Periodistas Unidos. Ciudad de México a 23 de junio de 2026.- Epson reafirma su compromiso con el arte, la fotografía y la difusión cultural en México al colaborar con el Centro de la Imagen de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México en la exposición “Más que un deporte: fútbol, identidad y memoria”, una muestra que explora la relación entre el fútbol, la identidad colectiva y la construcción de la memoria social a través de la fotografía.

La exposición explora cómo la fotografía ha documentado una de las expresiones culturales más arraigadas en México, ofreciendo una mirada a las emociones, experiencias colectivas y formas de identidad que se construyen alrededor del fútbol.

Como parte de esta colaboración, Epson contribuye a la producción visual de la muestra mediante sus soluciones de impresión profesional, respaldando iniciativas que promueven el acceso a la cultura y fortalecen el valor de la fotografía como herramienta para preservar historias y conectar a las personas con su patrimonio visual. A través de esta colaboración, Epson pone su tecnología al servicio de iniciativas culturales que buscan acercar la fotografía a nuevas audiencias y contribuir a la preservación de la memoria visual.

“Como empresa comprometida con la innovación y la difusión de la cultura visual, en Epson buscamos apoyar proyectos que contribuyan a preservar y compartir el trabajo de fotógrafos, creadores e instituciones culturales. Esta colaboración con el Centro de la Imagen refleja nuestro compromiso con iniciativas que promueven el acceso a la fotografía y ayudan a acercar historias significativas a nuevas audiencias”, comentó Daniel Lukie, Product Manager Industrial Solutions.

La exposición podrá visitarse del 6 de junio al 9 de agosto de 2026 en las rejas perimetrales del Centro de la Imagen, ubicado en Plaza de la Ciudadela 2, Centro Histórico de la Ciudad de México.

Esta colaboración forma parte de las iniciativas que Epson impulsa en México para apoyar proyectos culturales, fotográficos y artísticos, contribuyendo a que más personas puedan acercarse a propuestas que preservan y difunden el patrimonio visual contemporáneo.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México a 20 de junio de 2026.- La fotógrafa mexicana Daniela Name explora las historias que sobreviven al desplazamiento a través de dos proyectos que retratan la herencia siria en México y la preservación de las tradiciones mexicanas en Estados Unidos.

Las fronteras pueden separar países, pero rara vez logran borrar las costumbres, los recuerdos y las historias que las personas llevan consigo. Esa idea es el corazón de la obra de Daniela Name, fotógrafa documental mexicana cuya producción artística gira en torno a la identidad, la migración y la transformación cultural.

A través de imágenes íntimas y profundamente humanas, la artista ha desarrollado una investigación visual sobre aquello que permanece cuando una comunidad se desplaza: los sabores heredados, las celebraciones compartidas, los vínculos familiares y las expresiones culturales que encuentran nuevas formas de existir lejos de su lugar de origen.

“La migración es un tema que me interesa porque forma parte de mi propia historia”, explica Name. “Yo crecí completamente en México, pero también rodeada de tradiciones que llegaron con mi familia desde Siria. Esa mezcla cultural siempre ha sido parte de quién soy”.

Esa búsqueda personal se refleja en Las Primas, una serie fotográfica dedicada a las mujeres de su familia materna, descendientes de inmigrantes sirios que se establecieron en México y que, con el paso de las décadas, han mantenido viva parte de su herencia cultural.

Las protagonistas del proyecto aparecen retratadas en las cocinas de sus hogares, espacios que para la fotógrafa representan mucho más que un lugar de trabajo cotidiano. Son escenarios donde se preservan recetas, memorias y costumbres transmitidas entre generaciones.

“Me llama mucho la atención cómo la comida se convierte en un vehículo para conservar la identidad cuando las tradiciones viajan”, comenta.

La serie también observa los roles que históricamente han asumido las mujeres dentro de estas familias y las expectativas que continúan acompañándolas. Mientras documentaba el proyecto, Name descubrió que muchas de sus familiares preparaban cuidadosamente cada detalle antes de ser fotografiadas, una acción que terminó revelando las exigencias culturales asociadas a la imagen femenina.

