Periodistas Unidos. Ciudad de México 14 de mayo de 2026.- Sus cortometrajes verticales “The Offering” y “The Blind Alley” fueron seleccionados para formar parte de Fantastic Pavilion Vertical Cinema Cannes 2026, una nueva plataforma dedicada al cine fantástico en formato 9:16.

El realizador mexicano Carlos Meléndez llevará su visión del horror y la fantasía al Festival de Cannes tras ser seleccionado oficialmente en Fantastic Pavilion Vertical Cinema Cannes 2026, showcase internacional enfocado en obras realizadas en formato vertical y dedicado exclusivamente al terror, la ciencia ficción, la fantasía y el thriller.

Sus piezas “The Offering” y “The Blind Alley” formarán parte de esta primera edición del programa, integrado por 28 proyectos provenientes de 17 países y presentado dentro del Fantastic Pavilion en el Marché du Film el próximo 17 de mayo, en uno de los espacios más importantes para la industria cinematográfica internacional.

Durante los últimos años, Meléndez ha explorado nuevas posibilidades narrativas a través de contenidos creados específicamente para plataformas digitales y consumo móvil, desarrollando cortometrajes de horror en formato vertical, los cuales están disponibles en su canal de TikTok @beat_melendez. Su propuesta ha destacado por trasladar la atmósfera y los códigos del cine fantástico a un lenguaje inmediato, inmersivo y pensado para nuevas generaciones de espectadores.

La presencia del director mexicano en Cannes refleja el crecimiento de una tendencia que hoy comienza a transformar la conversación audiovisual global. El formato vertical, impulsado por el consumo móvil y las plataformas digitales, se ha convertido en un terreno creativo donde cineastas de distintas partes del mundo experimentan con nuevas maneras de construir tensión, emoción y cercanía con la audiencia.

“Estoy muy contento de que se sigan abriendo nuevas ventanas para crear contenido de género que llegue a todo tipo de públicos y formas de consumo. Es un honor ser parte de esta selección representando a México de una manera fiel y orgulloso del alcance que puede tener este proyecto”, comentó Carlos Meléndez sobre su participación en el showcase internacional.

El director de largometrajes como “Histeria” y la serie de Netflix “Mi encuentro con el mal”, utiliza estas herramientas como una extensión natural de su búsqueda artística. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado cortometrajes, documentales, largometrajes y proyectos seriados en los que mezcla elementos fantásticos, horror psicológico, humor negro y narrativas cercanas al absurdo, construyendo una identidad autoral reconocible dentro del género en México. Incluso estrenó su primera obra de teatro “El valle inquietante” en 2024, con la que la Asociación Nacional de Locutores le otorgó el Micrófono de Oro por su éxito teatral.

Además de esta participación en Cannes, Meléndez prepara próximamente el estreno de dos largometrajes, así como una serie para plataforma digital. Paralelamente, fue seleccionado para formar parte de una importante antología de terror en Estados Unidos, mientras continúa expandiendo su trabajo hacia nuevas formas de exhibición y narrativa audiovisual.

Con la selección de “The Offering” y “The Blind Alley”, Carlos Meléndez reafirma su lugar como una de las voces mexicanas más innovadoras del cine fantástico contemporáneo, apostando por formatos emergentes capaces de conectar con audiencias globales sin perder fuerza cinematográfica.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México a 08 de marzo de 2026.- En el marco de la celebración del Día Internacional de la Mujer, el legado de la «madre del videoarte en México» cobra una relevancia urgente. El documental dirigido por Alejandra Arrieta sobre la vida y obra de Pola Weiss (1947-1990) ofrece una mirada profunda a una artista que convirtió la tecnología en una herramienta feminista.

La historia de Pola Weiss abre la puerta a una discusión necesaria sobre el cuerpo femenino politizado. Mientras los medios de comunicación de los años 70 y 80 imponían estereotipos de belleza rígidos, Pola utilizó el videoarte y la danza para mostrar un cuerpo real y libre, desafiando las nociones culturales que vinculan históricamente a la mujer con la locura.

