Periodistas Unidos. Ciudad de México a 20 de junio de 2026.- La fotógrafa mexicana Daniela Name explora las historias que sobreviven al desplazamiento a través de dos proyectos que retratan la herencia siria en México y la preservación de las tradiciones mexicanas en Estados Unidos.

Las fronteras pueden separar países, pero rara vez logran borrar las costumbres, los recuerdos y las historias que las personas llevan consigo. Esa idea es el corazón de la obra de Daniela Name, fotógrafa documental mexicana cuya producción artística gira en torno a la identidad, la migración y la transformación cultural.

A través de imágenes íntimas y profundamente humanas, la artista ha desarrollado una investigación visual sobre aquello que permanece cuando una comunidad se desplaza: los sabores heredados, las celebraciones compartidas, los vínculos familiares y las expresiones culturales que encuentran nuevas formas de existir lejos de su lugar de origen.

“La migración es un tema que me interesa porque forma parte de mi propia historia”, explica Name. “Yo crecí completamente en México, pero también rodeada de tradiciones que llegaron con mi familia desde Siria. Esa mezcla cultural siempre ha sido parte de quién soy”.

Esa búsqueda personal se refleja en Las Primas, una serie fotográfica dedicada a las mujeres de su familia materna, descendientes de inmigrantes sirios que se establecieron en México y que, con el paso de las décadas, han mantenido viva parte de su herencia cultural.

Las protagonistas del proyecto aparecen retratadas en las cocinas de sus hogares, espacios que para la fotógrafa representan mucho más que un lugar de trabajo cotidiano. Son escenarios donde se preservan recetas, memorias y costumbres transmitidas entre generaciones.

“Me llama mucho la atención cómo la comida se convierte en un vehículo para conservar la identidad cuando las tradiciones viajan”, comenta.

La serie también observa los roles que históricamente han asumido las mujeres dentro de estas familias y las expectativas que continúan acompañándolas. Mientras documentaba el proyecto, Name descubrió que muchas de sus familiares preparaban cuidadosamente cada detalle antes de ser fotografiadas, una acción que terminó revelando las exigencias culturales asociadas a la imagen femenina.

La exploración sobre pertenencia e identidad continuó cuando la artista se mudó a Nueva York para especializarse en fotografía documental. Ahí encontró una nueva historia que contar dentro de las comunidades mexicanas establecidas en Estados Unidos.

Durante 2024 y 2025 documentó grupos de danza trad

icional que mantienen vigentes expresiones culturales provenientes de Morelos, Oaxaca, Jalisco y otras regiones del país. Ese trabajo dio origen a Colores Rotos, una serie que analiza la manera en que las tradiciones evolucionan al adaptarse a nuevos contextos sociales y culturales.

“Lo que me interesó fue observar cómo las costumbres permanecen, pero también cómo cambian cuando se desarrollan lejos de su lugar de origen”, señala.

Entre los protagonistas de la serie aparecen jóvenes nacidos en Estados Unidos, hijos de migrantes mexicanos, que participan activamente en bailes y celebraciones tradicionales aun cuando su vida cotidiana transcurre dentro de una cultura distinta.

“Muchos crecieron aquí, hablan inglés como primera lengua y tienen referencias culturales diferentes, pero siguen encontrando una conexión muy fuerte con las tradiciones de sus familias”, explica.

Para representar visualmente ese proceso de adaptación, Name incorpora técnicas experimentales que incluyen escaneos e intervenciones fotográficas. Las imágenes fragmentadas y transformadas funcionan como una metáfora de las identidades que se reconstruyen constantemente a partir de múltiples influencias.

Más que documentar comunidades específicas, la fotógrafa busca abrir una conversación sobre la forma en que las personas construyen sentido de pertenencia a través de la memoria colectiva.

“Me interesa entender qué cosas heredamos, cuáles aprendemos y cómo todo eso termina formando nuestra identidad”, afirma.

Con Las Primas y Colores Rotos, Daniela Name consolida una propuesta artística que encuentra en las historias migrantes un territorio fértil para reflexionar sobre la familia, la cultura y la permanencia. Su obra demuestra que las tradiciones no desaparecen cuando cruzan una frontera: se transforman, se adaptan y continúan escribiendo nuevas historias.

