Periodistas Unidos. Guanajuato, México. 26 de julio de 2026.- El Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) 2026 rindió este sábado un sentido homenaje póstumo a la actriz española Marisa Paredes en el Teatro Juárez. La velada incluyó la proyección de Emergency Exit, su última película, con la presencia del director Lluís Miñarro, y un minuto de aplausos en reconocimiento a una de las figuras más elegantes y comprometidas del cine de habla hispana.

La ceremonia reunió a público, cineastas y personalidades del medio. En el escenario se recordó la trayectoria de Paredes, nacida María Luisa Paredes Bartolomé en Madrid el 3 de abril de 1946 y fallecida en 2024. Se destacó su paso por el Conservatorio de Arte Dramático desde los 14 años, su madurez dramática temprana y su capacidad para encarnar personajes de gran calado psicológico. Su colaboración con Pedro Almodóvar marcó una etapa fundamental: Tacones lejanos (1991), La flor de mi secreto (1995) —por la que fue nominada al Goya— y Todo sobre mi madre (1999) consolidaron su estatus internacional.

También se subrayó su trabajo con Arturo Ripstein en Profundo carmesí y El coronel no tiene quien le escriba, así como su participación en El espinazo del diablo de Guillermo del Toro y en producciones europeas. Entre 2000 y 2003 presidió la Academia de Cine de España, defendiendo la libertad de expresión en momentos de tensión política. En 2018 recibió el Goya de Honor.

 

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Como parte del homenaje, se invitó a la actriz mexicana Regina Orozco, quien compartió escenario y set con Paredes en Profundo carmesí. Orozco evocó anécdotas del rodaje, entre ellas la complejidad técnica de una escena de muerte y la profesionalidad y presencia de la actriz española. “Trabajar con ella fue algo impresionante porque conocí realmente a una gran diva”, expresó.

Posteriormente se proyectó un video homenaje que recorrió la vida y la filmografía de Paredes, desde sus inicios en el teatro y la televisión española hasta su consolidación como ícono. La narración enfatizó su elegancia, su verdad emocional y su legado vivo en las nuevas generaciones de intérpretes.

Lluís Miñarro, director de Emergency Exit, presentó la cinta dentro de la sección Madrid’s Iluminarias / Maestros en el Cine. El cineasta explicó que Paredes no solo actuó en la película, sino que intervino en decisiones creativas, como la selección de fotografías de los personajes. Destacó su coherencia, su visión del mundo y su defensa de los derechos cívicos. “Es como si ella me hubiera casi escogido para traer su última película”, señaló.

 

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Miñarro contextualizó la obra como un ejercicio visual y narrativo inspirado en parte por experiencias en México y por el cine de Luis Buñuel, especialmente El ángel exterminador. Habló de un viaje entre la vida y la muerte, de la fragmentariedad deliberada del relato y de una mirada menos trágica sobre el tránsito final, cercana a visiones orientales. Subrayó el carácter improvisado de parte del rodaje y la participación de un elenco internacional, entre ellos la directora japonesa Naomi Kawase. Invito al público a interpretar libremente la película y ofreció dialogar al final de la proyección.

El acto cerró con el reconocimiento colectivo a Marisa Paredes: un minuto de aplausos en el Teatro Juárez. Su obra, se recordó, permanece en la pantalla y en la memoria colectiva. El GIFF 2026 no solo lamentó su ausencia, sino que celebró la fortuna de haber contado con su talento durante más de seis décadas.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 25 de julio de 2026.- Con varios minutos de aplausos sostenidos y una sala entregada, el Teatro Juárez fue escenario de la presentación de Palestina 36 de la directora Annemarie Jacir, en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) 2026. La función se convirtió en un rotundo éxito de público y de conversación, marcada por la presencia del actor Karim Daoud Anaya, quien dialogó abiertamente con los asistentes sobre una película que sitúa el colonialismo británico como el punto de partida de la instalación del proyecto sionista en Palestina.

La cinta, según explicó Daoud Anaya, no es un relato lejano ni abstracto. “Es relativamente importante creer en lo que estamos escribiendo… los eventos que suceden en esta película son la causa de las consecuencias que sigue viviendo su pueblo hasta el día de hoy”, afirmó. En el centro de su intervención estuvo la idea de que contar esta historia es un acto de memoria y de resistencia: “más poder para el pueblo y menos poder para los que gobiernan”.