La exploración sobre pertenencia e identidad continuó cuando la artista se mudó a Nueva York para especializarse en fotografía documental. Ahí encontró una nueva historia que contar dentro de las comunidades mexicanas establecidas en Estados Unidos.

Durante 2024 y 2025 documentó grupos de danza trad

icional que mantienen vigentes expresiones culturales provenientes de Morelos, Oaxaca, Jalisco y otras regiones del país. Ese trabajo dio origen a Colores Rotos, una serie que analiza la manera en que las tradiciones evolucionan al adaptarse a nuevos contextos sociales y culturales.

“Lo que me interesó fue observar cómo las costumbres permanecen, pero también cómo cambian cuando se desarrollan lejos de su lugar de origen”, señala.

Entre los protagonistas de la serie aparecen jóvenes nacidos en Estados Unidos, hijos de migrantes mexicanos, que participan activamente en bailes y celebraciones tradicionales aun cuando su vida cotidiana transcurre dentro de una cultura distinta.

“Muchos crecieron aquí, hablan inglés como primera lengua y tienen referencias culturales diferentes, pero siguen encontrando una conexión muy fuerte con las tradiciones de sus familias”, explica.

Para representar visualmente ese proceso de adaptación, Name incorpora técnicas experimentales que incluyen escaneos e intervenciones fotográficas. Las imágenes fragmentadas y transformadas funcionan como una metáfora de las identidades que se reconstruyen constantemente a partir de múltiples influencias.

Más que documentar comunidades específicas, la fotógrafa busca abrir una conversación sobre la forma en que las personas construyen sentido de pertenencia a través de la memoria colectiva.

“Me interesa entender qué cosas heredamos, cuáles aprendemos y cómo todo eso termina formando nuestra identidad”, afirma.

Con Las Primas y Colores Rotos, Daniela Name consolida una propuesta artística que encuentra en las historias migrantes un territorio fértil para reflexionar sobre la familia, la cultura y la permanencia. Su obra demuestra que las tradiciones no desaparecen cuando cruzan una frontera: se transforman, se adaptan y continúan escribiendo nuevas historias.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 22 de febrero de 2026.- El Paseo de las Culturas Amigas se transformó este viernes 20 de febrero en un portal hacia el sur de Asia con la inauguración de “India. El Horizonte Infinito”. Esta muestra fotográfica, compuesta por 20 imágenes de gran formato, ofrece a los capitalinos un recorrido íntimo por la arquitectura monumental y los paisajes naturales que definen la identidad de esta nación milenaria.

La ceremonia de apertura fue encabezada por el Embajador de la India en México, Pankaj Sharma, junto a autoridades de la Secretaría de Cultura capitalina y del Centro Cultural “Gurudev Tagore”. Durante el corte de listón, se destacó que la exposición no solo celebra la estética, sino que fortalece los lazos diplomáticos y la cooperación cultural entre ambas naciones.

Las obras que integran la galería son autoría de fotógrafos originarios de la India. Cada toma fue seleccionada cuidadosamente para capturar la esencia de lugares emblemáticos, logrando un equilibrio entre la majestuosidad de sus desiertos y montañas con la vibrante vida de sus ciudades contemporáneas, donde lo ancestral convive naturalmente con la modernidad.

Abhinaw Raj, director del Centro Cultural “Gurudev Tagore”, enfatizó que el objetivo primordial es promover el turismo. “Es un orgullo mostrar diversos aspectos de nuestro país; invitamos a todos los mexicanos a visitarnos para que conozcan a fondo nuestra cultura y panorama histórico”, expresó durante el evento al mediodía.

La exhibición funciona como un punto de encuentro espiritual y geográfico. Los espectadores podrán apreciar monumentos que son testimonios de siglos de diálogo entre religiones y saberes, así como la magnitud de ríos y montañas que invitan a la contemplación y al asombro en medio del bullicio de la Avenida Paseo de la Reforma.

Formando parte del programa Galerías Abiertas, la muestra propone un viaje sin prisas para los transeúntes. Es una oportunidad para detenerse y reflexionar sobre la diversidad de un horizonte que parece no tener fin, acercando la riqueza visual de un país lejano al corazón de la Ciudad de México.