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Por José Sobrevilla

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 05 de junio de 2026.- Como quien recorre un mural lleno de capas: memoria, dolor, rebeldía, arte y conciencia social, en entrevista exclusiva, Julio Carrasco Bretón nos habla de la historia de su vida, misma que comienza marcada por dos mundos opuestos que convivían en casa: su padre, republicano español exiliado del franquismo, traductor políglota, ateo y de pensamiento socialista; y su madre, mexicana, religiosa y proveniente de una familia porfiriana. Heredó de ambos una mirada amplia y contradictoria del mundo, una mezcla de sensibilidad social, disciplina intelectual y profunda humanidad.

La infancia de Julio Carrasco Bretón transcurrió en la colonia Condesa de la Ciudad de México, en una época que recuerda como un ‘tiempo luminoso’. Habla con nostalgia  de las escuelas públicas donde estudió; espacios en los que convivían niños de distintas clases sociales y donde todavía enseñaban grandes intelectuales y escritores de aquellos tiempos. Como si fuera hoy, recuerda los paseos con su padre a museos, a Ciudad Universitaria y al Centro Histórico; las bicicletas que rentaba en el Parque México porque no alcanzaba para comprarlas, y las tardes de cine y boxeo con un tío que era muy consentidor con él. Esa formación temprana le dio algo que considera esencial: el contacto real con el pueblo y con la diversidad humana.

Desde muy pequeño dio muestras de una inteligencia precoz. Aprendió a leer, escribir y hacer operaciones matemáticas antes de entrar a la primaria, lo que le permitió adelantar grados, aunque también lo convirtió en un niño más vulnerable frente a sus compañeros mayores. De aquella etapa conserva una lección que lo marcó para siempre: jamás permitir la humillación. La aprendió de su madre, quien lo defendió cuando una directora escolar quiso castigarlo injustamente. Esa escena, asegura, moldeó su sentido de justicia y su rechazo a cualquier abuso de poder.

Otro momento decisivo llegó con la muerte. A los once años vio morir de un infarto a un familiar, el cual feneció entre sus brazos. Aquella experiencia lo enfrentó brutalmente con la fragilidad humana y despertó en él preguntas filosóficas que nunca abandonó. Años después, el movimiento estudiantil de 1968 profundizó todavía más esa conciencia crítica. Con apenas diecisiete años vivió la represión y la masacre de Tlatelolco como una herida generacional. Entendió que el autoritarismo no solo provenía del Estado, sino también de estructuras familiares y sociales profundamente arraigadas. Como muchos jóvenes de la época, sintió la tentación de incorporarse a movimientos guerrilleros, pero un amigo periodista le hizo ver que su verdadera trinchera estaba en otro lugar.

Aunque desde niño soñaba con ser pintor, la presión familiar lo llevó a estudiar ingeniería química en la UNAM por los riesgos de caer en la vida bohemia. Sin embargo, nunca abandonó el arte y estudió ambas al mismo tiempo. Mientras cursaba una carrera exigente, también tomaba clases de pintura con un maestro, quien terminó convirtiéndose en una figura decisiva en su formación. con gran emoción, recuerda Julio, cómo aquel anciano maestro le confirmó que no necesitaba ingresar a una escuela formal de arte: su camino ya estaba definido.

La pintura y la ciencia comenzaron entonces a convivir dentro de él. Su tesis universitaria fue pionera: una investigación sobre la historia de la química acompañada por un mural que narraba visualmente la evolución del conocimiento científico desde la alquimia hasta la era nuclear. Ahí comprendió que su verdadera vocación consistía en unir pensamiento, arte y reflexión histórica.

Más tarde se convirtió en maestro del Colegio de Ciencias y Humanidades y después de la UNAM. Enseñó matemáticas, química, ecología e historia de la ciencia. Incluso afirma haber impulsado una de las primeras cátedras de ecología y recursos naturales en México, cuando todavía el término era desconocido para buena parte de la sociedad y de la clase política. Durante años vivió de su salario universitario mientras intentaba consolidarse como pintor.

Julio Carrasco Bretón nos compartió también las situaciones que redefinieron su existencia. Una de ellas casi le cuesta la vida: sufrió veintinueve fracturas y graves lesiones internas en un accidente. Sobrevivir cambió radicalmente su relación con la muerte. Desde entonces decidió concentrarse no en temerle al final, sino en vivir intensamente y con sentido. Esa experiencia fortaleció su impulso creativo y su necesidad permanente de hacer cosas.