Para ella, la cámara no era solo un aparato; era un espejo. A través de su obra, desafió la idea de que una mujer debía ser «pasiva» y demostró que el arte podía ser una herramienta para reclamar el espacio propio, transformando la mirada del espectador en una experiencia de autoconocimiento.

El documental rescata textos personales de Pola, escritos en 1975, que revelan a una mujer que prefería la honestidad a las etiquetas. Pola no buscaba encajar en conceptos de moda, sino que invitaba a una reflexión más profunda, más que seguir un movimiento con un nombre específico, ella invitaba a las mujeres a mantener una actitud honesta ante sí mismas, priorizando la autenticidad sobre los neologismos del momento.

Pola lanzaba una pregunta que sigue vigente y que invita a una introspección profunda: “¿Cuántas hay que luchan por Ser Mujeres?”. Con esto, Weiss proponía que ser mujer no debía reducirse a un discurso político o a una definición externa, sino que debía asumirse como una vivencia diaria y una aceptación plena del potencial propio y de la naturaleza humana.

Inspiración para una nueva generación

Aunque su obra nació hace décadas, el mensaje de Pola resuena hoy con las generaciones más jóvenes. En un momento donde la sororidad y el apoyo entre mujeres son fundamentales, Pola Weiss se presenta como una figura cercana e inspiradora: una mujer que se atrevió a ser ella misma a pesar de las críticas.

«Esperamos que, a través de este documental, nuevas audiencias encuentren en la vida de Pola una chispa para defender sus propias convicciones y su propia voz», comentá Alejandra Arrieta, directora del documental.

• Cines culturales: Salas independientes de la CDMX.
• Salas comerciales: Estreno este mes en Cinemex.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México a 13 de noviembre de 2025.- Guillermo del Toro lleva más de tres décadas transformando el cine fantástico en un espejo de lo humano. Desde que debutó con Cronos en 1993, su filmografía ha navegado entre la fábula, el horror y el realismo poético, construyendo una marca autoral tan poderosa que se reconoce incluso antes de ver los créditos. 

Con motivo del estreno de Frankenstein en Netflix, Spoiler realizó un análisis de sus 13 largometrajes, el cual permite responder una pregunta que trasciende el gusto personal: ¿Cuál es realmente su película más exitosa? 

La investigación tomó en cuenta cinco ejes cuantificables: taquilla mundial, calificación de la crítica en Rotten Tomatoes, valoración del público en Metacritic, número de premios y nominaciones, y duración en la cartelera internacional. En conjunto, estos factores permiten medir no solo el impacto comercial, sino también la trascendencia artística y cultural de cada obra. El resultado es un retrato preciso del equilibrio —y las contradicciones— en la carrera del director mexicano más reconocido en el mundo. 

La gran ganadora es La Forma del Agua (2017). Con 195.2 millones de dólares en taquilla global, un 92% de aprobación crítica, 7.1/10 de calificación del público y 350 nominaciones internacionales que derivaron en 138 premios, entre ellos 4 Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, esta fábula acuática se impone como la síntesis perfecta del universo de Del Toro. Su historia de amor entre una mujer muda y una criatura anfibia no solo conmovió al público, sino que transformó lo raro en lo universal. Además, permaneció 15 semanas en cartelera internacional, un logro inusual para un filme de autor. 

En segundo lugar, El Laberinto del Fauno (2006) sigue siendo una de sus películas más celebradas por la crítica, con un 95% de aprobación de los expertos y 8.7/10 en Metacritic. Aunque su taquilla fue mucho menor -83.8 millones de dólares-, su peso simbólico y artístico la convirtió en un referente mundial. Ganó 3 premios Óscar y más de 100 premios internacionales, además que se mantuvo 20 semanas en cines (la mayor permanencia de su filmografía). En contraste, la más taquillera de todas, Titanes del Pacífico (2013), recaudó 411 millones de dólares, pero recibió sólo 72% de crítica positiva y 7.5/10 de puntuación del público. Fue un triunfo comercial indiscutible, aunque menos influyente en términos de legado. 