La exposición estará disponible de manera gratuita hasta el 6 de marzo de 2026. Se ubica en el camellón de Reforma, entre la Glorieta del Ahuehuete y Avenida Insurgentes, justo frente al complejo Reforma 222, un espacio ideal para disfrutar del arte al aire libre.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 27 de noviembre de 2025.- El Museo Archivo de la Fotografía (MAF) inauguró “Mirar desde dentro: Autismo y Fotografía”, primera exposición individual del fotógrafo Iván Macías, una propuesta íntima y profundamente humana que reúne 45 imágenes tomadas desde 2018 y que revela cómo la cámara se convirtió para él en una herramienta de autodescubrimiento, aceptación y conexión con el mundo como persona autista.

“Para mí la fotografía ha sido un camino hecho de puentes: amistades, comunidad y abrazos. Hablar desde el autismo fue un reto porque durante mucho tiempo no quise ser solo ‘el fotógrafo autista’, sino reconocido por la calidad de mi trabajo. Hoy entiendo que el autismo es parte esencial de mi mirada”, compartió Iván Macías durante la inauguración.

La directora del MAF, Lizbeth Ramírez Chávez, subrayó que la inclusión va más allá de rampas físicas: “Significa abrir espacios para dialogar sobre salud mental, sensibilidad y acompañamiento. Montar esta exposición fue un proceso de aprendizaje para todo el equipo, porque queríamos que el museo se convirtiera en un verdadero hogar para quienes se acerquen a la mirada de Iván”.

Camilo Vicente Ovalle, director del Archivo Histórico de la Ciudad de México, anunció que la pieza “Árbol de la vida” de Iván Macías pasará a formar parte del acervo permanente del museo, mientras que Edgar Castelán destacó: “Fotografiar es alinear ojo, mente y corazón; Iván lo hace desde una perspectiva completamente distinta que nos exige ampliar los sentidos y observar desde otro lugar”.

La exposición invita al público a recorrer un universo donde la imagen se transforma en lenguaje, refugio y puente, y demuestra que la diversidad en la percepción no solo enriquece, sino que revela nuevas formas de entender la belleza y la sensibilidad.

“Mirar desde dentro: Autismo y Fotografía”
Hasta el 15 de febrero de 2026
Martes a domingo, 10:00 a 17:00 h
Museo Archivo de la Fotografía
República de Guatemala 34, Centro Histórico
Entrada libre

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 19 de noviembre de 2025.- El Museo Archivo de la Fotografía (MAF) abrió este miércoles al mediodía dos exposiciones que convierten la fotografía en un acto de reflexión profunda sobre la memoria, la ausencia y el fin del mundo que habitamos.

“La Fijeza”, de Mabe Guzmán, es una serie inédita que baja la mirada al suelo para recoger huellas humanas: chicles aplastados, marcas de zapatos, rastros que alguien dejó y ya no está. Inspirada en el poemario Fijeza de José Lezama Lima, la artista invita a ocupar el lugar del otro y preguntarse cuánto tiempo lleva ahí esa ausencia.

“Como fotógrafos solemos tener la mirada fija en ciertas cosas. Me obsesioné con mirar hacia abajo y pensar quién había pasado, cuántas veces, cómo se revuelven todas esas ausencias”, explicó Guzmán durante la inauguración.

A pocos pasos, “in illo tempore” de Gerardo Suter recorre el viaje histórico y simbólico de la Piedra del Sol desde su descubrimiento en 1790 hasta su lugar actual en el Museo Nacional de Antropología. Con imágenes, mapas antiguos y archivos del siglo XVIII, la exposición recuerda que 1479 marcó el inicio del Quinto Sol –la era que, según la cosmovisión mexica, vivimos hoy– y cuyo destino está sellado por sismos.

“Todo parte de los archivos, pero más que entenderla, quiero que la sientan. Que cada quien construya su propia narrativa sobre en qué lugar está parado”, señaló Suter.

Las palabras de Mariana Gómez Godoy, directora general de Patrimonio Histórico, Artístico y Cultural, y de Lizbeth Ramírez Chávez, directora del MAF, subrayaron la importancia de estas propuestas para cerrar el año con dos visiones que convierten la fotografía en herramienta filosófica.