Durante el intercambio con el público, el cineasta detalló las dificultades del proceso. La película fue prohibida en Israel y enfrentó ataques de sectores sionistas, que, según relató, se oponen de manera sistemática a la producción cultural palestina. Aunque se preparó para filmar en Palestina —incluso se plantó algodón, cultivo hoy restringido—, los hechos del 7 de octubre obligaron a modificar planes. Parte del rodaje se realizó en Jordania y algunos fragmentos en Jerusalén, siempre bajo permisos y negociaciones con las autoridades israelíes. “No podemos parar aquí… debe significar algo”, dijo sobre la decisión de continuar.

La investigación histórica y visual ocupó un lugar central. Daoud Anaya habló de la rigurosa reconstrucción de vestuario tradicional: los textiles y bordados no son meros adornos, sino un lenguaje que identifica procedencias, ciudades y pertenencia. “Cuando miramos a alguien con los vestidos, decimos ‘él es de allí’… es una tradición que se ha heredado de generación en generación”. También se detuvo en el trabajo físico de los actores —muchos de ellos palestinos— y en cómo el cuerpo se mueve entre retenes, cárceles y espacios prohibidos: un “juego del físico con el miedo” que refleja la vida cotidiana bajo ocupación.

Sobre el casting y la pluralidad del equipo, subrayó la solidaridad internacional, incluida la de artistas británicos, y el apoyo de la familia y de la comunidad. “La solidaridad nos ayudó a obtener lo que podíamos”. La película, filmada con actores y actrices reconocidos y con una fuerte presencia de intérpretes palestinos, se convierte así en un espacio de memoria colectiva.

En las preguntas del público emergieron temas recurrentes: la transformación cultural ante la reducción territorial, el derecho a permanecer en la tierra, la transmisión de la historia a las nuevas generaciones sin naturalizar la violencia, y el papel del cine para generar conciencia. Daoud Anaya insistió en que el poder reside en la gente y no en quienes gobiernan, y que el cine sirve para conectar emociones, sueños y esperanzas: “para construir, si no es para nosotros, para la siguiente generación”.

Varios asistentes expresaron disculpas a nombre de México por la falta de un posicionamiento federal más claro en apoyo a Palestina y pidieron romper relaciones con Israel. Otros agradecieron la valentía de llevar esta historia a la pantalla y la convirtieron en un llamado a no permanecer indiferentes ante lo que describieron como un genocidio de larga data.

La presentación de Palestina 36 en el Teatro Juárez no solo cerró con una ovación prolongada. Dejó instalada la pregunta que Daoud Anaya planteó con claridad: hasta qué punto el mundo está dispuesto a escuchar una historia que comienza con el colonialismo británico y que, décadas después, sigue determinando la vida de un pueblo.

Ficha técnica de Palestina 36 (Palestine 36)

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Periodistas Unidos. Guanajuato, México. 24 de julio de 2026.- La película El arte es oscuro y está lleno de horrores, del artista y cineasta Artemio Narro, se presentó este viernes en el Teatro Juárez como parte de la Selección Oficial de Largometraje Mexicano del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) 2026. La función, programada a las 15:00-15:30 horas, generó reacciones mixtas entre el público hispanohablante: varias personas abandonaron la sala durante la proyección y, al finalizar, los aplausos se demoraron de forma notable.

La cinta, de aproximadamente dos horas, satira el mundo del arte contemporáneo mexicano. Narro, proveniente de las artes visuales, la describió en la sesión de preguntas y respuestas posteriores como un ejercicio catártico y de desprendimiento. Explicó que partió de anécdotas, memorias, chistes y chismes del “mundo del arte” (distinto del arte en sí), que inicialmente pensó como cortometrajes y terminó uniendo en un largometraje. Los personajes son mezclas de personas reales; ninguno está basado en un solo individuo.

“Salió así como muy free spirit y muy sin pedir ni perdón ni permiso”, señaló. Criticó que en la mayoría de las películas sobre el tema los artistas aparecen como payasos y buscó un enfoque más realista: el mundo del arte, al igual que el del cine o la literatura, involucra egos, juegos de poder y aspectos económicos que lo vuelven “oscuro y está lleno de horrores”. El título, dijo, evita lo anticlimático de llamar simplemente “el mundo del arte es oscuro”.

La productora Regina Bang (referida por él como Regina Vang en la charla) fue destacada por haber convertido un proyecto ambicioso en algo realizable con recursos limitados. Narro insistió en que no hay una sola obra de arte visible en la película: “No estamos hablando de arte, estamos hablando del mundo del arte”. Las composiciones visuales contienen referencias a piezas de Marina Abramović, Damien Hirst, Parrish y Caraballo, David Lynch y otras, pensadas para que quien las reconozca las identifique.