En la zona media del ranking aparecen Pinocchio (2022), ganadora del Óscar a Mejor Película Animada, con un 97% en Rotten Tomatoes, lo que la convierte en la película mejor calificada de su carrera, y obtuvo una calificación de 8.1/10 del público en Metacritic. Aunque su estreno fue limitado en cines (consiguió apenas 109,846 dólares), en streaming la historia es distinta: estimaciones de Netflix reportan más de 40 millones de visualizaciones globales. Su presencia en cines fue breve (tres semanas), pero su éxito artístico la coloca entre las obras más admiradas del cineasta, con 78 premios globales. 

Le siguen Hellboy II: El Ejército Dorado (2008), con 168.3 millones y 86% de aprobación, y El Callejón de las Almas Perdidas (2021), con solo 39.6 millones, pero 80% de crítica y 4 nominaciones al Oscar, confirmando la madurez estilística del director. También destacan sus obras en español, El Espinazo del Diablo (2001) y Cronos (1993), ambas con alta valoración crítica (93% y 88% de «frescura», respectivamente) y un fuerte arraigo en festivales, aunque con modestos resultados económicos. 

Entre los proyectos menos afortunados en recepción o taquilla figuran Mimic (1997) y Blade II (2002), películas de transición hacia Hollywood que marcaron su aprendizaje industrial, así como La Cumbre Escarlata (2015), que con 74.6 millones de dólares y 73% de crítica positiva fue más admirada por su estética que por su historia. Frankenstein, su actual lanzamiento, aún no suma cifras, pero los primeros reportes críticos anticipan un 86% de aprobación inicial y fuerte presencia en la temporada de premios. 

En conclusión, los datos de este estudio de Spoiler confirman que Guillermo del Toro ha logrado algo que pocos directores contemporáneos pueden presumir: moverse con igual soltura entre el arte de autor y la taquilla global. Su cine, al igual que sus criaturas, sigue mutando… pero siempre con mucha alma.

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EFE. Morelia, México. 17 de octubre de 2025.-  Montserrat Gispert se exilia de Barcelona a México en 1937 huyendo de la dictadura franquista de España. Casi 90 años después, su nieto Rodrigo Ímaz, hijastro de la presidenta mexicana, Claudia Sheinbaum, narra en el documental ‘Àvia, el jardín de la memoria’, la historia de los primeros refugiados españoles en el país a través de la vida de su abuela.

“Asistimos actualmente a una era de inmigraciones en el mundo. Esta migración en particular fue muy especial. El gobierno de Cárdenas recibió y acogió con los brazos abiertos (a los españoles) y les dieron dinero para sobrevivir, escuelas y una serie de herramientas para poder arraigarse a esta tierra”, explica en entrevista con EFE en Morelia, sobre los exiliados durante la Guerra Civil española.

En sus últimos días, Montserrat repasa junto a su nieto la llegada a un país desconocido, la renuncia a la nacionalidad española, así como el deseo de pedirle que le ayude a recibir la eutanasia.

Para el cineasta, que debuta en el largometraje a sus 43 años con este documental, la cinta es una muestra de lo que significó la “conciliación” del “exilio republicano” y “la identidad originaria del mexicano”, así como “la conquista violenta entre España y México”, una herida abierta y “no resuelta del todo”.

Desde carpinteros a intelectuales, miles de españoles llegaron a México debido a las políticas de integración del gobierno de Lázaro Cárdenas (1934-1940), lo que permitió la llegada del abuelo de Ímaz, un médico al que siempre le pareció “curioso” que le persiguieran por lo que le enseñaron a hacer: “salvar vidas de personas”.