En el terreno personal comentó parte de los recuerdos como el de su matrimonio con la actriz Diana Mariscal, figura emblemática del cine mexicano y que hizo la película “Fando y Liz” del director chileno Alejandro Jodorowsky. Aquella relación lo acercó a un universo artístico y surrealista que amplió todavía más su visión cultural.

A lo largo de más de cinco décadas de carrera, Julio Carrasco ha mantenido una postura independiente. Nunca quiso someter su obra a favores políticos, grupos de poder o becas condicionadas. Prefirió construir un camino propio, incluso si eso implicaba mayores dificultades. Llegó a presidir asociaciones artísticas nacionales e internacionales, obtuvo reconocimiento fuera de México y realizó obra mural en distintos países, pero insiste en que lo más importante ha sido conservar intactos sus principios éticos.

Su reflexión sobre México atraviesa gran parte de la conversación. Habla de un país inmensamente rico en historia, culturas originarias y diversidad humana, pero limitado por la desigualdad, la falta de educación cívica y la ausencia de proyectos colectivos sólidos. Critica la mezquindad de muchos actores políticos y lamenta que la educación y la cultura sigan siendo relegadas. De esa preocupación nacieron varios de sus libros, especialmente uno inspirado en “El laberinto de la soledad” de Octavio Paz, en el que intenta comprender las contradicciones profundas del carácter mexicano.

Más allá del prestigio artístico o intelectual, Julio Carrasco Bretón asegura que desea ser recordado simplemente como un ser humano cálido, alguien que dejó enseñanza y memoria en otros. Se emociona al recordar a miles de alumnos que hoy siguen reconociéndolo en la calle, muchos de ellos convertidos en músicos, cineastas, caricaturistas o escritores destacados.

A sus más de cincuenta años de trayectoria como artista plástico, continúa despertando cada día con la misma inquietud creadora. Piensa en nuevos murales, nuevos cuadros, nuevas novelas, nuevas ideas. Dice que jamás podrá ponerse “las pantuflas de la resignación” y que mientras viva, seguirá creando. Ver video-entrevista completa en SociodigitalTV y @Sobrevillasproductions, en YouTube.

Entrevista realizada vía Met el 13 de mayo de 2026 desde su casa estudio de la CDMX

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Periodistas Unidos. Ciudad de México a 15 de mayo de 2026.- En un esfuerzo sin precedentes por transformar la cultura de la prevención oncológica, Fundación COI presentó una estrategia integral que utiliza el arte fotográfico y la tecnología de vanguardia para mitigar el impacto del cáncer de piel en el país. Bajo el concepto rector “Mirar la piel puede salvar una vida”, la iniciativa busca revertir las alarmantes cifras de una enfermedad que registra hasta 16 mil nuevos casos anuales en territorio mexicano, según datos del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS).

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 22 de abril de 2026.- La historia del arte en Oaxaca suele contarse desde sus grandes nombres, sus escuelas o sus momentos de consolidación. El libro Artistas de Oaxaca. Magisterios polémicos, futuros interrumpidos, de Jorge Pech Casanova, propone otra entrada: revisar el desarrollo de la plástica local a partir de trayectorias que quedaron inconclusas.

El volumen reúne el estudio de once artistas fallecidos entre 2008 y 2025: Roberto Donis, Atanacio García Tapia, Juan Alcázar, Arnulfo Mendoza, José Luis Tiznado, Marco Antonio Bustamante, Fernando Olivera, Crispín Vayadares, Soid Pastrana, Francisco Monterrosa y Guillermo Rito; y los coloca dentro de un panorama más amplio que abarca de 1920 a la actualidad.

Las trayectorias funcionan como puntos de lectura para entender tensiones formativas, disputas de legitimidad y momentos de reorganización del campo artístico. En ese recorrido aparecen dos espacios clave: la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca y el Taller Estatal de Artes Plásticas “Rufino Tamayo”, núcleos que marcaron generaciones de artistas y que operaron también desde la competencia.

