Periodistas Unidos. Ciudad de México a 8 de marzo de 2026.- La industria cinematográfica en México continúa experimentando un ascenso en su liderazgo femenino, transformando cada set de filmación en un espacio de innovación, equidad, inspiración y trabajo profesional que traspasa fronteras. Según cifras del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), mientras que en 2008 apenas 5 mujeres se consolidaron en la silla de dirección, para 2023 la cifra escaló a 63 cineastas liderando proyectos.

Este crecimiento no solo se refleja en la dirección, sino en toda la cadena de valor. El Anuario Estadístico de Cine Mexicano señala que, de los más de 11 mil profesionales involucrados en actividades de producción durante 2022, el 40% fueron mujeres, una cifra que evidencia una presencia cada vez más robusta en roles técnicos y estratégicos detrás de cámara.

Con motivo del 8M, Spoiler.mx visibiliza el impacto internacional de las cineastas mexicanas que han llevado su talento de los premios Ariel a festivales de la talla de San Sebastián y Cannes. Este análisis destaca una visión cargada de conciencia y verdad, impulsando un cambio estructural que permite a las nuevas generaciones de mujeres liderar la narrativa y la producción del cine nacional desde cualquier frente.

Fernanda Valadez: Directora y guionista mexicana que ha recibido reconocimiento internacional, primero por su vibrante ópera prima, Sin Señas Particulares. La dolorosa historia detrás de una madre mexicana que busca desesperadamente a su hijo, la hizo acreedora a 16 nominaciones en los premios Ariel, llevándose 9 a casa, y premios como el premio del público, Mejor Dirección, Mejor Película, Mejor Actuación Femenina y Mejor Guión Original en el Festival de Sundance. 

Ahora con su más reciente filme Sujo, también se llevó el Premio de Jurado en Sundance y múltiples Arieles, entre otros reconocimientos. El trabajo de Fer se ha caracterizado por dar voz a problemáticas sociales.

Tatiana Huezo: La cineasta, fotógrafa, guionista y editora mexicano-salvadoreña se ha consolidado a través de piezas como Tempestad (2016), Noche de fuego (2021) y El eco (2023). Su voz resonó con fuerza desde su primer largometraje El lugar más pequeño (2011), testimonio de la experiencia de la guerra civil de El Salvador. Según el análisis de Spoiler, en 2015 marcó pauta con su cortometraje Ausencias, un material en el que retrata el dolor de una madre que pierde a su hijo y a su esposo a causa del crimen organizado.

Su despunte llegó con Noche de Fuego, en el que retrata la cruda realidad de tres niñas que crecen en un pueblo de la sierra mexicana controlado por el narco. Historia por la que recibió galardones como el Ariel a Mejor Guión Adaptado y el premio Uncertain Regard en Cannes. 

Lila Avilés: La directora de cine, teatro y actriz, arrancó con el pie derecho con su primer largometraje La camarista (2018) que tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) y su premiere en Europa desde el Festival Internacional de cine de San Sebastián en 2018. Su segunda película Tótem (2023), fue todavía más aclamada, nominada a 15 premios Ariel y elegida como la apuesta de México para los premios Oscar y Goya, consolidándose internacionalmente.

Alejandra Márquez Abella: Esta directora y guionista mexicana ha sorprendido a su audiencia gracias a la originalidad con la que retrata a personajes complejos, y a su manera de abordar la crítica social. Un talento que ha quedado reflejado en filmes como Las niñas bien (2018),  El norte sobre el vacío (2022), y A millones de Kilómetros (2023).

Michelle Garza Cervera: Reconocida por su ópera prima Huesera (2022), esta directora y escritora mexicana se hizo de un nombre al plasmar el terror corporal como su carta de presentación. De acuerdo a Spoiler, su filme estremecedor cargado de drama y misticismo tuvo un gran impacto comercial y crítico, abriendo camino para ella y para el género en México.

Natalia López Gallardo: Esta directora, editora y post productora de cine boliviana-mexicana hizo un excepcional debut como cineasta en la pantalla grande con Manto de gemas (2022), una trama que entrelaza una serie de historias sobre el crimen de los cárteles y la tensión social en México, con la que se llevó el Oso de Plata del jurado en Berlín.