Datos de visita:

“La Fijeza” de Mabe Guzmán: hasta el 4 de enero de 2026
“in illo tempore” de Gerardo Suter: hasta el 25 de enero de 2026
Entrada libre, martes a domingo de 10:00 a 17:00 h
República de Guatemala 34, Centro Histórico

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 20 de noviembre de 2025.- Este miércoles, el Museo Archivo de la Fotografía (MAF), recinto de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, firmó su incorporación oficial al Sistema Nacional de Fototecas (SINAFO) del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), un hecho histórico que garantiza la preservación a largo plazo de más de dos millones de imágenes que narran la vida de la capital del país.

El convenio fue suscrito en el propio MAF con la presencia de Ana Francis López Bayghen Patiño, secretaria de Cultura capitalina; Mariana Gómez Godoy, directora general de Patrimonio Histórico, Artístico y Cultural; Lizbeth Ramírez Chávez, responsable del museo; Juan Carlos Valdez Marín, director de la Fototeca Nacional del INAH, y Beatriz Quintanar Hinojosa, coordinadora nacional de Difusión del INAH.

Con esta integración, el acervo del MAF –que documenta la transformación urbana, política, cultural y social de la Ciudad de México desde el siglo XIX hasta la actualidad– será gestionado bajo los estándares nacionales de conservación, digitalización, catalogación y acceso público que establece el SINAFO.

“Un acervo que no cuenta con políticas de preservación o catalogación es un acervo en riesgo”, advirtió la secretaria López Bayghen, quien celebró el acuerdo como “un acto de voluntad política, técnica y ética” que protege la memoria visual de la capital y la pone al servicio de la investigación y las futuras generaciones.

Beatriz Quintanar Hinojosa lo calificó como “un parteaguas” en la articulación nacional del patrimonio fotográfico y subrayó que la alianza entre la Secretaría de Cultura capitalina y el INAH “avanza en la misión de proteger la memoria visual como parte inseparable del patrimonio cultural de la Nación”.

Por su parte, Lizbeth Ramírez Chávez destacó que el convenio abre una nueva etapa para el archivo al fortalecer los procesos de preservación y difusión de sus más de dos millones de fotografías, mientras que Juan Carlos Valdez Marín resaltó el valor histórico del fondo, que registra desde la evolución urbana hasta los grandes acontecimientos políticos y la vida cotidiana de los capitalinos.

Con este paso, el MAF se suma a la red nacional de fototecas, asegura la conservación técnica de su acervo bajo protocolos del INAH y amplía las posibilidades de consulta pública e investigación. La historia visual de la Ciudad de México –sus calles, sus rostros, sus cambios– gana así una protección definitiva y un alcance mayor en el panorama cultural del país.

La memoria visual en blanco y negro (y a color) de la capital ya tiene garantía nacional.

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EFE. Oviedo, España. 21 de octubre de 2025.- La fotógrafa mexicana Graciela Iturbide, Premio Princesa de Asturias de las Artes 2025, ha opinado este martes que términos como «surrealismo» o «realismo mágico» son «etiquetas» que los europeos ponen a las manifestaciones artísticas latinoamericanas y que no se corresponden con la realidad.

En una rueda de prensa en Oviedo, donde el viernes recibirá el galardón en una ceremonia presidida por los reyes de España, Iturbide ha rechazado que su fotografía sea «neorrealista» o «surrealista», como en algunas ocasiones se la ha calificado, y también ha afirmado no tener «esta cosa que llaman realismo mágico».

«Yo lo voy a decir con mucha pena, pero creo que son etiquetas que nos ponen los europeos a los latinoamericanos, mil disculpas, pero acostumbran a ponernos etiquetas que no nos corresponden, yo soy mexicana, mi país es maravilloso y es lo que fotografío», ha subrayado.

La fotógrafa ha narrado cómo, con ocasión de la recogida de un premio en Francia, le dijeron que su fotografía era «surrealista» o que estaba relacionada con el «realismo mágico».

«Yo les decía, ustedes han calificado a Vargas Llosa, a García Márquez, a Rulfo, a Onetti, de escritores de realismo mágico y léanlos ahora y verán que no tienen que ver absolutamente nada uno con el otro», ha argumentado.