El largometraje documental tuvo su estreno este fin de semana en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), el más importante de México, que revelará a sus ganadores este viernes.

Eutanasia y vida digna

Aunque el cineasta pretendiera revisitar la infancia y las memorias de su abuela, la muerte de Gispert en 2022 cambió el tono de la película, con la que el artista intenta poner “su granito de arena para abrir la conversación” de la eutanasia, que a diferencia de países como Ecuador, Colombia y recientemente Uruguay, aún es ilegal en México.

“De pronto el documental adquiere una dimensión que tiene que ver con otro exilio, que es el del fin de la vida, el cómo te vas de este planeta de manera digna”, sostiene Ímaz, hijo del primer marido de Sheinbaum, Carlos Ímaz Gispert, y quien se crió con la actual mandataria que lo considera como propio.

Para el nominado a los Ariel en 2018 por su cortometraje ‘Perros’, es llamativo que el artículo segundo de la Constitución de la Ciudad de México reconozca el derecho a vivir con dignidad y amor, pero todavía se tenga que llevar a cabo la eutanasia “a escondidas, de manera ilegal”, cuando debería ser un “derecho a decidir” sobre la vida.

“La idea central de la película está en la dignidad, ella describe una vida digna y de pronto dice: ‘Yo ya tuve una vida digna y ya me quiero ir’”, expone.

Aunque el filme trata sobre su abuela, Ímaz nunca quiso hacer un trabajo “personalísimo que sólo gustara a sus nietos”, sino que intentó hacer una reflexión “universal” y enfrentarse a la tarea “más desafiante que puede haber para un director” como es responder a las “circunstancias” de que se muera un familiar.

“Había la intención de que su muerte fuera un alivio, porque fue un alivio para ella y también lo fue para mí. Lo digo con mucha sinceridad. Yo fui su cuidador principal y fue extenuante. Fue un alivio saber que no iba a sufrir más”, confesó.

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EFE. Ciudad de México. 12 de septiembre de 2025.- Han pasado 54 años desde el Festival de Avándaro, el ‘Woodstock mexicano’ considerado “el último acto de rebeldía de la juventud” encendido por el rock setentero, que hoy vive en la memoria fotográfica de la mexicana Graciela Iturbide y el falso documental ‘Autos, mota y rocanrol’ del director José Manuel Cravioto.

Entre mitos, materiales perdidos y cientos de fotografías –muchas de ellas de Iturbide (1942), considerada la mejor de su época–, el cineasta, de la mano del productor mexicano Javier Nuño, contó que buscó relatar el “lado B del festival de contracultura más importante en la historia de México”.

Para el realizador, esta fiesta, bautizada originalmente como ‘Rock y Ruedas de Avándaro‘, en una localidad del Estado de México, representó “el último gran acto de rebeldía de la juventud” de los setenta, conformada ese 11 y 12 de septiembre por 300.000 jóvenes aún marcados por la masacre de Tlatelolco 1968 y la masacre de Corpus Christi en 1971, conocida como el ‘Halconazo‘.

“A mí me gusta el lado B, los contrastes; se me hace más divertido buscarle, rascarle y no hacer lo que todo el mundo hace de adaptar ‘best sellers’”, relató Cravioto, quien con este filme expone una de las historias menos conocidas de Avándaro: la de sus organizadores, el expresidente de la Federación Mexicana de Fútbol, Justino Compeán, y Eduardo ‘el Negro’ López Negrete.

Al encontrarse un día con Compeán –quien había presentado un libro con las imágenes de Iturbide– comprendió que el origen del festival, calificado como un “degenere” de drogas y sexo por el Gobierno de Luis Echeverría (1970-1976) y los medios conservadores, estaba en el intento de dos amigos de clase alta de hacer un evento “fresa” sobre carreras de autos deportivos.

