nte) hasta el 6 de junio.

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Yutaka Sone presenta Jungle en el Museo Morelense de Arte Contemporáneo

Blanca Espinoza — Sat, 18 Apr 2026 01:17:22 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 17 de abril de 2026.- El Museo Morelense de Arte Contemporáneo Juan Soriano (MMAC), en Cuernavaca, exhibe Jungle, de Yutaka Sone. La muestra reúne pintura y escultura en torno a la relación entre el ser humano y su entorno.

Sone trabaja el paisaje como un campo de tensión entre lo natural y lo construido. En Jungle, esa condición se traduce en superficies densas, casi saturadas, donde la vegetación deja de ser fondo y activa la imagen. Las obras construyen un espacio continuo donde la mirada no encuentra un punto fijo.

Bajo la curaduría de Dorothée Dupuis, la exposición propone una lectura feminista, crítica y decolonial que abre otras capas sobre la obra: el paisaje como territorio político, la naturaleza como construcción ideológica, la escala como una forma de poder y la percepción como un espacio en disputa.

Con formación en arquitectura y una trayectoria internacional consolidada, incluida su participación en la Bienal de Venecia y exposiciones en el MoMA, el Whitney y la Tate Modern, Sone ha desarrollado un lenguaje que cruza lo urbano y lo natural desde la experiencia del espacio.

En Jungle, esa relación se traduce en pintura y escultura: por un lado, superficies que concentran la inmediatez del entorno; por otro, piezas que insisten en su permanencia material.

La muestra incluye también series de copos de nieve en pintura y cristal. El formato hexagonal remite a estructuras repetitivas, aunque cada pieza presenta variaciones, llevando la atención a lo mínimo.

El resultado no es una exposición sobre la naturaleza, sino sobre cómo la percibimos y la procesamos en un contexto saturado de imágenes. Jungle funciona como un espacio de fricción entre memoria, ilusión y presente.

La exposición se presenta en la Galería Principal del MMAC hasta el 31 de mayo.

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Juan Álvarez del Castillo transforma la geometría en arte sensorial en el Museo de la Ciudad de México

Periodistas Unidos — Tue, 17 Feb 2026 05:32:15 +0000

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 16 de febrero de 2026.- El Museo de la Ciudad de México inauguró la exposición “El dinamismo de las formas”, una ambiciosa muestra del arquitecto y artista Juan Álvarez del Castillo Ledesma. Integrada por 81 piezas, la exhibición propone un recorrido donde la geometría deja de ser una ciencia exacta para convertirse en una experiencia tridimensional que dialoga con el espacio histórico del recinto.

Durante el acto inaugural, José Manuel Rodríguez Ramírez, director de la Red de Museos de la Ciudad de México, celebró la maestría del artista para transformar puntos, líneas y poliedros en un «mundo fantástico». La obra de Álvarez del Castillo, quien ha colaborado con referentes de la abstracción como Vicente Rojo y Manuel Felguérez, se presenta como un ejercicio de precisión técnica y síntesis formal que desafía la percepción del espectador.

Luis Ignacio Sáinz, curador de la muestra, destacó el contraste armónico entre el minimalismo de las piezas y el carácter barroco del inmueble que las alberga. Según el especialista, el trabajo de Álvarez del Castillo —quien combina su formación como arquitecto y diseñador industrial— permite reconstruir el origen de la volumetría a partir del dibujo, logrando relieves y bultos que parecen desafiar la gravedad mediante una «poética del cálculo».

Más allá de la estética, la exposición invita a reflexionar sobre la geometría como un principio de conocimiento vinculado a la filosofía y la ciencia. Las piezas exploran la tensión entre el equilibrio y el movimiento, utilizando la luz y el ángulo de visión para generar una sensación de oscilación continua. “El Dinamismo de las Formas” permanecerá abierta al público hasta el 30 de abril en el primer piso del museo, ubicado en el Centro Histórico, con un costo de admisión general de 44 pesos.

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