Periodistas Unidos, 9 de octubre, 2026.- En “Echoes of Haworth”, los rostros conservan elementos que permiten reconocer una figura, mientras las pinceladas desplazan sus facciones y alteran su expresión. JoCa utiliza esa tensión para explorar la vulnerabilidad, la memoria y las condiciones que intervienen en la construcción de una identidad.

La serie toma como referencia a Charlotte, Emily y Anne Brontë, cuya escritura abrió un espacio para sus inquietudes y ambiciones dentro de una sociedad que limitaba las posibilidades de las mujeres.

La exposición inaugurada hace unas semanas en la Galera 32, el nuevo estudio del diseñador de joyería Iker Ortiz, ubicado en la colonia Narvarte Poniente de la Ciudad de México. Con curaduría de Rafael Pérez y Pérez, el proyecto se realizó en colaboración con Galería Errante, de Alessandra Migliano.

Haworth, la localidad inglesa de Yorkshire donde las escritoras desarrollaron sus obras, da nombre a esta exploración. Las tres hermanas recurrieron a los seudónimos Currer, Ellis y Acton Bell en sus primeras publicaciones para enfrentar los prejuicios que acompañaban a la autoría femenina. Esa decisión introduce una cuestión central en la propuesta de JoCa: la diferencia entre la experiencia personal y la identidad que puede mostrarse públicamente.

La pintura aborda esa separación mediante rostros atravesados por barridos de color, superposiciones y cambios de dirección en los trazos. Aunque evocan las interferencias de una pantalla, estos efectos se trabajan al óleo. Los ojos pueden quedar cubiertos mientras el peinado o la postura siguen siendo legibles; en otras piezas, la cabeza pierde definición sobre un cuerpo que conserva su forma. El resultado exige reconstruir mentalmente aquello que la imagen deja abierto.

Los retratos dedicados a las escritoras llevan por título sus nombres literarios junto con sus identidades: “Currer Bell (Charlotte Brontë)”, “Ellis Bell (Emily Brontë)” y “Acton Bell (Anne Brontë)”. Esta doble identificación hace visible el recurso que utilizaron para dar circulación a su escritura y permite relacionar el ocultamiento de un nombre con la alteración de un rostro.

La serie se extiende también hacia los personajes y las aspiraciones asociados con ese universo. Catherine Earnshaw, protagonista de “Cumbres borrascosas”, aparece en composiciones donde el movimiento de la pintura transforma la cabeza en una zona de agitación. Las obras tituladas “Winter’s Morning” sitúan a las figuras ante paisajes de agua y colinas, en una interpretación de los deseos de las hermanas de construir una vida dedicada a contar historias.

El conjunto incorpora camafeos en resina y marcos dorados cuya ornamentación remite al siglo XIX. Estos elementos introducen una referencia al entorno histórico de las Brontë y a las convenciones que delimitaban la presencia social de las mujeres. Dentro de esos contornos, las facciones alteradas pueden leerse como una resistencia a quedar definidas por una apariencia estable o por un papel previamente asignado.

JoCa, de origen mexicano y español y con formación artística en Vancouver, ha trabajado sobre la relación entre la representación personal y los entornos tecnológicos. El vínculo con las Brontë amplía esa investigación hacia un antecedente literario: la necesidad de adoptar otra identidad para hacer circular la propia obra. Desde ahí, “Echoes of Haworth” permite pensar en las decisiones que todavía intervienen al presentarnos ante otros y en todo lo que un retrato deja fuera.

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Periodistas Unidos, 25 de septiembre 2026.- La muestra reúne arte digital, instalaciones y obras interactivas en Casa Hotbook, bajo la curaduría de Damián Romero. Puede visitarse hasta el 11 de octubre.

Las tecnologías que facilitan la conexión permanente también modifican nuestra atención, nuestros vínculos y nuestras expectativas sobre el futuro. Esa tensión atraviesa “Radical Optimism”, la exposición de la segunda edición de ZⓈONAMACO LAB.

Bajo la curaduría de Damián Romero, la muestra aborda la relación entre tecnología, cuerpo y percepción mediante instalaciones, obras interactivas y experiencias sensoriales. El juego y la participación del público son parte central del recorrido: permiten acercarse a cuestiones como el agotamiento digital, la búsqueda constante de estímulos y la manera en que los sistemas tecnológicos intervienen en la vida cotidiana.