“El origen de este festival se trataba una vez más de los contrastes de México, que son los temas que a mí me encantan”, subraya Cravioto, también realizador de ‘Diablero‘ y miembro del equipo de dirección de la temporada dos de ‘Berlín‘, la serie derivada de ‘La casa de papel‘.

‘Autos, mota y rocanrol‘ fue filmada en 16 milímetros y con cámaras Super 8, y cuenta con las actuaciones de Emiliano Zurita (Justino) y Alejandro Speitzer (Eduardo), quienes, en una mezcla de realidad y ficción, interpretan con humor a los organizadores de esta fiesta en Avándaro, un asentamiento turístico del Estado de México rodeado por residencias de lujo.

Cravioto sostiene que en México se le sigue “echando la culpa a la música” por los males del país, como sucedió en los setenta con Echeverría que silenció el rock, solo que ahora es con los “corridos tumbados”, refiriéndose a la postura del Gobierno de México que los definió como un género de “apología a la violencia”.

“En lugar de echarle la culpa a la corrupción, echarle la culpa a que no hay un plan de seguridad real es muy fácil echarle la culpa a la música, como cuando decían que el rock era desmoralizante”, argumentó.

El documental se estrena durante el marco del Festival de Avándaro y está disponible en cines mexicanos como una invitación a revivir las “comuniones sociales” alejadas de lo que dicta la industria musical y las redes sociales.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México a 7 de agosto de 2025.- El más reciente cortometraje del cineasta mexicano, ha sido seleccionado para participar en la primera edición del Guarra Film Festival, el primer festival internacional de cine kinky y BDSM de Buenos Aires, Argentina. La cinta se proyectará el domingo 17 de agosto de 2025 dentro de la sección “Perversiones consensuadas”, dedicada a piezas que desafían los límites tradicionales del deseo, el cuerpo y el consentimiento.

Protagonizado por Samantha Yazareth Anaya y Christian Diez, SUTURA explora la historia de una joven artista y su pareja fotógrafo, inmersos en una relación marcada por la autolesión, el amor obsesivo y la necesidad de tocar fondo para volver a sentir. Con un estilo minimalista y emocionalmente crudo, el cortometraje se adentra en zonas incómodas, donde el dolor se convierte en una forma de conexión íntima.

“SUTURA nace de una necesidad de contar algo profundamente humano, desde un lugar más íntimo y contenido. Inspirado por mi mentor Michael Rowe, quise hacer una historia donde lo inquietante no viniera de monstruos ni casas embrujadas, lo cual me encanta, sino de la complejidad emocional entre los personajes. Más que alejarme del cine de género, busqué una aproximación distinta, más orgánica, más personal, que sangra y duele desde lo real”, expresó el director Fabio Colonna.

Esta obra marca un giro en la carrera del director, conocido por su trabajo en el cine de terror psicológico, al enfocarse ahora en una narrativa íntima, sin artificios visuales, y con un enfoque radicalmente humano. La cinta fue coproducida por Michael Rowe, ganador de la Cámara de Oro en Cannes, y cuenta con un diseño sonoro de alto impacto creado por LSD Audio, con la participación de Lex Ortega y Luis Flores.

SUTURA no solo representa una apuesta por nuevas formas de narrar el deseo, sino también una oportunidad de llevar el cine mexicano a escenarios internacionales que celebran la diversidad sexual y la libertad expresiva. En palabras de Colonna, “fue una producción rápida, impulsada por el deseo de filmar, de contar, de reunir un equipo apasionado por hacer cine sin concesiones”, concluyó.

Sobre “Sutura”

Hay heridas que no cierran, hay heridas tan profundas que son incapaces de cicatrizar. En momentos de horror, de soledad infinita, donde la oscuridad se adueña de toda nuestra periferia, cualquier chispa o resplandor, se vuelve una compañía a la cual nos aferramos, sin importar que sea un vínculo nocivo para nosotros. ¿Y quienes somos para juzgar? Pues muchas veces esos vínculos representan una salvación para nosotros, un acompañante digno para compartir la oscuridad en la que estamos sumergidos. No hay salvación, no hay redención, pero al menos no estás tan solo.