Natalia Beristain: Con su ópera prima No quiero dormir sola, esta directora mexicana se ganó el reconocimiento del público y la crítica colocándola dentro del grupo de cineastas que siguen abriendo brechas en el cine mexicano. A esta le siguieron títulos como Los Adioses (2017) y Ruido (2022), con la que se llevó el premio Cooperación Española en San Sebastián.

Con estas trayectorias, México se posiciona como un referente de creatividad y resiliencia en el séptimo arte. Este grupo de directoras no solo rompe el techo de cristal, sino que construye una nueva ‘red de seguridad’ para que las próximas generaciones de mujeres se atrevan a narrar desde la verdad y la innovación. 

La entrada 7 cineastas mexicanas que inspiran e impulsan a otras mujeres a romper el techo de cristal en la industria se publicó primero en Periodistas Unidos.

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 28 de noviembre de 2025.- El Festival Internacional de Cine de Curazao (CIFF), en alianza con el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y con el apoyo de la casa de postproducción Atomica, abrió la convocatoria IMPACT, un laboratorio dirigido exclusivamente a largometrajes de ficción y documental en fase de postproducción realizados por cineastas del Caribe y la cuenca del Caribe (incluyendo costas de México, Centroamérica y Sudamérica) o por creadores de esos países que vivan y trabajen en la diáspora.

Los proyectos seleccionados recibirán:

Viaje pagado a Curazao + 4 noches de hotel
Asesoría personalizada de un panel internacional de expertos (programadores y profesionales de la industria)

Presentación pública los días 16 y 17 de abril de 2026 durante el CIFF

Premios totales: 20,000 USD

5,000 USD en efectivo otorgados por CIFF
15,000 USD en servicios de postproducción por Atomica:
8,000 USD en corrección de color profesional (hasta 60 h)
5,000 USD en creación de imágenes con IA generativa (hasta 40 h) o, si no se requiere IA, se puede destinar el 50 % a más horas de color
2,000 USD en masterización (1 DCP + 1 master sin compresión)

Requisitos principales

Largometraje (60-120 min) en fase de postproducción
Director/a originario/a o residente del Caribe ampliado o de la diáspora
Corte con subtítulos en inglés o español (si el idioma original no lo es)
Inscripción gratuita

Fecha límite: 10 de febrero de 2026 a las 00:00 AST (22:00 CST)
Resultados: 20 de febrero de 2026
Para solicitar el formulario oficial de inscripción y las bases completas escribe a: impactciff@gmail.com

IMPACT busca impulsar voces caribeñas y latinoamericanas que rara vez tienen acceso a laboratorios de alto nivel, ofreciendo no solo recursos económicos sino mentoría y visibilidad internacional en una de las plataformas emergentes más interesantes del región.

La entrada Lanzan IMPACT: nueva plataforma de postproducción para cineastas del Caribe y su diáspora con 20 mil dólares en premios se publicó primero en Periodistas Unidos.

Periodistas Unidos. Los Ángeles, Estados Unidos. 08 de septiembre de 2025.- Actores de Hollywood como Javier Bardem, Mark Ruffalo y Olivia Colman se han sumado a una iniciativa de boicot impulsada por el colectivo Film Workers for Palestine, que cuenta con más de 1.300 firmas de profesionales del cine. En una carta abierta publicada hoy, los firmantes se comprometen a no trabajar con instituciones cinematográficas israelíes que consideran «implicadas en genocidio y apartheid contra el pueblo palestino», en respuesta a la crisis humanitaria en Gaza.

La carta, inspirada en el boicot cultural contra el apartheid sudafricano de 1987, denuncia la «cómplice» de gobiernos en el «carnage» de Gaza y cita el fallo de la Corte Internacional de Justicia (CIJ) sobre un «riesgo plausible de genocidio«. «Como cineastas, actores y trabajadores de la industria, reconocemos el poder del cine para moldear percepciones. Debemos hacer todo lo posible para acabar con nuestra complicidad en ese horror implacable», afirma el documento. El boicot no afecta a individuos israelíes, sino a festivales como el de Jerusalén, Haifa o Docaviv, y compañías que «blanquean o justifican el genocidio» o colaboran con el gobierno israelí.