Un reconocimiento a los fotógrafos latinoamericanos

Iturbide, que ha reivindicado la necesidad de reconocer más el trabajo de los fotógrafos latinoamericanos, ha asegurado que aunque el premio se lo hayan dado a ella, lo va a compartir con «todos» los compañeros latinoamericanos que se lo «deben merecer» porque muchos de ellos son «grandes fotógrafos».

A este respecto, la fotógrafa ha señalado que el único fotógrafo latinoamericano que ha recibido el Premio Princesa de Asturias de las Artes antes que ella ha sido el brasileño Sebastião Salgado, cuya muerte «curiosamente» tuvo lugar el día en el que le comunicaron a ella que había ganado, lo que hizo que fuera un día «agridulce».

La fotografía analógica como «ritual»
Por otro lado, Iturbide ha señalado que, para ella, tomar fotos con su cámara analógica es «un ritual» y que le gusta seguir «trabajando con el papel», revelar sus rollos y «descubrir» lo que ha tomado.

«En México todavía puedo encontrar materiales, editar materiales, aunque no muchos, para poder seguir haciendo mi fotografía, que es un ritual para mí, revelar el rollo, ver mis contactos y poder elegir las fotos que he tomado», ha dicho.

«Para mí hay dos momentos decisivos, cuando tomo por sorpresa lo que veo y cuando con sorpresa me gusta o rechazo lo que he tomado», ha añadido.

Iturbide ha pronosticado que, aunque el mundo de la fotografía «como todo» va a «seguir cambiando», la fotografía analógica va «a seguir existiendo», porque muchos fotógrafos que se han dedicado al digital «han vuelto al analógico», si bien «cualquier medio es bueno» y todo depende «del resultado del ojo de quien toma la foto».

«Fascinada» con las Islas Canarias

Con respecto a su próximos trabajos, la fotógrafa ha confesado sentirse «fascinada» con las Islas Canarias, donde ha podido fotografiar recientemente elementos como «los volcanes», «la lava» o «los cactus» y a donde planea regresar pronto. En general, ha dicho que «adora España» y que le encantaría seguir trabajando en el país.

Asimismo, la Premio Princesa de Asturias de las Artes ha confesado que hay «solamente una» fotografía que no pudo tomar y le habría gustado hacerlo, la de una «señora ya mayor vestida de novia» que iba camino de la boda en «un pueblo pequeñito de México», con su madre «ya grande» recogiéndole la cola del vestido.

Según ha narrado, era una escena que «era como del neorrealismo italiano», como si estuviera «viendo una película», o de Pasolini, o de Fellini, pero se quedó «tan maravillada» con esa escena que no pudo tomarle la fotografía.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 19 de septiembre de 2025.- En el marco del 40 aniversario del sismo de 1985, el Museo Archivo de la Fotografía (MAF), perteneciente a la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, abrió el pasado 17 de septiembre la exposición “Obreros(as) somos y en el camino andamos”, de la fotógrafa e investigadora Rebeca Monroy Nasr. La muestra, que reúne más de 30 imágenes inéditas tomadas en la fábrica textil La Fama en Tlalpan, estará disponible hasta el 8 de noviembre, de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas, con entrada libre.

Las fotografías capturan la vida cotidiana de las trabajadoras y trabajadores que hicieron de La Fama un símbolo de resistencia y lucha social, reflejando su labor en los telares y su compromiso con la defensa de mejores condiciones laborales. “Esta exposición está dedicada a los últimos obreros y obreras de La Fama, un homenaje a sus luchas, a sus memorias y a la identidad que nos dejaron”, expresó Rebeca Monroy Nasr durante la inauguración.

El acto contó con la presencia de la autora, el doctor Camilo Vicente Ovalle, director del Archivo Histórico de la Ciudad de México; Lizbeth Ramírez Chávez, directora del MAF; Silvestre Cárdenas Rivera, de Arte Consciente en La Fama A.C.; y el museógrafo Chito Tenorio. Ovalle destacó la importancia de recuperar la memoria de la lucha de clases en México, mientras Ramírez Chávez subrayó el compromiso del MAF de ser un espacio inclusivo que celebra la fuerza y el orgullo mexicano. Cárdenas, por su parte, anunció que la exposición será el punto de partida para un futuro museo comunitario que preserve la historia obrera y las tradiciones culturales de la zona.