Cabe resaltar que el Guarra Film Festival, se celebrará del 7 al 18 de agosto de 2025 en la Ciudad de Buenos Aires, con el objetivo de visibilizar y dignificar las expresiones audiovisuales que habitan el universo kink y BDSM.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México a 25 de junio de 2025.- El director mexicano Carlos Meléndez, se presentará este viernes 27 de junio en el Philadelphia Latino Arts and Film Festival (PHLAFF), con un showcase especial de cine de terror curado por el icónico festival Macabro, que se celebra cada año en la Ciudad de México.

Como representante del cine de género mexicano, Meléndez mostrará cuatro de sus trabajos más premiados a nivel internacional, obras que han sido reconocidas en festivales de Europa, Estados Unidos y Canadá: Hambre, Clickbait, El huésped y Bestia.

“Estoy muy orgulloso de representar el cine de terror mexicano a través de Macabro, y demostrar que en México tenemos una gran selección de contenido de calidad dentro del género. Estos cuatro trabajos que presento han sido pieza importante en mi carrera, ya que me han dado reconocimiento internacional, otorgándome grandes premios”, compartió el cineasta.

El PHLAFF, que se celebra del 20 al 30 de junio, es una de las plataformas más relevantes para el cine latino en Estados Unidos, y este año, gracias a la colaboración con Macabro, da un espacio destacado al cine de horror como una expresión artística con identidad propia.

Cabe destacar que Carlos Meléndez ya prepara un nuevo largometraje, así como un formato innovador que pronto dará a conocer; además de una nueva serie de cortometrajes que comenzarán a circular por distintos festivales internacionales.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México a 6 de febrero de 2025.- El cineasta Marcos Muñoz, uno de los nombres emergentes más destacados del cine independiente en México, celebra su primera década de trayectoria, con el éxito de su cortometraje “En el Nombre de…”. Esta impactante pieza de terror que aborda la pederastia en la iglesia, ha cautivado a audiencias y críticos de todo el mundo, acumulando numerosos reconocimientos y siendo proyectada en prestigiosos festivales de cine como Mórbido Fest, Feratum Film Fest, y próximamente, el HorrorHound Film Festival en Ohio, Estados Unidos.

Desde sus inicios, Marcos Muñoz ha demostrado que la pasión, la perseverancia y el trabajo colectivo pueden llevar las historias más audaces a nuevas alturas. Con En el Nombre de…, un cortometraje que combina temáticas inquietantes con sobresalientes logros técnicos, el cineasta ha consolidado su posición como una figura clave del género de terror en el ámbito internacional.

“Al poder celebrar 10 años de trayectoria quiero dejar ese mensaje a los nuevos cineastas independientes, que los sueños no se construyen en un día, sino a lo largo de una década de persistencia, colaboración y una inquebrantable fe en su arte”, comentó el cineasta.

Premios y reconocimientos

Su reciente cortometraje “En el nombre de…”, ha recibido múltiples galardones que destacan el talento tanto del director como de su equipo creativo. Entre ellos se encuentran:

Mórbido Fest (México): Mejor Cortometraje Latinoamericano.
Feratum Film Fest (México): Mejor Maquillaje y Efectos Especiales.
Animal Film Fest (México): Mejor Maquillaje.
Pantalla de Cristal (México): Mejor Actor (Inti Deus Guerra); Mejor Fotografía (Zuriel Martínez y Alexis Zavala). Varias nominaciones, incluyendo Mejor Dirección, Mejor Guion y Mejor Edición.
6ix Screams International Horror Film Festival (Canadá): Mejor Película de Terror.

Además, En el Nombre de… ha sido seleccionado en festivales internacionales como Screamfest (EE.UU.), Curtas (España), y Obscura (Alemania), consolidando su impacto en el panorama global.