El estudio también incorpora transformaciones en el circuito artístico local: el surgimiento de espacios alternativos a finales de los noventa, el impacto de la crisis social de 2006–2007 y la reconfiguración institucional que culmina con el cierre del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca en 2023. Estos procesos modifican directamente las condiciones de producción, exhibición y circulación del arte en el estado.

El enfoque combina entrevistas con familiares, colaboradores y agentes cercanos a los artistas, junto con revisión de archivos, catálogos y estudios previos. Esa base permite leer las trayectorias dentro de redes afectivas, profesionales e institucionales.

El título introduce dos líneas claras. “Magisterios polémicos” apunta a la influencia y conflicto de figuras formadoras dentro del ecosistema local. “Futuros interrumpidos” pone sobre la mesa las trayectorias truncas, muchas de ellas atravesadas por enfermedad o por la pandemia, dejando abiertas líneas de trabajo que no alcanzaron a desarrollarse.

El libro fija una lectura precisa: el arte en Oaxaca se construye desde tensiones constantes. La dependencia de espacios de formación, la fragilidad institucional y la vulnerabilidad de las carreras aparecen como parte estructural del sistema.

El resultado ordena un siglo de producción artística en el estado y, al mismo tiempo, deja visibles las condiciones que lo sostienen y lo limitan.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 21 de abril de 2026.- Inaugurada recientemente en la galería LATINOU, la exposición AtardeSer del artista mexicano Rodrigo Ímaz presenta una instalación en sitio específico que aborda la relación entre tiempo y percepción.

La pieza central es un Volkswagen parcialmente enterrado, una figura reconocible de movilidad, diseño y aspiración. Aparece detenido, oxidándose y perdiendo sentido frente al paso del tiempo, más cercano a un síntoma que a un objeto nostálgico.

El entorno refuerza esa condición. Un mural simula un atardecer de playa sin horizonte real. Es una imagen construida, casi escenográfica, que genera tensión entre lo que se ve y lo que ocurre. La escena se plantea como un estado intermedio, algo que aún permanece aunque ya no funcione igual.

El título entra en ese mismo desplazamiento. AtardeSer, escrito con “s”, introduce una variación que atraviesa la propuesta y señala un desfase entre lenguaje, experiencia y tiempo, integrándose como parte de la lógica de la obra.

La exposición, curada por Luis Ramaggio,  se plantea como un ensayo instalativo para  situar al espectador dentro de un ambiente donde la percepción cambia según el recorrido, la luz y la distancia, generando una experiencia directa del espacio.

A esta pieza central la acompaña una serie de esculturas en mármol negro y otras en madera, ademas de acrílicos sobre tela.

El próximo 7 de mayo, el artista Rodrigo Ímaz y Luis Ramaggio, el curador, ofrecerán un recorrido guiado.

AtardeSer se presenta en la galería Latinou (Colima 29, Roma Nte) hasta el 6 de junio.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 17 de abril de 2026.- El Museo Morelense de Arte Contemporáneo Juan Soriano (MMAC), en Cuernavaca, exhibe Jungle, de  Yutaka Sone. La muestra reúne pintura y escultura en torno a la relación entre el ser humano y su entorno.

Sone trabaja el paisaje como un campo de tensión entre lo natural y lo construido. En Jungle, esa condición se traduce en superficies densas, casi saturadas, donde la vegetación deja de ser fondo y activa la imagen. Las obras construyen un espacio continuo donde la mirada no encuentra un punto fijo.

Bajo la curaduría de Dorothée Dupuis, la exposición propone una lectura feminista, crítica y decolonial que abre otras capas sobre la obra: el paisaje como territorio político, la naturaleza como construcción ideológica, la escala como una forma de poder y la percepción como un espacio en disputa.

Con formación en arquitectura y una trayectoria internacional consolidada, incluida su participación en la Bienal de Venecia y exposiciones en el MoMA, el Whitney y la Tate Modern, Sone ha desarrollado un lenguaje que cruza lo urbano y lo natural desde la experiencia del espacio.

En Jungle, esa relación se traduce en pintura y escultura: por un lado, superficies que concentran la inmediatez del entorno; por otro, piezas que insisten en su permanencia material.

La muestra incluye también series de copos de nieve en pintura y cristal. El formato hexagonal remite a estructuras repetitivas, aunque cada pieza presenta variaciones, llevando la atención a lo mínimo.