El proyecto fotográfico nació gracias a la guía de Don Antonio, un obrero jubilado que permitió a Monroy Nasr documentar la vida fabril sin flash y con rollos de baja sensibilidad, capturando momentos íntimos del hilado, el trenzado y el trabajo en los telares. Estas imágenes, tomadas antes de que la fábrica cerrara en 1998, rinden homenaje a quienes dejaron su huella en una industria que marcó la identidad de Tlalpan.

Con el respaldo del INAH, la Secretaría de Cultura capitalina y Arte Consciente en La Fama A.C., la exposición no solo rescata la memoria visual de la comunidad, sino que también reivindica a los obreros y obreras como pilares de la historia social de la Ciudad de México. La muestra puede visitarse en el primer piso del Museo Archivo de la Fotografía, ubicado en República de Guatemala 34, Centro Histórico, hasta el 8 de noviembre, en un horario de 10:00 a 17:00 horas, de martes a domingo, con acceso gratuito.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 14 de septiembre de 2025.– La exposición Una Ilusión Persistente (Retroproyectiva Acotada), del artista argentino Pablo Boneu (Córdoba, 1969), se presenta por primera vez en Casa Hotbook (Monte Líbano 280, CDMX) hasta el 29 de septiembre de 2025, bajo la curaduría de Rubén Mira. Este recorrido panorámico, aunque selectivo, abarca más de tres décadas de producción, conectando los primeros proyectos de Boneu con obras en curso y propuestas futuras, consolidando su exploración de la ilusión como materia crítica y poética.

Boneu, cuya trayectoria transita entre la fotografía, el video, la literatura, el diseño y el arte público, construye un universo artístico donde lo visible se vuelve inestable y lo cotidiano se transforma en símbolo. Influenciado por sus estudios en astronomía y cine en la Universidad Nacional de Córdoba, su práctica combina estructuras coherentes con aperturas expansivas, creando un “mundo Boneu” donde la ilusión es el hilo conductor. Como señala el curador Rubén Mira, Boneu es un “artista moderno” que camina “sobre la cuerda floja” entre la tradición y lo imprevisto, ejecutando “trucos” que desafían la percepción y advierten: “¡Cuidado, nuestros ojos ven solo lo que quieren ver!”.

La exposición se articula en dos núcleos temáticos. “La urdimbre del retrato” desmonta la idea clásica del retrato como reflejo fiel, presentando rostros fragmentados, interferidos o multiplicados que cuestionan la identidad y la representación. Estas obras, como tapices visuales, convierten la imagen en un artificio de capas que desafía la mirada del espectador. Por su parte, “Lugares comunes” transforma escenas cotidianas en paisajes simbólicos y ambiguos, donde lo familiar se vuelve inquietante. A través de estas piezas, Boneu activa un extrañamiento que invita a redescubrir la realidad como un dispositivo ilusorio cargado de memoria y deseo.

Con exposiciones previas en instituciones como el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires), el Centro de la Imagen (Ciudad de México), la Galería Hilario Galguera (CDMX), la Galería Blanca Berlín (Madrid) y la Galería de Babel (São Paulo), Boneu se ha consolidado como una figura clave del arte contemporáneo. Una Ilusión Persistente no solo ofrece un mapa crítico de su proceso creativo, sino que reafirma su capacidad para expandir los límites de la percepción y la narrativa visual.

La muestra, abierta al público hasta su clausura el 29 de septiembre, invita a los asistentes a sumergirse en un universo donde la ilusión no engaña, sino que revela las múltiples posibilidades de lo que creemos ver. Casa Hotbook se convierte así en el escenario de un diálogo entre tradición, modernidad y la incesante reinvención del arte.