“Cada cuadro de esta película lleva el corazón y el alma del equipo que la hizo posible. Este viaje ha sido una lección constante sobre el poder de la resiliencia. Hemos demostrado que, con fe y trabajo duro, incluso los desafíos más grandes pueden transformarse en éxitos extraordinarios”, agregó Muñoz.

Con la proyección de En el Nombre de… en festivales de renombre como el HorrorHound Film Festival en Ohio, Muñoz Flores reafirma su compromiso de seguir creando historias que desafíen y cautiven al público. En este 2025, el director y escritor prepara su primer largometraje; además de un par de cortometrajes que darán de qué hablar en los festivales de terror.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 17 de enero de 2025.- Un Lago relata la historia de Rich (Rafael Martínez Sánchez), un cineasta en sus treinta que enfrenta una crisis creativa y conoce a Daniela (Camila Acosta), una joven de 24 años que tampoco está en un buen momento. En un fin de semana en Tequesquitengo, ambos sienten atracción, pero deberán enfrentar una brecha generacional poderosa y las contradicciones sobre las relaciones amorosas mientras él conocerá el poliamor.

Esta película es un drama romántico, fue producida de manera independiente y muestra una historia íntima e interesante que retrata las crisis existenciales de los jóvenes de 20 y 30 años, quienes deben enfrentarse al fracaso y a las complicaciones propias de la vida adulta.

Se trata de la ópera prima de Rafael Martínez Sánchez, quien además de escribir el guion, es el director y protagoniza: “La idea de la película surge a partir de la soledad pandémica por la que pasé, además de una relación amorosa fallida. Me di cuenta de que nadie me había roto el corazón más que yo mismo. Decidí plasmar la historia en un guion, en un esfuerzo para confrontar mi ego y todas aquellas barreras autoimpuestas que me impedían avanzar con mi camino en la vida, el cine”, comentó el director.

“La película tiene una naturaleza muy autobiográfica y al consultarlo con los productores, quedaba poca duda de que lo mejor sería que yo interpretara el papel protagónico para tratar de brindarle la mayor honestidad posible al proyecto. El mensaje que me gustaría que la gente se llevara de mi película es la empatía con los demás, pero sobre todo con uno mismo”, declaró el también protagonista.

Un Lago fue filmada en Tequesquitengo, Morelos, y será distribuida por BENUCA Films de Fernando Montes de Oca, quien también produce junto a las compañías Sopa de Piedra Films y Estacato.

La película podrá disfrutarse en CDMX, Guadalajara, Monterrey, San Cristóbal de las Casas, Tuxtla Gutiérrez, Mérida, Culiacán, Toluca, Puebla, Tijuana, Xalapa, Guanajuato, Cuernavaca, Morelia y Cancún.

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EFE. Los Ángeles, Estados Unidos. 16 de enero de 2025.-  El director, productor y guionista estadounidense David Lynch, cuya actividad artística se extendió a la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño, ha fallecido a los 78 años, según anunció este jueves su familia.

Nacido el 20 de enero de 1946, en Missoula (Montana, Estados Unidos), su infancia transcurrió en distintas ciudades debido a los constantes traslados de su padre, biólogo forestal.

Cursó estudios de arte en el Corcoran School of Art de Washington, en el Boston Museum School y en el Pennsylvania Academy of Fine Arts.

Después de realizar el cortometraje animado ‘Six men getting sick’ (‘Seis hombres enfermos’, 1967), con marcadas influencias del cómic y la ilustración, recibió una beca para cineastas independientes del American Film Institute que le permitió rodar ‘The Alphabet’ (1969) y ‘The Grandmother’ (1970) en 16 milímetros.

En 1972, Lynch rodó su primer largometraje, ‘Eraserhead’ (‘Cabeza borradora’), que fue estrenado en 1977 y por el que recibió grandes elogios de la crítica por su originalidad.