El resultado no es una exposición sobre la naturaleza, sino sobre cómo la percibimos y la procesamos en un contexto saturado de imágenes. Jungle funciona como un espacio de fricción entre memoria, ilusión y presente.

La exposición se presenta en la Galería Principal del MMAC hasta el 31 de mayo.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 30 de noviembre de 2025.– El Museo de la Ciudad de México, recinto de la Secretaría de Cultura capitalina, abrió al público las exposiciones “45 Años de Resonancia de un Oficio”, del escultor Salvador Pizarro, y “Reynaldo Olivares: arte y compromiso”, del pintor y grabador Martín Reynaldo Olivares Hernández. Ambas muestras rinden homenaje a trayectorias artísticas profundamente humanas, ancladas en el oficio, la memoria colectiva y el compromiso social. La exposición dedicada a Reynaldo Olivares tiene un origen singular: nació de la iniciativa “Martes de Zócalo Ciudadano”, espacio de diálogo directo entre la ciudadanía y el Gobierno de la Ciudad de México. El maestro presentó su proyecto en una de estas sesiones y encontró el respaldo institucional necesario para concretarlo.

“El maestro Olivares llegó con un grabado de gran calidad, conversamos sobre su obra y visitamos su estudio. Ahí descubrimos la dimensión de su trabajo, que retrata momentos fundamentales de nuestra historia (…). Esta exposición me parece que es una reivindicación fundamental, no solamente de alguien que sale del Taller de Gráfica Popular, sino de toda esta escuela de los años convulsos y que siempre ha estado ahí, en la crítica y en la resistencia siempre difícil”, declaró Ana Francis Mor, secretaria de Cultura de la Ciudad de México.

Originario de Xico, Veracruz, Reynaldo Olivares pertenece a la tercera generación del histórico Taller de Gráfica Popular (TGP). Su obra combina la técnica artesanal del grabado con una expresividad pictórica que explora texturas, contrastes y líneas cargadas de contenido social. A lo largo de décadas ha creado gráfica para movimientos comunitarios, organizaciones sociales y medios nacionales e internacionales, convirtiendo el grabado en herramienta de denuncia, comunicación y construcción colectiva.

En paralelo, “45 Años de Resonancia de un Oficio” reúne más de una veintena de esculturas de Salvador Pizarro, artista nacido en Azcapotzalco. Formado en oficios como carpintería, mecánica y talleres artesanales con comunidades indígenas, Pizarro ha desarrollado una estética profundamente mexicana mediante la talla directa en madera, mármol y piedra.

“Celebrar la obra del maestro Salvador Pizarro es reconocer la fuerza de un oficio que se ha tallado durante décadas desde la raíz popular. Su trabajo representa una parte esencial del patrimonio artístico de la Ciudad de México”, subrayó la secretaria Ana Francis Mor.

Para Pizarro, tallar es un acto que parte del sentir: observar el material, trazar, desbastar y pulir hasta revelar formas que transitan entre lo inquietante, lo simbólico y lo conmovedor, siempre con el propósito de transmitir tradiciones ancestrales y escenas de la vida cotidiana mexicana.

Ambas exposiciones podrán visitarse hasta el 28 de febrero de 2026 en el Museo de la Ciudad de México, ubicado en José María Pino Suárez 30, Centro Histórico, alcaldía Cuauhtémoc. Horario: martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. Costo de entrada general: 44 pesos (entrada libre a menores de edad, estudiantes, maestros, personas con discapacidad y adultos mayores con credencial vigente).

Con estas muestras, el Museo de la Ciudad de México reafirma el valor del arte como instrumento de memoria histórica, resistencia y vínculo comunitario, al tiempo que demuestra que el diálogo ciudadano puede traducirse en oportunidades reales para los creadores de la capital.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 27 de noviembre de 2025.- El Museo Archivo de la Fotografía (MAF) inauguró “Mirar desde dentro: Autismo y Fotografía”, primera exposición individual del fotógrafo Iván Macías, una propuesta íntima y profundamente humana que reúne 45 imágenes tomadas desde 2018 y que revela cómo la cámara se convirtió para él en una herramienta de autodescubrimiento, aceptación y conexión con el mundo como persona autista.