El título plantea el optimismo como una forma de resistencia informada. Desde esa perspectiva, la exposición invita a reconocer las contradicciones de una época en la que conviven la conexión y el aislamiento, el placer y el cansancio, las promesas de progreso y la preocupación por el deterioro de los ecosistemas. La imaginación aparece como un recurso para cuestionar esas condiciones y concebir otros futuros.

“Radical Optimism” cuenta con la participación de AMIANGELIKA, Brian Eno, CNDSD & Iván Abreu, Iregular, Linnea Goransson, Matthew Feyld, Orly Anan & Brian Close, Rodrigo Garrido, Stefan Bruggemann y Tania Candiani. Sus propuestas ofrecen distintas aproximaciones a los ejes de la exposición y propician una relación activa entre las obras y quienes recorren las salas de Casa Hotbook.

La selección curatorial está a cargo de Damián Romero, fundador y director de MUTEK México, cuya trayectoria reúne más de dos décadas de trabajo en la producción y difusión de artes digitales, prácticas audiovisuales contemporáneas y música electrónica. Su planteamiento para esta edición vincula la experimentación artística con la posibilidad de intervenir críticamente en las narrativas sobre la tecnología.

“Radical Optimism no propone respuestas, sino escenarios: prototipos sensibles de futuros donde la imaginación, la crítica y el deseo aún pueden reprogramar lo posible”, señala Romero.

Con esta segunda edición, ZⓈONAMACO LAB da continuidad a un programa que extiende la actividad de ZⓈONAMACO más allá de los días de feria. El proyecto abre espacio a exposiciones temporales y formatos de experimentación que vinculan las prácticas contemporáneas con otros campos creativos y con públicos diversos. La edición es presentada por HSBC, con MINI como patrocinador principal y el apoyo de Casa Hotbook.

“Radical Optimism” puede visitarse hasta el 11 de octubre de 2026, de martes a domingo, de 11:00 a 20:00 horas, en Casa Hotbook, ubicada en Monte Líbano 280, Lomas de Chapultepec, Ciudad de México. Los boletos y el registro están disponibles en MangoPase.

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Periodistas Unidos, 22 de septiembre, 2026.- La exposición reúne 32 fotografías de Cecilia Santos, Allan Fis y Norma Patiño que retratan a figuras del arte en México, dentro de sus espacios de creación o en composiciones preparadas para la cámara.

Los rostros de quienes han contribuido a la historia del arte en México protagonizan “Revelados. Retratos de artistas en las colecciones de Hacienda”. La exposición, presentada en la Galería de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP), reúne 32 fotografías que permiten acercarse a distintas facetas de creadores como Leonora Carrington, Magali Lara, Manuel Felguérez y Vicente Rojo.

Realizadas por Cecilia Santos, Allan Fis y Norma Patiño, las imágenes pertenecen, en su mayoría, a las colecciones Pago en Especie y Acervo Patrimonial de Hacienda. La selección incluye también retratos de Federico Silva, Jorge Marín, Raúl Anguiano, Irma Palacios, Pedro Friedeberg, Yvonne Domenge y Graciela Iturbide, entre otros artistas.

Las fotografías en blanco y negro registran a sus protagonistas en lugares de trabajo o bajo composiciones determinadas. Las poses, las sonrisas, los gestos de las manos y la dirección de los ojos adquieren peso en cada imagen: son detalles que permiten reconocer distintas maneras de presentarse ante la cámara y de construir un retrato.

La exposición pone en relación la identidad de los artistas con las decisiones visuales de quienes los fotografían. Cada autor establece un acercamiento particular a sus retratados, mientras que algunas piezas, al pertenecer a una misma serie, permiten identificar vínculos dentro del conjunto.

El recorrido incorpora frases de los propios artistas, extraídas de entrevistas realizadas para la serie de televisión “Una Trayectoria, Una Colección” y de las cápsulas “Arte y Palabra”. Estas voces acompañan las fotografías y aportan otras vías para conocer a sus protagonistas, a través de sus ideas y experiencias.

Presentada por la Dirección General de la Conservaduría de Palacio Nacional y Patrimonio Cultural, “Revelados” aborda el retrato en su doble condición de obra artística y documento histórico. Las imágenes forman parte de una memoria visual que preserva los rostros de quienes han participado en el desarrollo del arte en el país.