‘The Elephant Man’ (‘El hombre elefante’, 1980), fue la película que le dio la fama, tuvo un gran éxito comercial y fue nominada a ocho Óscar -entre ellos a mejor dirección y guion-, aunque no ganó ninguno.

Tras dirigir ‘Dune’ (1984), en 1986 estrenó ‘Blue Velvet’ (‘Terciopelo azul’), protagonizada por Isabella Rossellini, con la que inició una relación sentimental que duró cinco años. Un trabajo por el que recibió su segunda nominación al Óscar como director

Con su siguiente filme, ‘Wild at Heart’ (‘Corazón salvaje’, 1990), obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Su trayectoria en televisión comenzó con la serie ‘The cowboy and frenchman’ (1989), a la que continuó su gran éxito ‘Twin Peaks’ (1989-1991), considerada como el producto más vanguardista y rupturista en la historia de la pequeña pantalla.

Continuó en la televisión con ‘On the air’ (1992) y ‘Hotel Room’ (1993).

Dos años después participó en la producción de ‘Lumière y compañía’ con motivo de la conmemoración del centenario de la primera proyección cinematográfica. Junto con directores de los cinco continentes realizó un plano secuencia de 52 segundos de duración en las mismas condiciones que los hermanos Lumière: sin sonido sincronizado, sin iluminación artificial y un máximo de tres tomas.

Con ‘Lost Highway’ (‘Carretera perdida’, 1997), Lynch exhibió un nuevo catálogo de imágenes turbadoras y siniestras que consolidarían su estilo personal. Dos años después, con ‘The Straight Story’ (‘Una historia verdadera’, 1999), abandonó un cine esteticista y obsesivo optando por una realización más sencilla y conmovedora.

A comienzos del nuevo siglo, recupera la etapa inquietante del mejor ‘Twin Peaks’ con ‘Mulholland Drive’ (2001), por la que recibió su tercera y última nominación al Óscar a la mejor dirección, que tampoco ganó.

Como director de largometrajes, su último trabajo fue ‘Inland Empire’ (2006). Desde entonces realizó múltiples cortometrajes vanguardistas y experimentales, además de vídeos musicales.

En 2017 retomó la historia de ‘Twin Peaks’ veinticinco años después, para continuarla con una temporada más, esta vez con total libertad creativa, algo que no había tenido en el proyecto original.

Debutó en el terreno musical en 2010, con dos canciones de su creación, ‘Good Day Today’ y ‘I Know’, que publicó un sello independiente del Reino Unido y tras el que le siguieron más trabajos musicales.

En 2024 anunció el lanzamiento del álbum ‘Cellophane Memories’, junto a Chrystabell, en la que fue la tercera colaboración con la cantante.

Apasionado de la pintura, expuso sus lienzos de gran formato con objetos inusuales en varias galerías estadounidenses y europeas.

Presentó una colección de diseños en el Salone del Mobile de Milán (1997) y participó con una exposición fotográfica en el Certamen de Toulouse (2001).

También trabajó en el mundo publicitario con firmas como Calvin Klein y dirigió numerosos videoclips para artistas como Michael Jackson, Donovan o Moby.

Y colaboró durante los años ochenta en el periódico ‘Los Angeles Reader’ con la tira cómica denominada ‘El perro más furioso del mundo’, durante casi una década.

Durante su trayectoria recibió multitud de premios, entre los que se encuentran un Óscar Honorífico en 2019. Y fue reconocido en festivales como Cannes, Venecia o Sitges (España).

En 2024 hizo público que padecía un enfisema pulmonar y aunque declaró que no se retiraría «nunca» del cine, reconoció que no podía salir de casa, por lo que consideró poco probable que pudiera volver a dirigir.

Además de su relación con Isabella Rossellini, Lynch se casó en cuatro ocasiones y tuvo cuatro hijos.

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