Entre los firmantes destacan directores como Ava DuVernay, Yorgos Lanthimos y Adam McKay; actores como Tilda Swinton, Riz Ahmed, Susan Sarandon y Ayo Edebiri; y otros como Gael García Bernal y Cynthia Nixon. Ruffalo, conocido por su activismo pro-palestino, compartió el llamado en redes sociales, mientras Bardem y Colman, ganadores de premios Oscar, lo respaldaron públicamente. El guionista David Farr, descendiente de supervivientes del Holocausto, declaró: «No puedo apoyar que mi trabajo se publique o represente en Israel» ante el «apartheid y genocidio» en Gaza.

La iniciativa surge tras protestas en el Festival de Venecia la semana pasada, donde miles exigieron condenar la ofensiva israelí en Gaza, que ha causado más de 41.000 muertes palestinas desde octubre de 2023, según la ONU. Organizaciones como Amnistía Internacional han aplaudido el boicot como un «paso moral», similar al que ayudó a derribar el apartheid en Sudáfrica.

Sin embargo, la Asociación de Productores Israelíes lo tildó de «profundamente equivocado», argumentando que «apunta a las personas equivocadas» y silencia voces israelíes que promueven narrativas palestinas y critican al gobierno. «Los creadores israelíes han sido las principales voces que permiten oír la complejidad del conflicto«, respondieron, defendiendo el diálogo a través del cine.

Este boicot se suma a otros en la industria cultural, como el de más de 7.000 escritores en 2024 contra editoriales israelíes, y refleja la creciente polarización en Hollywood por el conflicto. En España, donde Bardem es una figura clave, la noticia ha generado apoyo en círculos progresistas, alineándose con las recientes sanciones del Gobierno contra Israel.

La entrada Bardem, Ruffalo y Colman se unen a boicot de más de 1.300 cineastas contra instituciones israelíes implicadas en «genocidio» en Gaza se publicó primero en Periodistas Unidos.

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 30 de agosto de 2025.- El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) celebrará en su 23ª edición, del 10 al 19 de octubre de 2025, a la icónica María Félix, “La Doña”, con una retrospectiva de siete películas que destacan su legado como la máxima estrella de la Época de Oro del cine mexicano. Este homenaje, posible gracias al apoyo de la Cineteca Nacional, la Filmoteca UNAM, Fundación Televisa y Carlos Vasallo / Video Universal, incluye funciones presenciales en Morelia, funciones virtuales en nuestrocine.mx y proyecciones preinaugurales el 9 de octubre, con la inauguración oficial el 10 de octubre.

María Félix, descrita por el curador de Fundación Televisa, Héctor Orozco, como “persona y personaje, deseada e inalcanzable”, trascendió las palabras de grandes escritores como Octavio Paz y Carlos Fuentes, así como las lentes de fotógrafos como Manuel Álvarez Bravo. Su personalidad “desinhibida, beligerante, machorra, seductora, mordaz” la convirtió en un ícono irrepetible. Como señala el crítico Rafael Aviña, su carrera despegó tras ser descubierta en 1940 por Fernando A. Palacios en la Ciudad de México, debutando en El peñón de las ánimas (1942) junto a Jorge Negrete, con quien vivió una relación tan intensa como su propia leyenda.

La retrospectiva incluye seis películas mexicanas y una franco-italiana, producidas entre 1943 y 1955, dirigidas por cineastas de la talla de Emilio Fernández, Julio Bracho, Fernando de Fuentes y Roberto Gavaldón:

1. El Peñón de las Ánimas (Dir. Miguel Zacarías, México, 1943)
   María Ángela, atrapada entre una rencilla familiar y un amor prohibido, desafía las expectativas para evitar un conflicto sangriento.