“Para mí la fotografía ha sido un camino hecho de puentes: amistades, comunidad y abrazos. Hablar desde el autismo fue un reto porque durante mucho tiempo no quise ser solo ‘el fotógrafo autista’, sino reconocido por la calidad de mi trabajo. Hoy entiendo que el autismo es parte esencial de mi mirada”, compartió Iván Macías durante la inauguración.

La directora del MAF, Lizbeth Ramírez Chávez, subrayó que la inclusión va más allá de rampas físicas: “Significa abrir espacios para dialogar sobre salud mental, sensibilidad y acompañamiento. Montar esta exposición fue un proceso de aprendizaje para todo el equipo, porque queríamos que el museo se convirtiera en un verdadero hogar para quienes se acerquen a la mirada de Iván”.

Camilo Vicente Ovalle, director del Archivo Histórico de la Ciudad de México, anunció que la pieza “Árbol de la vida” de Iván Macías pasará a formar parte del acervo permanente del museo, mientras que Edgar Castelán destacó: “Fotografiar es alinear ojo, mente y corazón; Iván lo hace desde una perspectiva completamente distinta que nos exige ampliar los sentidos y observar desde otro lugar”.

La exposición invita al público a recorrer un universo donde la imagen se transforma en lenguaje, refugio y puente, y demuestra que la diversidad en la percepción no solo enriquece, sino que revela nuevas formas de entender la belleza y la sensibilidad.

“Mirar desde dentro: Autismo y Fotografía”
Hasta el 15 de febrero de 2026
Martes a domingo, 10:00 a 17:00 h
Museo Archivo de la Fotografía
República de Guatemala 34, Centro Histórico
Entrada libre

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Por Alejandro Meléndez

Periodistas Unidos. Ciudad de México. 24 de octubre de 2025.- En una entrevista telefónica desde San Cristóbal de las Casas, Chiapas, donde se encuentra ofreciendo una serie de conciertos, la cantautora tijuanense, Nidia Barajas, lanzó un contundente mensaje contra las plataformas de streaming como Spotify, lideradas por magnates tecnológicos como Daniel Ek, cofundador y CEO, y Martin Lorentzon, cofundador y principal accionista individual. En un mensaje en su cuenta de Instagram, Barajas anunció que bajaría de plataformas digitales su música. Durante esta plática denunció cómo estas empresas precarizan el trabajo de los músicos, concentrando las ganancias en pocas manos y perpetuando un modelo de explotación.

 

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“Spotify es un monstruo”, afirmó Barajas, refiriéndose al modelo de negocio que, en su experiencia, no solo ofrece regalías insignificantes, sino que también obstaculiza la autonomía de los artistas. Relató cómo, tras dos años en plataformas digitales, enfrentó problemas con distribuidoras que retuvieron sus regalías –apenas 9.95 dólares en un año– y le negaron acceso a ellas por falta de suscripción activa. “Estoy pagando por tener mi música en las plataformas, y eso no tiene sentido. Es un sistema que no está diseñado para nosotras, las artistas independientes”, señaló.

Barajas, con 19 años de trayectoria como compositora, ha tomado una decisión radical: retirar su música de las plataformas digitales. Consultado sobre si este acto representa un hito, Barajas explicó que su decisión responde a la búsqueda de autonomía y a la necesidad de obtener un bienestar económico tangible que le permita seguir creando. «No se trata de ganar millones, sino de vivir dignamente de lo que amamos», afirmó.

En su relato, Barajas también compartió una reflexión sobre la comunidad que la sostiene. Recordó cómo, antes de entrar a Spotify, sus canciones eran coreadas por sus seguidoras en los conciertos, pero al subir su música a la plataforma, notó una desconexión. “Las chicas que no tienen datos en su teléfono para escuchar en YouTube o Spotify me decían que ponían poquitos datos para oírme. Ahora, con proyectos comunitarios, hacemos trueques o colaboraciones para que quienes no tienen dinero puedan acceder a mi música. La música no es para quedarse, es para compartir”, afirmó con convicción.

La cantautora también hizo eco de la lucha de artistas consolidadas, como la rapera guatemalteca Rebeca Lane, a quien conoció en un conversatorio reciente. Lane, una figura internacional con miles de seguidores, enfrenta dificultades económicas similares, como la cancelación de un evento en un teatro de Guatemala que le generó multas. “Es doloroso y da rabia ver que alguien con tanto talento y trayectoria tenga que lidiar con eso. Nos mantiene en una ilusión de ‘llegar’, pero esos espacios no están hechos para nosotras”, reflexionó Barajas.