La muestra también busca alentar la incorporación de más fotógrafas y fotógrafos a la Colección Pago en Especie, programa que incluyó la fotografía entre sus disciplinas artísticas en 2007.

“Revelados. Retratos de artistas en las colecciones de Hacienda” abrió al público el 26 de agosto en la Galería de Arte de la SHCP, ubicada en República de Guatemala 8, Centro Histórico de la Ciudad de México. El horario de visita es de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas, con entrada libre.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 29 de agosto 2026.- El Festival Internacional Pensamiento de Mujer (FIPEM) presenta la exposición Miradas de mujeres sobre la fotografía, una revisión de la presencia femenina en la vida social y cultural de México a través de obras de Paulina Lavista, Cristina Kahlo y Verónica Rosales, junto con imágenes históricas del Archivo Casasola. Este sábado 29 de agosto, a las 11:30 horas, visita guiada por la exposición.

La muestra reúne distintas épocas, técnicas y formas de representar a las mujeres. Más que construir una lectura lineal, permite reconocer coincidencias entre autoras separadas por varias generaciones y observar los espacios que las mujeres han ocupado, aunque su participación no siempre haya quedado registrada en los relatos históricos.

El recorrido comienza con Miradas de mujeres sobre la mujer, de Paulina Lavista, integrada por 26 fotografías de creadoras y figuras vinculadas con la cultura, además de escenas de la vida cotidiana.

En la segunda sala se presenta Desigualdad invisible, una selección de 35 imágenes del Archivo Casasola realizada por la historiadora Vania Casasola. La propuesta se aleja de las representaciones más conocidas —la mujer burguesa o la soldadera— para recuperar otros ámbitos de la experiencia femenina: los cuidados, la educación, la participación sindical y social, la lucha por el voto y el ejercicio del liderazgo.

“Las mujeres están presentes en todas las acciones; sencillamente no se habían nombrado tanto en los libros, en las narrativas de nuestra historia y tampoco en las exposiciones”, señala Casasola. Su selección también busca retirar de estas fotografías la carga nostálgica con la que suelen observarse y devolverles su contexto social.

La tercera sala reúne las propuestas de Verónica Rosales y Cristina Kahlo. Rosales presenta Instantes culturales, una serie de 29 fotografías a color que resume dos décadas de trabajo dedicado al registro de la danza, la música, el teatro, las artes visuales y sus protagonistas. Kahlo participa con Crecí a la sombra de los árboles, nueve imágenes en las que vincula la figura femenina con elementos de la naturaleza.

Uno de los cruces más claros de la exposición aparece en los retratos que Lavista y Rosales realizaron de la coreógrafa Gloria Contreras en momentos distintos de su vida. La primera la fotografió durante la década de 1970, mientras que Rosales hizo su retrato en 2010. La coincidencia permite observar las transformaciones de una misma figura y, al mismo tiempo, dos maneras de registrar la cultura mexicana.

Además, este sábado 29 de agosto, a las 11:30 horas, se realizará un recorrido acompañado por la exposición. La actividad tendrá lugar en Casa Frissac, en el Centro de Tlalpan, con entrada libre.

Miradas de mujeres sobre la fotografía permanecerá abierta hasta el 10 de septiembre. Puede visitarse de martes a domingo, de 11:00 a 18:00 horas.

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Periodistas Unidos, 19 de agosto de 2026.- Las máscaras utilizadas en ceremonias comunitarias, danzas tradicionales y carnavales comparten con las de la lucha libre una capacidad: transformar a quien las porta y convertirlo en un personaje colectivo.

Esta relación es el eje de Máscaras: tradición, ritualidad, identidad y lucha libre mexicana, exposición presentada en el Museo de la Indumentaria Mexicana (MIM) de la Universidad del Claustro de Sor Juana.

La muestra reúne 32 piezas de la Colección Luis Márquez Romay, procedentes de distintas regiones de México, y 16 máscaras originales facilitadas por el Museo de la Lucha Libre Mexicana (MULLME), con sede en Tijuana.

El recorrido incluye representaciones de diablos, viejos, animales, conquistadores y seres sobrenaturales vinculados con celebraciones de Michoacán, Guerrero, Oaxaca, Tlaxcala y Sonora. También presenta 10 fotografías del acervo universitario que documentan algunas de las danzas en las que se utilizan estas piezas.