2. Doña Bárbara (Dir. Fernando de Fuentes, México, 1943)
   En los llanos venezolanos, la poderosa doña Bárbara, una mujer temida y seductora, se enfrenta al abogado Santos Luzardo por el control de sus tierras.

3. La mujer de todos (Dir. Julio Bracho, México, 1946)
   Una española en México revive el amor con el joven capitán Jorge, sin saber que está ligado al hombre que la reclama como suya.

4. Enamorada (Dir. Emilio Fernández, México, 1946)
   El general zapatista José Juan Reyes se enamora de Beatriz, quien resiste su cortejo en plena revolución, desafiando su compromiso inminente.

5. La diosa arrodillada (Dir. Roberto Gavaldón, México, 1947)
   Un triángulo amoroso se complica cuando la modelo de una estatua, amante de Antonio, lo presiona tras la misteriosa muerte de su esposa.

6. Maclovia (Dir. Emilio Fernández, México, 1948)
   El amor entre José María y Maclovia es amenazado por la obsesión de un militar que no dudará en usar el poder para poseerla.

7. French Cancan (Dir. Jean Renoir, Francia, Italia, 1955)
   En el París de 1880, Nini, una joven reclutada para el Moulin Rouge, se ve atrapada entre los celos de una bailarina y la admiración de un príncipe.

Además, el FICM, en colaboración con Fundación Televisa, presentará la exposición fotográfica Una diosa para una diosa. María Félix en la colección de Fundación Televisa, en el Andador Hidalgo del Centro Histórico de Morelia, del 7 al 22 de octubre. Compuesta principalmente por imágenes del archivo de Guillermo Vázquez Villalobos, esta muestra celebra la vida, obra y mito de una diva que sigue vigente en la era digital.

El homenaje se suma a la reciente exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), organizada por el FICM con el apoyo de Dave Kehr y Steve Macfarlane, reafirmando el impacto global de María Félix. El #FICM2025 invita al público a redescubrir a “La Doña” a través de su legado cinematográfico y su presencia imborrable.

Para más información, consulta nuestrocine.mx y sigue las redes del festival. ¡Morelia celebrará a María Félix en todo su esplendor!

La entrada El 23er FICM rinde homenaje a María Félix “La Doña” con una retrospectiva y exposición fotográfica se publicó primero en Periodistas Unidos.

Periodistas Unidos. Ciudad de México a 18 de junio de 2025.- El Hub, es el nuevo centro especializado en servicios de postproducción para cine, series y contenidos Premium. El complejo abre sus puertas en la Ciudad de Guadalajara, como una propuesta innovadora y colaborativa para la industria audiovisual mexicana e internacional.

Impulsado por la casa productora Imaginary Spirit Films, liderada por Boris Quintero (CEO), junto a los productores: Osvaldo Zárate y Yankel Stevan, entre otros socios, el Hub nace como una alianza estratégica con compañías reconocidas, tales como AO Estudios, del prestigioso sonidista Odina Acosta (más de 140 películas en su trayectoria), y Bruja Azul, de la cineasta Sofía Gómez Córdoba. A este esfuerzo se suma el respaldo técnico de Cinema Máquina, expertos en seguridad de datos y entregables para plataformas globales.

Concebido como un ecosistema de colaboración, eL Hub ofrece instalaciones de primer nivel, tecnología de punta y una política de acceso abierto, donde cada producción puede incorporar a sus propios profesionales y elegir servicios de manera modular o integral.

Las instalaciones incluyen:
•​Sala de mezcla Dolby ATMOS 11.1, diseñada con estándares internacionales por expertos desde Singapur.
•​Sala de corrección de color HDR, equipada con el monitor Sony BVM-HX310 4K Trimaster, referencia mundial en color.
•​Sala SDR profesional, ideal para entregas en plataformas estándar o broadcast.
•​Sala de edición, sala online, sala de juntas y áreas de convivencia diseñadas para potenciar el proceso creativo.

El Hub busca además integrar sus servidores con Cinema Máquina en CDMX, permitiendo flujos de trabajo remotos y en tiempo real entre ciudades.