Datos de la exposición

• Título: Una Ilusión Persistente (Retroproyectiva Acotada)

• Artista: Pablo Boneu

• Curador: Rubén Mira

• Clausura: 29 de septiembre, 2025

• Lugar: Casa Hotbook, Monte Líbano 280, Ciudad de México

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 19 de agosto de 2025.- Cada 19 de agosto se celebra el Día Mundial de la Fotografía, una fecha que nos invita a reconocer el poder que tiene una imagen para contar historias, transmitir emociones y hacer que un momento se vuelva inolvidable. Detrás de cada gran fotografía hay talento y creatividad, pero también un soporte que potencia su fuerza visual. En publicidad y escenografías, las telas y su calidad pueden marcar la diferencia entre una imagen que impacta y una que pasa desapercibida.

La elección de la tela adecuada es clave para lograr impresiones digitales que reproduzcan fielmente los colores originales, con nitidez y realismo en gran formato. Un tejido de grano grueso puede distorsionar la imagen y reducir su intensidad, afectando el impacto visual en anuncios espectaculares, stands de ferias o escenografías de conciertos y eventos. En cambio, un textil especialmente diseñado para impresión digital, liso, liviano y a la vez resistente, asegura que el mensaje se proyecte con toda la fuerza, claridad y brillo que merece.

El mercado publicitario textil ha crecido de manera constante, impulsado por el auge de soluciones en gran formato como lonas, banners y pantallas. En América Latina, este segmento registra un aumento anual del 8% en México y Colombia. Solo en México, la inversión en publicidad exterior impresa alcanzó 12 mil millones de pesos en 2024, 5% más que el año anterior, de acuerdo con la Asociación Mexicana de Publicidad Exterior (AMPE), lo que demuestra que sigue siendo una estrategia relevante para las marcas que buscan visibilidad e impacto.

Estos indicadores subrayan la importancia de utilizar materiales textiles de alta calidad, capaces de ofrecer impresiones vibrantes, resistencia frente a condiciones climáticas y facilidad de manejo para montajes en diversas estructuras. Con 30 años de presencia en México y más de ocho décadas como líder textil en Latinoamérica, Lafayette pone a disposición una amplia gama de telas especializadas que cumplen con estas exigencias, garantizando resultados óptimos para campañas publicitarias.

Lafayette se especializa en la creación de textiles para impresión digital de gran formato, combinando tecnología de vanguardia y creatividad para satisfacer las demandas del sector publicitario y escenográfico. Sus telas, disponibles en formatos de hasta doble ancho y compatibles con las principales tecnologías de impresión del mercado, ofrecen resistencia, maleabilidad y propiedades específicas, como bloqueo o difusión de luz, según los requerimientos de cada exhibición. Estas características las hacen ideales para escenografías, exhibiciones comerciales, cajas de luz, decoración interior o montajes temporales en exteriores. Además, la marca impulsa la innovación sostenible al integrar procesos y materiales responsables con el medio ambiente, en sintonía con las tendencias globales de la industria.

La tela como aliada de la fotografía y la publicidad

En campañas publicitarias y montajes visuales, cada detalle cuenta. Desde el momento en que el fotógrafo captura la imagen, hasta que ésta se imprime y se exhibe en gran formato, existe un trabajo coordinado que busca un mismo objetivo: atraer miradas y conectar con las emociones del público. Las telas publicitarias de Lafayette permiten que ese proceso fluya con resultados excepcionales, convirtiendo cada imagen en una experiencia inmersiva. Diferentes marcas de la industria de la belleza mantienen la fidelidad y refinamiento de las imágenes a través de telas suaves y lisas que le aportan sofisticación a espacios de experiencia con los consumidores.

Este día es un recordatorio de que una gran fotografía impresa en el material adecuado, puede transformarse en un mensaje memorable que trasciende y permanece en la memoria colectiva. Por ello, en un mundo donde la imagen lo es todo, Lafayette convierte cada fotografía en una oportunidad para impactar, inspirar y dejar huella en quienes la observan.

Acerca de Lafayette:

Con 30 años en México y ocho décadas siendo líderes textiles en Latinoamérica, Lafayette ofrece un amplio portafolio diseñado para satisfacer las necesidades de los clientes en el sector de la confección. Como pioneros en tecnología textil de poliéster de alta calidad en la región, Lafayette brinda soluciones innovadoras y productos de alta calidad en México para los segmentos de moda, prendas deportivas, de playa, uniformes, decoración y publicidad en gran formato.

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