Entre ellas se encuentran máscaras relacionadas con la Danza de los Kurpites y los Viejitos de Michoacán; los Tlacololeros y Manueles de Guerrero; los Diablos de la Costa Chica de Oaxaca; el Carnaval de Tlaxcala, así como las ceremonias de Pascola y Judíos de Sonora.

“Estas máscaras deben entenderse dentro de su contexto ceremonial y comunitario, y no únicamente como personajes de una danza”, explicó Armando Valdivieso, curador y responsable de la Colección Luis Márquez Romay.

La exposición evita equiparar las funciones rituales de las piezas tradicionales con las reglas del espectáculo deportivo. En cambio, propone observar cómo el danzante y el luchador abandonan temporalmente su identidad cotidiana para asumir otra personalidad.

La sección dedicada al pancracio incluye máscaras de El Hijo del Santo, Blue Demon Jr., Atlantis, Místico y Espectro Jr., entre otros personajes. Destaca la de El Ángel, identidad que el luchador René Guajardo, conocido como El Rey Moro, interpretó únicamente en las películas «Los endemoniados» y «La mano que aprieta», ambas filmadas en 1964.

Marco Eduardo Jiménez Cabrera, cronista y gestor cultural de la lucha libre, señaló que la construcción de un luchador enmascarado no depende solamente de la máscara, sino también del vestuario, los movimientos y la psicología desarrollada alrededor del personaje.

“La máscara es misticismo e identidad de quien la porta. Es, más allá del atleta, una personalidad mágica y teatral”, afirmó.

Como actividad complementaria, el miércoles 26 de agosto se realizará un conversatorio durante la Noche de Museos en El Claustro. Participarán Mauricio Limón, coleccionista y fundador del MULLME; Martha Ríos Basurto, directora de la Colección Luis Márquez Romay, y el curador Armando Valdivieso.

Máscaras: tradición, ritualidad, identidad y lucha libre mexicana permanecerá abierta hasta el 9 de octubre. Puede visitarse de lunes a viernes, de 10:00 a 18:00 horas, y los sábados, de 10:00 a 15:00 horas. La entrada es libre.

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Periodistas Unidos. 15 de agosto de 2026.— Los letreros pintados a mano, las historietas, los juguetes y los anuncios que alguna vez formaron parte de calles, comercios y hogares mexicanos reaparecen en Aquí es…, exposición individual de Emmanuel García Ramírez.

La muestra reúne más de 100 obras bajo la curaduría de Laura Negrete y Cristian Aburto. En ellas, García recupera imágenes tomadas de publicaciones impresas, archivos personales y recorridos por la ciudad para darles una nueva lectura.

Muchas de estas imágenes permanecen ligadas a recuerdos personales. Un personaje, una envoltura o el anuncio de un negocio pueden remitir a una época, una colonia o una experiencia compartida. El artista trabaja con esos recuerdos para mostrar cómo la cultura popular también forma parte de la historia de México.

García observa la ciudad como un lugar donde se acumulan huellas del pasado. Los rótulos comerciales, la publicidad callejera, el grafiti y las viviendas conservan formas de hablar, vender, vivir y relacionarse que cambian con el paso del tiempo.

Mediante dibujos, grabados y collages, el artista reúne esos fragmentos y construye escenas en las que la memoria personal se encuentra con la experiencia de otras generaciones. Su trabajo permite reconocer imágenes familiares y observarlas desde el presente.

Durante más de 25 años, Emmanuel García ha trabajado con materiales relacionados con la vida urbana y la cultura popular. Su obra presta atención a imágenes que suelen desaparecer sin dejar registro, aunque hayan ocupado un lugar importante en la vida cotidiana.

Como parte de las actividades de la exposición, el artista ofrecerá una charla el 20 de agosto, a las 18:30 horas.

Aquí es… permanecerá abierta hasta el 4 de septiembre, de lunes a viernes, de 12:00 a 18:00 horas, en UOTAN Casa Roma, ubicada en Minatitlán 24, colonia Roma Sur.

UOTAN Casa Condesa, en Fernando Montes de Oca 86, contará también con un espacio para exhibir y vender una selección de obras de Emmanuel García.