Servicios de postproducción flexibles y con visión internacional

Además del equipamiento técnico, El Hub ofrece: Coloristas y sonidistas de alto perfil, seleccionados según el tono y necesidades de cada proyecto. Entregables en todos los formatos requeridos por plataformas como Netflix, Prime Video, HBO, entre otras.

Sistema de almacenamiento y distribución de contenidos seguro, avalado por la experiencia de Cinema Máquina. Renta de equipo de cámara, luces y vestuario, incluyendo cámaras RED 8K, Panasonic; así como lentes ZEISS, plantas de luz, transporte y más.

Una visión 360° para cineastas locales e internacionales

Más que un centro técnico, el Hub forma parte de una estrategia integral de Imaginary Spirit Films para ofrecer un servicio 360, desde la preproducción hasta los entregables finales. La empresa cuenta con oficinas alternas para pruebas de vestuario, maquillaje y juntas de producción, así como una de las bodegas de vestuario más completas de Guadalajara.

Además, el equipo ofrece asesoría personalizada para acceder al Cash Rebate de Jalisco, con experiencia en proyectos ya beneficiados por este estímulo estatal.

“El cine no se hace solo”, afirma Boris Quintero. “Por eso creamos un espacio donde cada producción pueda sentirse respaldada, sin imponer procesos ni condiciones. Puedes venir solo a mezclar, a hacer color, o hacer todo con nosotros”.

Por su parte, Osvaldo Zárate, agregó: “Nos interesa colaborar, no competir. Queremos ser aliados de quienes están contando historias. Acompañamos los proyectos como si fueran propios y conectamos con el talento adecuado en cada etapa”, concluyó.

La entrada El Hub nuevo centro de servicios de postproducción de alto nivel se publicó primero en Periodistas Unidos.

• Durante el segundo día de actividades, el encuentro compartió desde la Sala Katya Echazarreta la proyección de 23 cortometrajes realizados por alumnas y alumnos de diversas casas de estudio del séptimo arte de la capital, como la Universidad Latinoamericana (ULA), la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), la Universidad de Londres, la Universidad de la Comunicación y la Asociación Mexicana de Cineastas Independientes (AMCI)

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 15 de abril de 2025.- El trabajo de estudiantes de cinematografía llegó al Museo Yancuic con el Encuentro de Escuelas de Cine de la Ciudad de México que proyectó en el recinto de la Secretaría de Cultura capitalina, 23 cortometrajes con el fin de llevar el trabajo de alumnas y alumnos a nuevos públicos, como parte de Cácaro: La pachanga del cine mexicano, que compartirá funciones gratuitas y conversatorios hasta el 12 de abril.

Durante el segundo día del festival, que se enmarcó en la Semana del Cine en la Ciudad de México, la proyección reunió trabajos de alumnas y alumnos de distintas casas de estudio de este arte, como la Universidad Latinoamericana (ULA), la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), la Universidad de Londres, la Universidad de la Comunicación y la Asociación Mexicana de Cineastas Independientes (AMCI).

“Lo presenté en la escuela en diciembre pasado y lo vieron los compañeros y maestros, pero creo que es bastante diferente verlo en una sala de cine. Siento que te da mucha satisfacción que otra gente vea todo lo que trabajaste en una pantalla grande; es muy gratificante y te da una enorme esperanza de que otras personas lo verán”, compartió en entrevista Ana Miranda, directora y guionista del cortometraje “Paralelismo Trópico”.

Sara Ruiz, productora del mismo cortometraje, reflexionó que es importante abordar las prácticas cinematográficas con compromiso y calidad para poder buscar su salida en festivales y encuentros cinematográficos como este, sin importar que sean trabajos escolares, y sin minimizar el género.

“El cortometraje abordó una ruptura amorosa, lo que se siente extrañar a una persona y cómo afecta tu día a día que alguien ya no esté en tu vida. Creo que eso es algo que muchos jóvenes vivimos porque no sabemos cómo dejar ir a una persona y estos cortos te ayudan a reflexionar y a aprender a aceptar lo que uno siente”, explicó Jorge Alejandro Pérez, parte del público que disfrutó la propuesta de “Paralelismo Trópico”.