 

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Mencionó el carácter endogámico y “caníbal” del medio, el humor cínico y la exageración controlada de anécdotas reales. Relató su propia trayectoria: pasó de asistente a momentos de éxito y luego a sentirse “deslavado y perdido”, lo que lo llevó al cine y de regreso al arte. Comparó el ciclo de artistas con la muerte de Omar en The Wire: siempre habrá quien ocupe el lugar porque el mercado lo exige.

Sobre la honestidad de la producción, explicó que los extras debían pertenecer al ecosistema del arte y no provenir de agencias. La puesta en escena deliberadamente estéril y artificial busca mostrar el contraste entre las fiestas glamurosas y la realidad cotidiana de muchos de sus participantes.

Un aspecto técnico que afectó la recepción fue la ausencia de subtítulos en español para la tercera parte de la película, hablada en inglés, en una función dirigida a público predominantemente hispanohablante. Esto coincidió con la salida de varios espectadores y con el retraso en los aplausos al cierre.

La cinta cuenta con actuaciones de José María de Tavira, Martín Altomaro, Juan Pablo de Santiago, Irene Azuela y otros, y forma parte de la programación de la 29.ª edición del GIFF, que se desarrolla del 24 al 28 de julio en Guanajuato Capital y continúa en San Miguel de Allende.

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• Además de interpretar frente al público del Teatro Juárez su icónico tema “Toda la vida”, el cantante mexicano compartió su faceta cinéfila en este homenaje a su trayectoria.

Periodistas Unidos. 28 de julio de 2025. Guanajuato, México.- Hablar de pop latino es hablar de Emmanuel. Por lo cual, el Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) se enorgullece de ser parte de la celebración de los 50 años de trayectoria del rey de este género musical, como parte de la programación de Música + Cine.

Reconocido en el mundo por innovar en múltiples escenarios, además de sus canciones coreadas a todo pulmón por diferentes generaciones, Emmanuel visitó Guanajuato Capital para recibir la Cruz de Plata de Más Cine del GIFF en el Teatro Juárez, donde fue acogido en la alfombra roja por un público masivo esperando a recibir un saludo y tomarse fotos con su ídolo.

«Aquí está la chica de humo principal, la responsable de que todo esto pase», elogió el cantante a la directora ejecutiva del festival, Sarah Hoch, en la alfombra roja.

El actor Miguel Pizarro se encargó de dar la bienvenida a los asistentes para dar paso a la actriz Vanessa Bauche y el actor Juan Manuel Bernal, quienes recibieron al cantante y compositor para la entrega de la presea de manos de Sarah Hoch.

“Es una gran emoción, primero, que me den un reconocimiento, pero es una emoción muy grande estar en el corazón de ustedes, es donde creo que el artista debe vivir, trasciende en su música, su trabajo y en las imágenes, pero cuando está en el corazón de la gente, es donde realmente lo hace, trasciende para siempre. Y lo digo porque yo tengo mis artistas en el corazón, como ustedes, desde niño, y no se han ido de ahí. He perdido sus discos quizás, dejado de ver sus películas, pero siguen viviendo dentro de mí y siguen acompañándome en mis sueños”, expresó Emmanuel en su agradecimiento.

Aunque provenía de una familia con herencia artística (hijo del torero argentino Raúl Acha y de la cantante y actriz española Conchita Martínez), la carrera de Emmanuel tomó su rumbo en 1976, cuando ganó el concurso de La Voz del periódico El Heraldo de México. Ese mismo año grabó su primer disco, 10 razones para cantar.

Su personalidad inconfundible quedaría grabada en el público con el lanzamiento en 1980 de Íntimamente, su cuarto álbum de estudio del cual se desprenden canciones icónicas como “Insoportablemente bella”, “Quiero dormir cansado”, “Todo se derrumbó dentro de mí”, “Este terco corazón”, “Con olor a hierba” y “Tengo mucho que aprender de ti”.

Atravesando sin temor reversiones, colaboraciones, géneros como el regional y hasta clásicos de Navidad, Emmanuel se ha mantenido vigente e imparable. Está próximo a estrenar un disco sinfónico ecléctico, grabado en Escocia con el apoyo del productor mexicano Gustavo Farías y tras dos años de darle forma a su concepto, promete una sorpresa visual que se podrá descubrir posiblemente en octubre o hasta el siguiente año.