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Periodistas Unidos. 6 de agosto de 2026.— Veintidós artistas de más de diez países presentan obras creadas especialmente para un programa que conecta tecnología, memoria y construcción de nuevos símbolos.

En un museo concebido para resguardar la colección prehispánica de Diego Rivera, la inteligencia artificial, el glitch, el arte generativo y las imágenes en 3D ocuparán por unos días la Biblioteca del Anahuacalli.

El encuentro forma parte de Encuentros Digitales, un programa internacional que reúne obras de 22 artistas de más de diez países y que busca explorar cómo se construyen actualmente los mitos, los símbolos y las imágenes que permanecen en la memoria.

La propuesta parte de una tensión atractiva: colocar algunas de las prácticas tecnológicas más recientes dentro de un edificio levantado con piedra volcánica y pensado por Rivera como un espacio donde el arte antiguo pudiera seguir activando nuevas formas de creación.

A través de inteligencia artificial, cine, postfotografía, animación, arte generativo, 3D estereoscópico y experiencias interactivas para acercarse a temas como la identidad, la permanencia y la saturación de imágenes que caracteriza la vida contemporánea.

El proyecto tiene su punto de partida en noviembre de 2025, cuando los artistas Coldie, de Estados Unidos, y Darío Lanza, de España, realizaron una residencia de cinco días en el Anahuacalli. Durante su estancia recorrieron la arquitectura, la colección y los distintos espacios del museo, experiencia que dio forma a la propuesta curatorial que posteriormente fue compartida con el resto de los participantes.

La pregunta que atraviesa el programa busca responder en medio de un flujo prácticamente infinito de información e imágenes, ¿qué tiene suficiente significado para convertirse en mito?

Participan 0009, AKC, Alfredo Salazar-Caro, Alkan Avcıoğlu, Amadon, Andrea Ciulu, Anna Condo, BoredJosei, Coldie, Dalos-Dov, Darío Lanza, DeltaSauce, g0naji, Harto, InfiniteYay, Laura El, Modest, NeuroColor, Noper, Rebecca Rose, Robert Mallary y Vikki Bardot.

Impulsado por 8NAP Art, en colaboración con Superchief y Mythaic, Encuentros Digitales se presenta durante la primera semana de agosto en la Biblioteca del Museo Diego Rivera Anahuacalli. El acceso es gratuito.

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Periodistas Unidos. 24 de julio de 2026.- La exposición Devoción Urbana reúne distintas interpretaciones contemporáneas de la Virgen de Guadalupe, una imagen religiosa que, después de casi cinco siglos, continúa presente en la cultura visual, la vida cotidiana y la identidad de México.

La muestra, albergada en las salas del Centro Cultural Coyoacanense Hugo Argüelles, curada por Eva Calderón y Marco Pitteri, parte de una pregunta: ¿cómo puede una imagen creada hace casi cinco siglos seguir inspirando a los artistas de nuestro tiempo?

Más allá de su dimensión religiosa, la Virgen de Guadalupe se ha convertido en uno de los símbolos más reconocibles del país. Su imagen aparece tanto en iglesias como en fachadas, mercados, talleres, puestos ambulantes, murales, transportes públicos y altares instalados en las calles.

Esta presencia constante la ha convertido en parte del paisaje urbano y de la memoria emocional de distintas generaciones. También ha permitido que artistas de diversas épocas la retomen, modifiquen y trasladen a nuevos contextos.

En Devoción Urbana, Ahmed Montes, Antal Leyva, Canija, Javier Guerrero y Patricio García Formentí, los artistas participantes no buscan reproducir la representación tradicional, sino proponer, a través de la fotografía, la pintura, la intervención, el arte urbano y otros medios contemporáneos, un punto de partida para hablar desde su propia experiencia, lenguaje y momento histórico.

Cada pieza propone una lectura distinta sobre la devoción, la identidad, la ciudad y la manera en que los símbolos colectivos pueden transformarse sin perder su capacidad de generar reconocimiento, preguntas o incluso controversia.

La exposición plantea que una tradición se mantiene viva no porque permanezca inmóvil, sino porque puede ser revisada por cada generación. Desde esta perspectiva, la Virgen de Guadalupe aparece como una imagen abierta a nuevas sensibilidades y formas de expresión.

El recorrido invita al público a observar cómo un símbolo profundamente arraigado en la cultura mexicana continúa produciendo conversaciones dentro del arte contemporáneo.