La joven audiencia reunida en la Sala Katya Echazarreta, donde también se encontraban familiares de las y los realizadores, resaltó la importancia de un cine hecho por jóvenes, con temáticas que les son cercanas y con la calidad que ofrece el consumo audiovisual actual de la industria.

“Me parece muy buena iniciativa que un Museo apoye a las personas jóvenes que están haciendo cine. Me impresionó mucho que estos cortometrajes hayan sido realizados por personas jóvenes porque a veces piensas que esta calidad es cosa de mucho dinero o hasta se podría pensar que es una serie de streaming en la que se gastó mucho dinero por la calidad de las tomas”, reflexionó Valeria Chirino Salazar, visitante del museo de 21 años, cuyo cortometraje favorito fue “Atrapafantasma”.

Asimismo, se proyectaron los cortometrajes “Película de Irvin”, “Regreso”, “Miquiztli”, “Solo por una noche”, “Buscando el retorno”, “Migración”, “Estantes vacíos”, “Con límite de tiempo”, “Yoo’Herencia Binnigulazaa”, “Lo hice por el punk”, “Atrapado en el limbo”, “Camino”, “Ladrón de memoria”, “Dósis de dopamina”, “Hilos de pesadilla”, “Halomi”, “Aodotus”, “Axolotl”, “Mortal herida”, “Buenos días, Margarita”, y “Alma perdida”.

La entrada Cácaro: La pachanga del cine mexicano compartió el trabajo de jóvenes cineastas en el Museo Yancuic se publicó primero en Periodistas Unidos.

EFE. Guadalajara, México. 15 de agosto de 2022.- El talento de los animadores mexicanos fue fundamental para concretar la visión del director mexicano Guillermo del Toro, ganador del Óscar, en la película animada «Pinocchio», que se estrena en diciembre próximo, expuso este lunes en entrevista con Efe Melanie Coombs, coproductora del filme.

Coombs aseguró que desde el inicio del proyecto, rodado en Portland, Estados Unidos, y en Guadalajara, México, quisieron que el equipo de producción mexicano fuera parte integral del proyecto.

“Nos tomamos la petición de Del Toro muy en serio. Lo tomamos no como un trabajo externo, sino como una colaboración entre ambas partes, nos dimos a la tarea de ver qué parte de la película podría hacerse desde acá y que no se viera diferente, porque es otro mundo y otra esencia (que tienen los realizadores)”, dijo desde Guadalajara.

La productora de origen británico, conocida por trabajos como el premiado largometraje de animación “Mary and Max” (2009), alabó el talento del grupo de animadores y artistas que trabajó desde México, quienes no tuvieron problema en integrarse y fueron receptivos con el equipo en Estados Unidos para que la película se viera como Del Toro la visualizó.

“Hay mucho talento aquí, especialmente en la industria del ‘stop motion’ (animación fotograma a fotograma), con mucho potencial para traer proyectos internacionales de corto y largo formato y entrenar a los artistas locales en diferentes tipos de puestos”, afirmó.

Coombs y el animador danés Brian Leif Hansen ofrecieron en Guadalajara dos talleres para estudiantes y nuevos talentos de la técnica de «stop motion» como parte del programa de formación del Centro Internacional de Animación conocido como “Taller del Chucho”, un proyecto impulsado por Del Toro.

El “Taller del Chucho” fue la sede de una parte del set de producción de “Pinocchio”, el musical animado en la técnica del fotograma a fotograma situado en la Italia de Mussolini a partir del cuento clásico de Carlo Collodi.

Fue dirigido por Del Toro y el estadounidense Mark Gustafson.

Brian Leif Hansen, animador de filmes como «Frankenweenie», y supervisor de animación del largometraje producido por la plataforma Netflix, afirmó a Efe que durante el rodaje tuvieron que sortear la pandemia de la covid-19, que si bien modificó los procesos de trabajo, no afectó la manera en cómo se verá la película en pantalla.