Dentro de su trayectoria también ha habido espacio para el cine y el altruismo, impulsando el Ecofilm Festival (Festival Internacional de Cortometrajes Ambientales) de 2011 a 2020, además de presidir la fundación Hombre Naturaleza, con la que ha llevado su preocupación por el medio ambiente a acciones concretas.

Pero también, como artista multitalento, Emmanuel probó tener ojo para la cinematografía con su participación activa en el desarrollo y la realización de sus videoclips, demostrando un conocimiento clínico y espíritu innovador al experimentar con nuevos formatos en los que tuvo como aliados al director y productor Pedro Torres y al cinefotógrafo Sergio Yazbek. A su vez, la fuerza narrativa de su música ha acompañado telenovelas, películas y producciones audiovisuales en toda Iberoamérica, convirtiéndolo en una voz que, sin ser actor protagónico, ha sido esencial en el celuloide.

“Afortunadamente con la música he podido caminar por ahí y este reconocimiento, que es en sí a los 50 años de mi música, también es, y lo siento, a lo que hemos hecho dentro de lo que son las filmaciones en 35 mm. Mi sueño de querer hacer cine desde niño fue mi asignatura pendiente y nunca supe si podía actuar”, contó.

“Y se me quedó en el tintero. Me ofrecieron muchas películas en la época en la que el cine en México estaba muy de capa caída, con guiones y formas de hacer las películas la verdad muy difíciles, con muy poco dinero. Se hacían en una semana, con unos guiones nefastos, y dije que no. Debería haber dicho que sí. Ya hubiera aprendido a hacer muchas cosas y, yo digo, a lo mejor tendríamos unas cuantas, como 4 mil películas hechas por mí”.

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Periodistas Unidos. Guanajuato, México. 25 de julio de 2025.- El viernes 25 de julio de 2025, el Teatro Juárez de la capital guanajuatense se vistió de gala para rendir un emotivo homenaje al cineasta mexicano Carlos Carrera, en el marco de la edición número 28 del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF). La ceremonia inaugural del festival, que se celebra del 25 de julio al 4 de agosto, destacó por su alfombra roja repleta de estrellas del cine mexicano y un reconocimiento especial a la trayectoria de uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo.

Durante la velada, Carlos Carrera, conocido por obras icónicas como El Crimen del Padre Amaro (2002) y Ana y Bruno (2017), recibió la Cruz de Plata “Más Cine” de manos de Sarah Hoch, directora del GIFF, así como la Medalla de Plata de la Filmoteca de la UNAM, entregada por Hugo Villa, director de esta institución. El público, de pie y entre aplausos, celebró al cineasta que ha marcado un hito en la cinematografía nacional con su narrativa profunda y su compromiso social.

Carlos Carrera recibe medalla y reconocimiento por su carrera filmica durante el @giffmx 2025 en el Teatro Juárez de Guanajuato. Fotos: @alexmelon pic.twitter.com/xVMHgzsQO8

— Periodistas Unidos (@PeriodistasU) July 26, 2025

Carrera, considerado un pilar del cine mexicano, ha destacado por retratar las contradicciones de la sociedad y la complejidad del alma humana en filmes como La Mujer de Benjamín (1991), La Vida Conyugal (1993) y Un Embrujo (1998). Su trabajo en la animación también ha sido notable, con el cortometraje El Héroe (1994), ganador de la Palma de Oro en Cannes, y Ana y Bruno, uno de los *largometrajes animados más ambiciosos de México.

El homenaje incluyó una retrospectiva de sus películas en Guanajuato Capital y una charla magistral con el director Roberto Fiesco, donde Carrera compartió anécdotas y reflexiones sobre su carrera. Además, se reconoció su papel como precursor del Rally Universitario del GIFF, una iniciativa que impulsa a jóvenes cineastas a crear cortometrajes en 48 horas, y que este año regresó a Guanajuato tras cuatro años de ausencia.

“Es un honor inesperado estar aquí, en un festival que no solo celebra el cine, sino que fomenta la creación y el diálogo entre generaciones”, expresó Carrera durante la ceremonia, visiblemente emocionado.

El GIFF 2025, que este año proyecta 206 películas de 61 países, reafirma su compromiso con el talento mexicano y la innovación cinematográfica. Además del homenaje a Carrera, el festival rendirá tributo a figuras como Ana Martín, Verónica Castro, Rosy Ocampo y el cantante Emmanuel, consolidándose como un espacio de celebración y reflexión sobre el séptimo arte.