El público podrá visitarla hasta el 24 de agosto, entrada libre.

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Periodistas Unidos. 17 de julio, 2026.- La exposición Los muros del aire. Arquitecturas contemporáneas brasileñas reúne en la Ciudad de México una selección de proyectos que muestran cómo la arquitectura puede recuperar espacios públicos, conectar comunidades y transformar la relación de las personas con su entorno.

El recorrido está integrado por 17 maquetas, además de planos, fotografías, diagramas y otros materiales gráficos de proyectos representativos de la arquitectura brasileña contemporánea. Las piezas formaron parte del Pabellón de Brasil en la 16.ª Exposición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia, realizada en 2018.

En lugar de concentrarse únicamente en los edificios, la exposición pone atención en los procesos y decisiones que permiten intervenir una ciudad: activar zonas abandonadas, recuperar infraestructura, mejorar la conexión entre barrios y generar espacios que favorezcan la convivencia.

Los proyectos fueron seleccionados mediante una convocatoria pública realizada en Brasil y cuentan con la curaduría de Luiz Fernando Janot y Jorge Mario Jáuregui.

Uno de los elementos particulares de esta presentación es su montaje. Las cajas utilizadas originalmente para transportar las piezas fueron reutilizadas como bases y estructuras de exhibición, por lo que el embalaje deja de permanecer oculto y se convierte en parte del recorrido.

Esta decisión responde a la propia naturaleza itinerante de la muestra. Cada sede modifica la distribución, las distancias entre las piezas y la experiencia del visitante, de manera similar a como la arquitectura se adapta a distintos territorios, necesidades y formas de habitar.

La exposición también propone entender la arquitectura como una disciplina que no se limita a producir formas o edificios, sino que puede generar vínculos, aprovechar recursos existentes y abrir nuevas posibilidades de uso para los espacios comunes.

Los muros del aire. Arquitecturas contemporáneas brasileñas se realiza en colaboración con la Cátedra Machado de Asís de la Universidad del Claustro de Sor Juana y permanecerá abierta al público hasta el 19 de agosto.

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Periodistas Unidos. 16 de julio, de 2026.- La exposición «Tectónica de la memoria, 1985–2025» permanecerá abierta hasta el 26 de julio en el Museo Mural Diego Rivera, en la Ciudad de México. La muestra revisa las huellas sociales, urbanas y emocionales que dejó el sismo de 1985, a cuatro décadas de uno de los episodios que marcaron la historia reciente del país.

A través de instalación, fotografía, pintura, collage, gráfica y documentos de archivo, la exposición reúne obras procedentes de colecciones públicas y privadas que permiten acercarse al terremoto desde distintas generaciones y experiencias.

Más que presentar una reconstrucción cronológica, el recorrido pone atención en la manera en que el desastre transformó la vida cotidiana, la relación de los habitantes con la ciudad y las formas de organización ciudadana que surgieron después del 19 de septiembre de 1985.

El curador Irving Domínguez explica que la exposición busca mantener activa la memoria del acontecimiento y entender sus consecuencias en el presente.

“No se trata solo de recordar el acontecimiento, sino de comprender cómo ese momento redefinió la relación de la ciudadanía con su entorno, con el otro y con la propia idea de comunidad”, señaló.

La muestra reúne obras de Adolfo Riestra, Bob Schalkwijk, Georgiana Quintana y Marta María Pérez Bravo, realizadas en tinta sobre papel, óleo y acrílico sobre tela, fotografía, técnica mixta e impresión digital. Esta variedad de materiales, junto con piezas gráficas y documentos de archivo, ofrece al público distintas formas de acercarse al sismo de 1985 y comprender sus consecuencias sociales, urbanas y humanas.

Tectónica de la memoria, 1985–2025 también permite que quienes vivieron el terremoto reconozcan espacios, escenas y experiencias, mientras que las generaciones más jóvenes pueden acercarse a un episodio que todavía influye en la manera de pensar la vulnerabilidad urbana, la protección civil y la participación ciudadana.

La exposición representa una oportunidad para conocer esta parte de la historia reciente de México desde la mirada del arte y entender cómo sus efectos siguen presentes en la ciudad. Puede visitarse hasta el 26 de julio en el Museo Mural Diego Rivera, en el Centro Histórico de la CDMX.

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