La artista también cuestionó el modelo de acumulación de riqueza de las plataformas, que contrasta con la precariedad de los músicos. “Vi un reel que decía que 100,000 canciones en Spotify no tienen ni una sola reproducción. Mientras las empresas acumulan fortunas. Es una dictadura musical que invisibiliza y desanima a las artistas”, denunció. Barajas aboga por un cambio estructural, promoviendo la organización colectiva entre artistas para romper con este sistema. “Hay sellos independientes, como el de Leiden, que están proponiendo alternativas. Es momento de nombrar nuestros proyectos y apoyarnos para seguir creando sin depender de un sistema que nos explota”, concluyó.

Con su música y el acto de rebeldía, Nidia Barajas no solo desafía a la industria, sino que invita a repensar cómo los artistas pueden recuperar el control de su trabajo. Su objetivo es construir un futuro donde la pasión por el arte no signifique un sacrificio económico o de salud, y forjar un entorno donde donde los corazones valoren y luchen por la dignidad de la creación musical.

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Periodistas Unidos. Ciudad de México. 09 de octubre de 2025.- La Melancholy Dance Company, compañía coreana fundada por el coreógrafo Jeong Cheol-in, presentó un programa que invita a reflexionar sobre el cuerpo, la emoción y la libertad a través de tres piezas complementarias. En el marco de su gira por México, en colaboración con el Festival Internacional de Danza Contemporánea “Lila López”, de la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, la Coordinación Nacional de Danza del INBAL, el Sistema de Teatros de la Ciudad de México y Danza UNAM, la compañía ofreció un espectáculo que combina diversas formas de expresión escénica para explorar la condición humana desde la potencia y la sensibilidad de la danza contemporánea coreana.

El programa comenzó con Flight, un dueto que explora la ligereza y la fuerza del movimiento, evocando la sensación de volar y la constante búsqueda de equilibrio. Esta pieza fue seguida por una videodanza que complementa la experiencia escénica y ofrece una perspectiva diferente sobre el lenguaje del movimiento. Intérpretes: Jeong Cheol-in y Ryu Jisoo.

Posteriormente, tras la proyección de un video que muestra a la compañía en un entorno urbano de la República de Corea, se presentó Your Symptoms, una pieza que se adentra en las heridas invisibles de la vida moderna —soledad, ansiedad, tristeza y deseo— para invitar al público a confrontar y aceptar sus propias emociones a través de la catarsis, el movimiento y la reflexión compartida. Intérpretes: Jeong Cheol-in, Ju Youngsang, Kim Yunhyun, Lee Hak, Lee Hyunsub, Mun Gyungjae y Ryu Jisoo.

Desde su fundación en 2016, Melancholy Dance Company ha participado activamente en actividades creativas, abrazando las emociones melancólicas de la época actual y esforzándose por expandir el lenguaje corporal y superar las limitaciones a través del arte, proyectando así un alcance hacia el futuro y los ideales. Sus integrantes transmiten mensajes sutiles sobre la historia y los fenómenos humanos mediante variaciones de velocidad, ritmo y peso, centrándose en el tema de la vida humana.

 

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Jeong Cheol-in continúa desarrollando un trabajo creativo que explora una amplia gama de movimientos y expresiones corporales. Valora la conexión emocional con el público y ofrece actuaciones intuitivas, interesantes e inmersivas. Como bailarín y coreógrafo, demuestra cómo la danza puede trascender el movimiento físico para convertirse en un medio sensorial e intelectual de comunicación con la audiencia.

Fundador y director artístico de Melancholy Dance Company, Jeong debutó como coreógrafo en 2014 con Free Fall. Sus principales obras incluyen Flight (2016), 0g (2018), Übermensch (2019), Your Symptoms (2020), Mobility (2021) y Unprotected (2022). Su enfoque coreográfico se basa en una profunda investigación de la fisicalidad. A través de un vocabulario de movimiento matizado, explora las capas emocionales y psicológicas de la condición humana. Tanto como intérprete como creador, es reconocido por su sinceridad, precisión y rigor artístico, cualidades que le han valido el reconocimiento de la crítica y numerosos premios.

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