“La pandemia hizo que trabajáramos en línea, pero no intervino con el trabajo y la comunicación no era tan diferente, la manera de trabajar, las tomas que hacíamos aquí y lo que hacía Guillermo (en Portland) tenían el mismo proceso y procurábamos que el equipo de México estuviera involucrado para que la experiencia fuera más enriquecedora”, explicó.

Los realizadores calificaron a Del Toro como “un hacedor de ideas” y un «enamorado» del «stop motion”, que logró que los equipos creativos de Estados Unidos y México trabajaran de una manera armónica alrededor de sus ideas.

La entrada Cineastas destacan el talento mexicano en «Pinocchio» de Guillermo del Toro se publicó primero en Periodistas Unidos.

Foto: Francisco Guasco / EFE

EFE. Ciudad de México. 22 de mayo de 2020.- Tras una reunión en línea con representantes de la industria cinematográfica mexicana, la Cámara de Diputados anunció cerca de la medianoche de este viernes que no será eliminado el Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (Fidecine).

«En diálogo extraordinario con la comunidad cinematográfica, llegamos a los siguientes acuerdos», publicó en Twitter Mario Delgado, líder de la bancada de Movimiento Regeneración Nacional (Morena) en la Cámara de Diputados.

Entre estos acuerdos, anunció que Fidecine «no desaparecerá» y se decidió «hacer equipo para plantear estrategias que hagan crecer a la industria».

Además, se dio apoyo a los acuerdos del Instituto Mexicano de la Cinematografía (IMCINE).

La reunión entre cineasta y políticas se hizo después de que Morena, el partido del presidente Andrés Manuel López Obrador, presentase en la Comisión Permanente del Congreso una iniciativa de ley para reducir los fideicomisos dentro de la política de austeridad económica que abandera el mandatario, reforzada ahora por la crisis de COVID-19.

Cuando esto se hizo público, personalidades e instituciones del cine manifestaron su preocupación y desacuerdo, ya que el Fidecine se encarga de la producción del 20 % de las cintas mexicanas que vieron la luz desde 2002.

«Se trata de un fideicomiso que permite el fomento al cine mexicano independiente, y es puntal imprescindible para su desarrollo. Bien se sabe que sin una política pública que fomente la cinematografía nacional, su desaparición sería inminente frente al poder económico y mediático del cine estadounidense», expresó en un comunicado la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

«Esta (el cine mexicano) es una manifestación cultural fundamental para el mundo. Es cortar alas a miles de cineastas que vienen en camino- es abandonarse a la marea», protestó Guillermo del Toro en su Twitter al conocer la noticia.

Junto a muchas otras publicaciones en las que indicó que la cancelación del Fidecine significaría «la devastación de un ecosistema cultural ya en peligro de extinción».

Después de esto, Sergio Mayer, presidente de la Comisión de Cultura y Cinematografía de la Cámara de Diputados, convocó una reunión urgente al ver que había un descontento general en cuanto a la iniciativa para reformar y derogar varias disposiciones de la Ley Federal de Cinematografía, específicamente los artículos del 33 al 38, relacionados con el fondo de inversión dedicado a impulsar esta industria.

Finalmente, durante esta reunión en la que participaron trabajadores de todo tipo de la industria como los tres icónicos directores mexicanos, Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu, se acordó a través del diálogo que el Fidecine no desaparecerá.

Asimismo, durante la junta, según un comunicado de la Cámara de Diputados, Delgado indicó que se realizará un parlamento abierto para analizar las propuestas en torno a esta industria. Además, dijo que se dará apoyo a los acuerdos del Imcine.

«No vamos a actuar de manera irresponsable y seremos sensibles, analizando 44 fideicomisos, pero los que no tengan defensa se van a ir, porque representan otro tipo de intereses y aquellos que permanezcan, tienen que salir fortalecidos», dijo Delgado y recoge el boletín.

El diputado fue claro y recordó que los fideicomisos eran uno de los instrumentos que se utilizaron para la corrupción en periodos presidenciales anteriores. 

La entrada Cineastas logran que México no cancele parte de presupuesto para séptimo arte se publicó primero en Periodistas Unidos.