Con eventos como el Rally Universitario, proyecciones en panteones, talleres de inteligencia artificial y una muestra especial de cine de la India, el GIFF continúa siendo un punto de encuentro para la comunidad cinematográfica y un referente cultural en México.

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• Además, el GIFF se suma a la celebración por los 50 años de “Tiburón” (“Jaws”) con una proyección especial del que es el primer blockbuster veraniego de la historia.

• Ambas películas podrán verse de manera gratuita en Guanajuato Capital, en el emblemático Teatro Juárez.

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 24 de julio de 2025.- Siguiendo con su compromiso con el público cinéfilo de llevarle lo mejor del cine, el Festival Internacional de Guanajuato (GIFF) anuncia un par de grandes sorpresas para su edición 28, a realizarse del 25 de julio al 4 de agosto en Guanajuato Capital, San Miguel de Allende e Irapuato.

GIFF, en colaboración con Universal Pictures y Cine CANÍBAL, se enorgullece en anunciar la premiere en Latinoamérica de la aclamada y muy esperada película “Eddington”, dirigida por el célebre cineasta Ari Aster, una de las nuevas voces del cine de género que se ha consolidado durante los últimos años. Podrá verse en una gala especial el sábado 26 de julio a las 18:30 hrs en el Teatro Juárez, marcando con entusiasmo el regreso del encuentro cinematográfico a la capital guanajuatense.

El Festival igualmente se honra en presentar, en colaboración con Universal Pictures México, una proyección conmemorativa por el 50 aniversario de “Tiburón” (“Jaws”), obra fundamental del legendario director Steven Spielberg. Esta función especial tendrá lugar el domingo 27 de julio a las 20:30 hrs en el Teatro Juárez.

Una historia tan perturbadora como profundamente humana

Ambientada en 2020 en plena pandemia de COVID, “Eddington” transcurre en un pequeño pueblo ficticio de Nuevo México, próximo a Albuquerque, que intenta recuperar su época dorada minera, donde un sheriff local y un alcalde entran en conflicto político dando pie a una espiral de desinformación, paranoia y colapso social. Con tintes de sátira política, western moderno y drama psicológico, Aster construye un retrato ferozmente contemporáneo sobre la polarización, la crisis institucional y el aislamiento emocional.

La película es también una poderosa reflexión sobre la fragilidad mental y la necesidad de conexión. Su narrativa, estética hipnótica y ritmo desafiante han generado un fuerte debate en círculos críticos y académicos, confirmando su lugar como una de las piezas más influyentes del cine contemporáneo de lo que va del año y contando con un elenco de lujo encabezado por Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone y Austin Butler; la solidez interpretativa del reparto ha sido clave en el reconocimiento crítico de la película.

Con títulos como “Hereditary”, “Midsommar” y “Beau Is Afraid”, Ari Aster ha redefinido el cine de género en la última década ampliando horizontes hacia la comedia negra y el western contemporáneo. Su nuevo filme representa un nuevo territorio creativo en su filmografía: una crítica social y política con gran carga emocional y estética. Esta cinta celebra el espíritu arriesgado y reflexivo del cine.

Una obra que definió al cine contemporáneo, en un aniversario que merece celebrarse en pantalla grande

Estrenada originalmente en 1975, “Tiburón” (“Jaws”) no solo marcó un antes y un después en la historia del cine, sino que cambió para siempre el modelo de estrenos veraniegos, convertida rápidamente en fenómeno de taquilla y en un hito de la cultura pop, siendo el primer largometraje en superar los 100 millones de dólares en recaudación en Estados Unidos, además de considerada como la responsable del nacimiento del “blockbuster” moderno.

Con una narrativa impecable, un ritmo tenso y el uso revolucionario de la música de John Williams, esta película transformó el miedo en arte y redefinió las reglas del suspenso. Más allá de su impacto económico, la cinta se convirtió en una obra maestra del terror psicológico y en un símbolo duradero del miedo colectivo.

Este año, en el marco del 50 aniversario de “Tiburón” (“Jaws”), GIFF presenta una versión remasterizada en 4K de la película, restaurada directamente desde los archivos de Universal Studios, permitiendo al público revivir o descubrir por primera vez esta pieza fundamental del cine tal y como fue concebida: en la sala de cine, con sonido envolvente y una calidad visual impecable. Universal Pictures México se suma a esta celebración, reafirmando su compromiso con el cine patrimonial y su difusión en nuevas plataformas y contextos culturales.

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